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OBF feat. MR Williamz – Mandela


We are not even halfway through 2015 but it seems like the biggest release of the year has just arrived, courtesy of OBF and Mr Williamz.

Any release by OBF tends to make a lot of noise, and although this comes fairlly quickly after their first LP release, it is ready to steal the spotlight: OBF have been mashing up dances for the last year with this tune, so it is a great choice to bring it out as their first 7″.

On the A-side, Mr Williamz pays a conscious tribute to Nelson ‘Madiba’ Mandela, “the great freedom fighter from outa South Africa”. His lyrics and flow tie in  perfectly with OBF’s heavyweight riddim. This distinct brand of digital stepper, recognizable by it’s heavy bass lines and a slow tempo, has been OBF’s trademark style for a long time. But this does not mean it has lost any of its power, and anyone who has seen OBF in action can vouch for that.

The version itself is a fairly untouched instrumental, with a few effects and additions, but that will still work wonders in the dancehall.

Don’t miss it!

O.B.F feat. Mr. Williamz – Mandela (OBF Records)

A: Mr Williamz – Mandela
B: O.B.F – Version



Top Ten Releases of 2014


  • OBFWild

OBF’s first studio album has been long awaited by stepper fans around Europe, and it does not disappoint. True to OBF’s reputation, “Wild” is an intense trip into some of the darker and heavier sides of digital dub, and features both legends and the new generation of MCs.

  • Chronixx The Dread and Terrible Project

With his debut LP, Chronixx offers a powerful and conscious LP in true ‘reggae revival’ style.

  • Mungo’s HiFiSerious Time

Mungo’s HiFI confirm their place in the spotlight with Serious Time, a third albums that fully exemplifies their “forward thinking reggae music” ethos.

  • Tuff Scout All StarsTuff Scout Inna London Dub

A heavy dub tour of London courtesy of the Tuff Scout All Stars.

  • Dub DynastyThundering Mantis

Dub Dynasty (aka Alpha & Omega + Alpha Steppa) takes UK Dub to new heights.

  • Black RootsGhetto Feel

The legendary outfit Black Roots return with “Ghetto Feel”: a conscious, horns-filled LP

  • Addis PabloIn My Father’s House

While this remains a hommage to the legendary Augustus Pablo, Addis Pablo doesn’t stay in his father’s shadow. Instead, this album is a showcase of his own sound and mesmerizing talent for the melodica.

  • Midnite – Ride Tru

Although incredibly prolific, each one of Midnite’s albums are works of art: conscious, spiritual, and deeply infused with Rastafarian thought. This one is no exception.

  • DJ VadimThe Dubcatcher

Dj Vadim is mostly known for his work with hip-hop, but with ‘The Dubcatcher’ he proves that Dub and Reggae are no strangers to him.

  • Tour de ForceBattle Cry

The first album from Brooklyn’s heavyweight sound system is a tour de force (pardon the pun), perfectly blending dubstep and bass music with the dub and reggae roots traditions.


  • Specialist Moss Feat. MR WilliamzDub Style EP 12″

  • BenidubReconquering Lion feat. Vivian Jackson (Echotronix) 10″

  • Iron Dubz80s Fashion Vol 1 EP 10″

  • Danny RedRasta We Rasta (Youths & Truths) 12″

  • Pablo MosesReady Aim Fire (Repress on ‘Rebirth Records’) 7″

  • GroundationJuggernaut/Fa’ward (Repress on ‘Reggae Archive Records’) 12″

  • Junior KhadaffyRampers Music (Repress on ‘Stereo Uprising’) 7″

  • Don FeJericho (Steppas Records) 12″

  • Moa AnbessaWatch Dem feat. Prince David (Moa Anbessa Italy) 12″

  • Prince JamoHercules (Zion Gate Music) 12″


Telerama Dub Festival #12


The Télérama Dub Festival has now become one of the biggest French dub festivals. During one whole month, it tours the country with some of the finest french and international dub acts and sound systems.
For this year’s 12th edition, the Telerama Dub festival stopped in 12 towns, including Marseille, Besançon, Montpellier, Bourges and Lyon. At each of these stops, the sound system(s) would be set up and the nights filled with heavy bass and skanking crowds.

But it is this weekend that the grand finale is taking place. The last town is of course Paris, and it looks they are bringing out the big guns.
This saturday will effectively host two of europe’s biggest sounds – OBF sound system from Geneva, and Mungo’s HiFi from Glasgow (in one of their rare appearances in France on their own system). Each sound will have a separate room, and will welcome a number of acts throughout the night, from 8pm until 5am.

The OBF hall will host a very european line-up: Bristol based Dubkasm featuring Solo Banton; France’s Kanka & Biga Ranks, Weeding Dub, and MC Shanti D; Spanish MC Sr Wilson; as well as the collaboration between Ackboo, the Bush Chemists, and S’Kaya.

On the other side of the venue, Mungo’s HiFi’s system will bring the more international flavors. Tour de Force (Dub Stuy) out of Brooklyn will showcase their Battle Cry sound on their first ever french tour; while Sak Dub from Japan will share his distinct style of steppers. Radikal Guru from Poland and Deng Deng HiFi from Sweden will also join the party, alongside Mungo’s HiFi regulars YT and Charlie P.

So if you are in Paris this saturday, you know where to go.

Tickets for the night can be won with Musical Echoes

OBF new album ‘Wild’ announced


OBF are probably one of the most well known french sound systems at the moment, on par with the rootikal warriors Blackboard Jungle.
Based in Geneva, and active for nearly a decade, the OBF crew have only produced a limited amount of records. Their first release, “Wicked Haffi Run” alongside Danman, was a huge success, and has now become somewhat of a collector’s dream. It was soon followed by “United We Stand” featuring Kenny Knots; and then by the collaboration with Sis I-leen and Warrior Queen. Last year, they also released their first 12″ on the new label Dubquake Records, featuring Weeding Dub & Inja, while they took care of the B-side.

So it was quite exciting when for the most part of this year, the OBF crew kept mentionning an album in the works, often playing some of these new tracks at their sessions.

But this week they finally announced the official release date and dropped a teaser mix. Guest MCs include Charlie P, Danman, Shanti-D, Fogata Sound’s Troy Berkley, Mikey General and veteran Lone Ranger among others.
True to their style, the album sounds rough ‘n tuff, a collection of stepper-induced electronic dub tunes.

Over the years, OBF have constantly been exploring the more electronic and darker side of steppers dub, and this album sounds like its going to be a collection of their best findings.
Can’t wait!

OBF – Wild
Release date: 6th October
CD / WAV / MP3
LP Release date: Mid-October

Breezak Interview


[photo: Bartosz Madejski]

“Je veux dire Mungo’s ils ont quand même commencé par vrais speakers qu’ils ont trouvés dans des poubelles quoi. Mais à l’époque, le sounds system des ghettos ou de la rue, il va commencer par littéralement une armoire. C’est leur bois, et ils vont clouer des planches dessus et ils vont mettre des speakers dedans.”

Longue interview avec Jérome (aka Breezak), l’homme derrière Bass Alliance Sound System et le sound system de Mungo’s Hifi. Discussion un peu plus technique, une sorte de B-A BA du fonctionnement d’un sound-system, le rôle de l’ingénieur, le choix des caissons et des réglages…

Alors, pour les débutants, est ce que c’est possible de résumer plus ou moins comment ça marche un sound system.

Je crois qu’on peut même commencer avant ça: pourquoi les gens amènent leur système [rires]

Allons-y alors :

La principale raison c’est que souvent tu n’as pas de sound system dans la salle. Donc quand tu veux faire une soirée, souvent n’y a pas de sound system dedans, ou alors si y’a un système, il ne sonne pas comme tu veux. C’est ça la raison principale pour laquelle tu amènes ton propre sound system.

Pour que tu puisses avoir le son que toi tu veux ?

Ouai voilà. Après, chaque groupe different, tout le monde à sa sono. Il y en a qui achètent des sonos toute faites, donc ils ont un son qui est parfait, qui est clair, de la marque qu’ils ont acheté.
Ou alors tu peux aller vers le home made sound system, donc comme nous, comme Iration… le sound system classique à la jamaïcaine. Donc souvent en partie fait maison, en partie des trucs qui sortent de chaines, des trucs de marque.

Traditionnellement [le sound system] ça va être les pré-amp avec la platine et les effets, l’ampli, et les speakers.

La caractéristique du sound system reggae ça va être une grosse basse déjà. Traditionnellement les caissons sont monté de manière en fonction de leur son : basse, medium et des aigus. Ça c’est la version traditionnelle 3 voies, donc ton pre-amp il coupe le son en trois. Et après avec la technologie maintenant tu peux faire ce que tu veux. Tu peux faire stéréo ou quoique ce soit.

Tu peux expliquer rapidement ce que c’est stéréo?

Traditionnellement le sound system reggae va être mono. Donc même si t’as deux stacks, les 2 stacks ne vont pas avoir une partie du son qui sort a gauche et l’autre a droite, ça va être tout en mono. Et même nous, on fait 2 stacks, même si on a la possibilité de faire en stéréo, on fait tout en mono.
Avec le nouveau matériel qu’on a, si je voulais je pourrais avoir 8 voies. Maintenant tu peux faire à peu près tout ce que tu veux. Avec l’arrivée du digital, et que c’est un peu moins cher, t’as plein de sound systems qui commencent avec un cross-over digital.

Donc dans les sound systems reggae de nos jours il y a deux écoles on va dire. Il y a ceux qui ont le pré-amp, et qui souvent maintenant sont à 4 voies. Donc même OBF maintenant ils sont à 4 voies je crois, mais ils ont un cross-over derrière qui coupe en 5.
Ou alors, nous ce qu’on fait c’est qu’on n’utilise pas de pre-amp, on a le mixer du DJ, et le selecta va faire les effets dessus.

On utilise que ce qui s’appelle un digital crossover, et la dedans tu rentres ton signal, et après ça ressors pour chaque caisson… Donc nous on est en 5 voies:  on a le sub ou le low bass qui va de 85 Hz jusqu’à 30Hz à peu près. Après t’as le upper bass, donc le kick, c’est entre 85 et 140Hz. C’est une bande qui est vraiment fine, et c’est juste le kick drum en fait. Si t’avait une batterie sur scène c’est là-dessus que ça tape.

Et après, pour avoir un peu plus de clarté, qui n’est pas vraiment old-school reggae,  c’est qu’on va avoir médium, haut-médium, et vraiment les aigus et tweeters en haut.

Donc en gros chaque voie correspond à chaque caisson?

Après, les voies elles correspondent mécaniquement à quelle boite tu vas avoir derrière. Donc ton signal il rentre de 20Hz à 20 kHz. Donc que si tu utilises un digital crossover ou que tu utilises un pre-amp, ce que tu coupes c’est pour avoir la fréquence optimale que le speaker va pouvoir reproduire.
Donc un scoop par exemple, tu pourrais  lui mettre un signal full-range dedans – donc tout ensemble – sauf que ça va sonner tous pourris dans les aigus. Mais il arrive un peu à reproduire le son.
Mais pour arriver à avoir un maximum de puissance et de clarté, le scoop, suivant les designs – le superscooper on pourrait mélanger, on pourrait avoir bass et upper-bass dessus, mais tu perds dans la clarté du son. Donc on leur met juste de 30Hz à 85Hz, et c’est là que le speaker dans la boite est optimal, en fait. Tu as le meilleur son à cette bande de fréquence.

Et suivant les speakers que tu utilises – donc nous  on utilise un setup qui est super standard de nos jours: 18 pouces sur la basse.

Des PD 18?

Ouai Precision Device PD 1850. Donc des speakers de 18 pouces c’est à peu près la base, le sub basse qui fait le mieux. Après pour le kick on utilise des 15 pouces, qui sont plus petits mais ils sont beaucoup plus rapides à reproduire le son.

Et aussi des médium 12 pouces, qui le standard aussi des anciens sound systems reggae.
Après au-dessus, c’est là la différence encore une fois avec la nouvelle technologie et tout. Souvent les anciens sound systems ils seraient passés de 12 à des Piezo ou à une série d’aigus. Nous ce qu’on fait c’est qu’on passe en 6.5 pouces, donc ça c’est les petits speakers avec une membrane. Et après on a un tweeter de 1 pouce, et ça c’est pas un speaker, c’est un compression driver, qui lui fait juste ce qu’il y a au-dessus de 4 KHz. Qui fait vraiment les aigus.  Tu as plusieurs types : l’ancien sound system reggae je dirai qu’il utilise des Piezos – qui est pareil, c’est pas un speaker à membrane, c’est une toute petite plaque qui va vibrer, qui va te donner des aigus super forts.

C’est pour ça que tu partages ton signal en fait, c’est pour utiliser le speaker – un compression driver, même les plus chers ils vont descendre peut être jusqu’à 500Hz, et ça c’est sur des gros trucs cher spécialisé qu’ils font maintenant. Donc c’est pour ça que tu es obligé de partager ton signal en fait, tu ne peux pas avoir un speaker qui fait toutes les fréquences à des volumes forts.

Par exemple, si tu regardes un ghetto blaster, t’as un speaker dedans. Et un ghetto blaster  on va dire qu’il va reproduire de 50Hz à 15KHz à peu près. Donc tu vas croire que ça fait toutes les fréquences mais ça marche qu’à un volume faible. Dès que tu veux un plus gros volume, il faut séparer par bande. Et plus tes bandes sont fines, tu prends un speaker et une boite qui est faite pour cette bande là, et tu peux vraiment avoir le meilleur son. Tu combines, tu fais ta rangée de basses, tes kicks, tes mediums, tes aigus… Et après ce qu’il faut faire avec tout ça c’est être sûr que ça marche ensemble.

Alors après c’est peut être un autre niveau.
Un sound system reggae va avoir beaucoup plus de couleurs, et un son plus – sans  que ça paraisse négatif, mais « muddy » on va dire. C’est plus chaud, c’est plus mélangé… C’est pas aussi net en fait. Pour l’oreille humaine, si c’est trop net, ça ne parait pas bien.

C’est pour ça que même avec les nouvelles technologies, tu peux avoir un son très, très net, ce qui sur le papier est de la bonne qualité, mais les gens vont pas aimer parce que le corps humain n’est pas habitué à ce que ça soit net. C’est trop clinique si c’est tout net.

Et donc quand tu as un pré-amp, en fait toutes tes fréquences vont dans les speakers en passant par les amplis. Le signal il est faible, il passe par les amplis, il est amplifié, il va dans les speakers. Mais avec l’acoustique, quand tu as un sound system, il y a un autre truc qu’il faut prendre en compte: c’est l’alignement. En fait le son quand il est créé par un speaker, il va sortir avec une certaine « longueur d’onde ».

Donc si tu as un scoop par exemple – alors là c’est encore plus complique le scoop [rires]

Le scoop, jusqu’à 85Hz – c’est pour ça que j’utilise 85Hz sur le PD – le son sort par l’arrière du speaker, passe par le ‘horn’ – les notre je crois qu’ils font 2m20. Donc en fait la horn va amplifier ton signal, va le rendre beaucoup plus fort, va permettre de diffuser le signal dans la salle beaucoup mieux. Mais ce qui ce passe c’est que quand le son sort de l’ampli, et qu’il va aller dans la salle, il est décalé par cette distance du speaker en lui-même, la distance du horn.
Donc quand tu es devant le speaker, le son il arrive – tu fais a la vitesse du son, c’est comme ça que tu mesures – donc si tu as 2 m de décalage, il va y avoir un délai avec un speaker 12 pouces qui lui fait face et qui sort directement.

Donc les basses auront le son un peu décalé :

Voilà, c’est un peu décalé. Ce qui peut donner un effet sympa si tout est bien fait, ou alors ça peut s’annuler, tu peux avoir des sons qui s’annulent. Après suivant les gens, c’est « a matter of taste ».

C’est pour ça souvent dans les free quand ils assemblent plein de caissons ensemble  ça s’annule?

Mettre plein de caissons de basse ensemble ça va pas forcément être plus fort si c’est pas les mêmes designs, ils peuvent carrément s’annuler.
Tu peux monter tes amplis et le son il descend. Je l’ai déjà fait par expérience ici, tu inverse les polarités, et en fait tu  llumes un scoop ça devient fort, t’en allume deux ça devient fort, t’en met un troisième ça réduit, et tu mets le 3 et le 4 en inverse, bin en fait tu réduis tout. Tu l’entends toujours parce que c’est dans la salle, mais en fait le son descend.

Donc ça c’est une autre chose qui est devenue possible avec les digital crossover, c’est que vu que tout passe en digital, tu peux aligner les sorties – le mien que j’ai ici, je rentre carrément la distance que j’ai à l’intérieur du speaker : donc je lui dit que mes scoops ils font 2m20, mes kicks ils font 80cm, et il aligne tout pour moi, pour que quand tu es devant dans la salle toute la wavelength de tous les speakers arrive en même temps à l’auditeur.

Donc tu n’as pas à tout régler manuellement

Je rentre les infos manuellement pour chaque speaker, mais je lui dis tel est la distance, ou alors met moi 10 millisecondes de délai et il le fait pour moi. Mais ça c’est une option qu’il n’y a pas sur les anciens pré-amp, et ce qui donne un effet qui est… tu pourrais dire que c’est bien, tu pourrais dire que c’est pas bien, ça dépend de ce que tu aimes.

Donc tu as tes coupures de fréquences, crossover, alignement, et il y a aussi ‘equalization’.
Une boite en elle-même, ou une combinaison de boites en fait, elles ne vont pas être tous au même volume, elles vont pas toutes avoir des bandes pareilles. Quand tu mets ‘l’équalizer’ dessus, tu peux équilibrer comme tu veux. Et la pareil, la différence entre digital crossover et pré-amp: de nos jours les grosses compagnies de touring qui font des sound systems dans les salles de concert, ils vont équilibrer un sound system qui fait de 40Hz à 20KHz, ils vont l’aligner exactement parfait – donc au niveau de l’alignement des speakers – et ce qu’ils vont faire aussi c’est mettre du ‘white noise’ – qui met toutes les fréquences au même volume. C’est pour ça que ça sonne assez… affreux.

Ce qu’ils font avec ça c’est équilibrer le systeme. La basse elle sera à la même intensité que les aigus, et c’est là qu’au niveau du reggae y’a le plus de reglages à faire, c’est vraiment en fonction de ton opinion et quelle musique tu joues, mais un sound system reggae n’est pas ce qu’ils appellent “flat”, plat.
Il va être beaucoup poussé sur la basse et sur les aigus. En général basse et aigus sont vachement remontés, A l’origine, dans roots il y a quasiment pas de kick .C’est pour ça que c’était les 3 voies à l’origine. En fait, au lieu de mettre un equalizer, ils avaient juste 3 boites, ça fait que les fréquences qu’ils n’avaient pas besoin, elles n’étaient même pas reproduites.

Donc plus la technologie s’ameliore, le système qu’on a je pourrais le faire complètement “flat”. Mais ça sonnerait pas reggae, ça sonnerait salle de concert, un son clair, net. Donc après tu rajoute un equalizer dessus, suivant quel ampli tu mets sur la basse ou sur le aigus. Différent amplis auront un différend timbre aussi. J’ai essayé plusieurs amplis de basse, on est plusieurs dans la scène reggae à utiliser les mêmes: les Void Infities 8, parce qu’ils ont un son qui est pas clean. Il y a un son en plus de la puissance, il donne une couleur au son.

Donc ça c’est pour tout ce qui est tweeking.
Après ce qui se passe là-dedans: Que tu utilises un crossover ou pré-amp, ça sépare ton signal, ça va à tous les amplis – là c’est pareil, tu peux choisir ce que tu veux comme marque pour avoir ton son – et après aux boites. Ça c’est la base.

Après, pour la source ça va être vinyle, avec une platine, 2 platines, un mixer ou pas. Après si tu as un MC et micro, tout ce qui va rajouter du caractère c’est quel effet tu vas mettre dessus, boite à effet, boite à sample, tout ce qui se rajoute par-dessus.

Ça c’est la théorie simple (rires)

Après, depuis le début ce que j’explique c’est dans les box. Les caissons, c’est là qu’il y a une autre partie de la magique de l’acoustique qui se passe.

Bin voilà, c’était la prochaine question: comment tu décides quel scoop, quel genre de caisson est mieux pour toi.

Voilà. Bin c’est là que ça devient très très compliqué. C’est de la physique, c’est de l’acoustique pure et dure. Un speaker il déplace de l’air. Et tu peux avoir un gros speaker – le plus gros que j’ai vu c’était 26 pouces – un gros speaker comme ça doit bouger beaucoup d’air.

Mais en fait non. C’est la combinaison du speaker en lui-même et de la boite. Parce que dans une grosse salle, tu peux mettre autant de PD18 qu’on utilise, par exemple, tu peux en mettre autant que veux, s’ils sont juste posés comme ça au châssis, qu’il n’y a pas la boite derrière, bin il y a rien qui va concentrer l’effet.

Le plus dur pour les gens qui design les box, et qui les fabriquent,  c’est ce qui se passe à l’intérieur de la boite, et le plus important c’est la combinaison du bon speaker et de la bonne boite. Parce qu’une très bonne boite avec un mauvais speaker dedans – et quand je dis mauvais ça veut pas dire faible – tu peux mettre un speaker de 2KW dans une boite et un autre de 500W, celui de 500W peut sonner mieux s’il est optimal pour la boite.
Et là il y a des calculs, c’est toute une histoire de volume et de “path”, le chemin que les ondes vont prendre.

C’est pour ça qu’ils essayent de rallonger l’espace derrière le speaker?

Bin la basse a une wavelength qui est super longue, donc il vaut mieux des boites avec des grosses horns. Tandis que les aigus c’est super court comme wavelength, donc ça peut sortir plus ou moins direct. Mais il faut quand même mettre un “guide” dessus, en plastique, et ça va te contrôler la dispersion.
Pour la basse, la dispersion…  ça sort de partout. Les aigus par contre sont vachement directionnels, donc tu as toujours un guide dessus.

Donc c’est là que la plus grosse partie du son, pour moi, c’est de là qu’elle vient. Et t’as plein de design de scoops différents, et si t’enlèves 5cm dans la chambre derrière le speaker, ça va totalement changer le son en sortie.

C’est pour ça sur tous les forums, t’as toujours un mec qui demande “j’ai acheté ce truc, je pense faire ce genre de caissons”, t’as les autres qui disent “ non ça va rien faire, choisis plutôt ce design…”

Voilà, et plus de Kilowatt veut pas dire un meilleur son. C’est vraiment la façon dont c’est mis ensemble. Et après bien sûr c’est “matter of taste”. Il y a des gens qui vont préférer un son comme ça, alors que d’autre non.

Surtout dans le reggae, l’importance de la basse c’est que les gens le sentent au lieux de l’entendre. Donc le design va beaucoup changer là-dessus. Un scoop par exemple est diffèrent d’une boite reflex. Donc reflex ton speaker est monté ‘plat’ devant, t’a une boite derrière qui crée le volume pour que l’air soit compressé derrière, et ça ressort directement par devant.
Comparé à un scoop ou ça passe par une horn et ça va ressortir après 2 mètres, et ça, ça va beaucoup plus créer de vibrations au sol, de vibrations dans les murs. Donc ce qui est bien pour le sentir sur le dancefloor, ce qui peut être un problème par exemple au Berkeley où avant ils avaient des boites reflex, il avait un bon son à l’intérieur on a jamais eu de problèmes – maintenant il y a des scoops, des Hogs, et le problème avec ça c’est que ça vibre beaucoup plus dans tout le bâtiment. Donc c’est pas forcement beaucoup plus fort à l’intérieur, mais la vibration créée par la boite est énorme, et les voisins maintenant ils se plaignent. Donc voilà, ça dépend de ce que tu veux faire.

Tout est dépendant de l’endroit où tu vas être. Apres il y a une grosse différence entre avoir une sono avec un bon son que tu aimes bien, et faire une sono pour une installation – où la tu fais attention à ce que ça soit bien à l’intérieur et que ça fasse pas chier les voisins.

Et du coup, le truc qui fait la différence entre votre sono et celle disons d’OBF ou Iration, c’est l’assemblage justement des différents composants.

Sur le principe elles sont toutes pareils, le principe est le même. C’est un « crossover, ampli, speaker ». Par contre la combinaison va être différente. Donc  moi j’utilise un digital crossover avec mes settings dedans, eux ils utilisent un pré-amp qui va avoir ses secrets. C’est le secret du pré-amp, tu ne sais pas vraiment ce qu’il y a dedans. Chaque pré-amp va être diffèrent suivant qui c’est qui les a faits, comment ils ont été prévus.

Les amplis ils vont donner une coloration au signal aussi, donc on utilise des amplis différents. Et les boites en sortie, chaque design change – je ne sais pas ce que eux ils utilisent exactement, mais je crois que c’est 18, 15, 12 et des tweeters en hauts, mais c’est pas du tout les mêmes boites que nous. Donc ça va sonner vraiment différent.

Donc c’est vraiment en fonction de ce que tu joues, de ce qui sonne mieux pour toi.

Ce qui est mieux pour toi, et aussi ce qui est à l’origine des sound systems reggae, en fonction de ce que tu trouves. Ce que tu peux t’acheter. Souvent, il y a beaucoup de choses que j’aimerais changer dans le son et que je ne change pas, c’est principalement une histoire de frais. Histoire de frais, d’habitudes, de raisons personnelles aussi – il y a des gens qui aiment bien utiliser ça, d’autres qui aiment bien utiliser d’autres… C’est très personnel.
Tout le monde va avoir un assemblage différent et un son différent, c’est ça qui fait aussi le charme du truc.

Mais ça nous est arrivé avec les Dub Smugglers, qui ont un assemblage qui est complètement différent du nôtre – on utilise tous les deux des digital crossovers mais ils n’ont pas le même que nous, ils ont des amplis différent, c’est des amplis complètement digital alors que nous on utilise des anciens encore, des lourds. Et les boites  sont des designs différents, des marques différentes pour les aigus et les médiums… Mais la façon dont ils l’ont réglé et la façon dont je l’ai réglé, on les a mis dans la même salle, et en fait on a un son super similaire en sortie. Ce qui est assez impressionnant quand tu vois que tout est différent.

Suivant ce que tu joues aussi, la musique que tu vas jouer va te donner les directions de comment tu “set-up” le son. Je sais que nous, même dans une session, entre le warm up et la fin, souvent je vais changer les settings. Si Tom il fait une sélection roots-ska avec des 7”, je vais vachement booster la basse et la tête des aigus, parce que le son à l’origine il est pas pareil.

Ton system suit ce que tu vas jouer en fait. Si tu joues une dernière production digital qui a été masterisé, on va dire bien poussé en studio, et bien sur le sound system le réglage va être plus près du ‘flat réponse’, du set up à zéro. Parce que la production en elle-même est déjà poussée pour avoir ce son-là.  Et ça se voit quand tu regardes les amplis, t’a toutes les indications d’une tracks à l’autre : tu vas avoir des changements énormes.

Il y a plusieurs sounds qui ont dit que quand tu produis une tune pour être joué sur ton system, et après tu la joue sur la sono de quelqu’un d’autre, ça change complètement.

Tom essaye ses morceaux dès qu’il peut sur le sound system. Et c’est vrai que les tracks qu’il joue sont masterisés principalement pour jouer dehors. Quand il va faire un master pour le mettre sur vinyle ou CD ça va pas être le même.
Et ça c’est l’avantage d’avoir 2 producteurs ici qui font la musique, c’est qu’ils font de la musique pour le sound aussi, ils savent comment ça va s’entendre quoi.
Dubsy et Chikuma ils venaient souvent faire les set-up avec moi pour tester leurs nouvelles tracks. Et des fois ça pouvait sonner bien en studio, mais ça sonnait dégeulasse sur la sono, il manquait quelque chose sur le sound system. Tu peux produire juste pour le sound system aussi.

C’est tout personnel, comment tu as envie, quand tu l’écoute fort en soirée, comment tu as envie que ça sonne. Ce que je fais souvent quand on a des gens qui jouent sur notre sound system, en soirée ou en festival – souvent c’est pas  que nous qui jouons dessus – c’est de jouer un peu avec le sound system. Soit voir avec eux, des fois il y a qui viennent me demander “fais que ça sonne comme ça” ou quoi, ou sinon s’ils nous disent rien on le fait pour que ça sonne comme nous on le veuille.

Donc c’est vraiment en fonction de qui joue, de comment la session se déroule.

En fonction de la salle aussi, en fonction de l’ambiance…

Tiens  voilà, par rapport à la salle. Par exemple à la Art School tu as mis la sono d’une certaine manière. Est-ce que c’est toujours comme ça, ou ça change en fonction d’où tu es?

Ça ça revient à la physique de l’acoustique, c’est qu’il y a une partie qui se passe dans la boite, et il y à l’autre partie dès que ça sort de la boite. Quand tu es dehors, on va dire qu’il y a moins de problèmes, parce que ça part dehors ça s’écarte. Donc c’est plus dur dehors d’avoir un son super intense. C’est là que souvent dehors on rajoute des stacks pour avoir plus de couverture.

En intérieur il y a deux choses. Avec le sound system reggae traditionnel, tu vas écouter ce que tu joue directement à partir des speakers. Ça c’est la différence du reggae par rapport à quand  tu vas a un concert, c’est que normalement les artistes sont sur scène, le sound system est devant eux, et sur scène tu fais confiance qu’à ton monitoring. Mais avec le sound system, tout le monde a au moins un stack tourné vers eux pour entendre comment ça se passe dans la salle.

Et après tu positionne les autres stacks pour couvrir au mieux la salle. Mais ce qu’il se passe dans une salle c’est qu’il y a du “bounce back”, des échos contre les murs… Donc si tu mets tes stacks à une mauvaise position ils vont s’annuler aussi, ou alors ça va créer des “dead spots”: quand tu traverses la salle, il a des endroits où la basse va être super intense, où elle s’additionne; et d’autres endroit où t’as des gros trous, t’as rien quoi. T’entends juste les aigus, parce qu’ils sont directionnels, mais la basse s’annule.

Donc il y a pleins de théories aussi, qui sont plus ou moins personnelles. La façon dont les salles de concerts le font: d’avoir la sono de chaque cote de la scène plus ou moins plat, c’est ce qui te donne le moins d’interférences, t’as le plus de chances de couvrir la salle bien.

Apres si tu veux t’entendre, tu mets un stack de côté, et il faut en avoir un autre qui est pas directement en face… je dirais 90 degrés ça marche à peu près. Mais souvent on en met un à coté de nous, un autre en face, on va allumer, marcher dans la salle et le pousser légèrement pour avoir le moins de dead spots possibles, pour avoir le plus de couverture.  Et ce que tu essayes de faire c’est de couvrir toute la salle, que les gens entendent à peu près au même niveau partout, et d’avoir au maximum de couverture de basse.

Et vous ne les mettez jamais en face de vous?

Ça dépend combien de stacks tu mets, si la salle est grande ou pas. Si c’est une petite salle souvent ce que j’aime bien c’est d’en faire un – comme ça t’as pas d’interférences, t’en met juste un dans le coin, et ce qui est bien avec le coin c’est qu’il amplifie ce qui ce passe dans ta boite, il va envoyer de la basse dans toute la salle. Donc quand tu mets un stack dans un coin, généralement t’as un meilleur résultat de basse. T’as une basse qui est plus forte dans toute la salle.
Le plus simple c’est un seul stack.

En extérieur, si c’est pas une trop grosse foule, un seul stack c’est le plus simple, t’as pas d’interférences, t’as une bonne couverture, et c’est simple à gérer.
Après si tu veux couvrir une grosse scène, tu multiplie, un, deux, trois… et quand tu regardes, ils sont toujours à des angles, t’essayes d’éviter les face à face. Si t’a un face à face mais qu’ils sont loin l’un de l’autre, tu ne vas pas arriver à la zone d’interférence au milieu. Mais tu ne peux pas faire face à face trop près.

Nous on n’est pas trop fan du stack en face, par rapport peut être aux sons plus roots, parce que les sons roots ce qu’ils aiment bien c’est que t’en ai un sur le côté qu’ils entendent, un au fond qui leur revient vers eux.

Ce qu’il se passe avec ça, c’est que quand t’es à la position de sélecta, de DJ, tu vas avoir un son qui a plus de délai. Donc si tu sélectionne à la Shaka, ou Channel One, ou Aba Shanti, ils ne mixent pas les tunes. Mais si tu mixe, tu ne veux pas avoir de délai. Je pense que c’est ça la différence, pourquoi nous on en met pas souvent en face, c’est que ça devient un problème quand tu mixe et que tu veux caler deux vinyles en temps, le troisième stack en face il t’emmerde un peu [rires]

Oui c’est vrai que c’est logique. Les potes en France ils jouent tous avec leur sono en face mais ils utilisent qu’une platine

Ouai, si t’as une platine, c’est bien de l’avoir en face t’entends très bien le son. Et tu t’en fous, quand t’arrête t’as pas ce petit délai de quelques millisecondes, c’est pas grave.

Donc souvent quand ils mixent, ils ont des moniteurs en plus au niveau des platines. Quand tu les allumes t’entend pas le son du sound system, t’es dans ta petite bulle et la t’as un son qui est aligné avec ce qui sort du mixer. Parce que le son du DJ qui va à un troisième stack, quand il te revient à toi, le temps qu’il passe par tous les amplis, 30m de câbles et à travers une salle, t’as un délai. Donc si tu essayes de mixer, tu peux pas.

Donc ça c’est pareil suivant si ça va être des DJ qui mixent, ou si c’est des gens qui font de la sélection pure et dure, c’est ça qui va changer comment tu mets tes speakers.
Mais en général c’est avoir la meilleure couverture, et le meilleur son possible partout.

Après, le côté home made – ça change quoi et ça apporte quoi?

c’est l’identité du sound system. Quand tu regardes les vieilles boites, il en a une qui est venue sur ebay récemment, elle est peinte à la main, tu vois que ça a été fait…  Je veux dire Mungo’s ils ont quand même commencé par des speakers qu’ils ont trouvés dans des poubelles quoi. Mais à l’époque, le sound system des ghettos ou de la rue, il va commencer par littéralement une armoire. C’est leur bois, et ils vont clouer des planches dessus et ils vont mettre des speakers dedans. Donc l’aspect home-made, tu as cet aspect que tu l’as fait toi-même, c’est ton sound system, et quand tu vas le sortir en soirée les gens le reconnaissent. Ca a à voir avec l’identité, et aussi ce qui est bien avec home-made c’est que tu peux faire le son que tu veux.

De nos jours, tu peux acheter des speakers d’usine, qui sont fabriqués. Les superscoopers qu’on a c’est un design – c’est pas le nôtre – mais après on les a fait nous-même donc on peut faire la finition qu’on veut dessus, les grilles qu’on veut.
Et après t’es pas dépendant. Si t’achètes une marque, tu vas avoir le son de cette marque là, sur la basse et sur les aigus. L’aspect home-made, même si tu achètes d’une marque, c’est que tu peux combiner. Nous nos têtes, enfin,  nos mediums et aigus c’est des Voids, et même si c’est une boite que j’ai acheté à Void, j’ai changé les speakers . Ils seront sans doute pas d’accord, mais j’ai mis d’autres speakers dedans que je trouve sonnent mieux.

Donc tu peux improviser, tu n’es pas restreint :

Ouai l’aspect home-made c’est surtout ça, c’est de ne pas être restreint au son d’une marque, de faire ce que tu veux, et de faire l’aspect que tu veux : donc couleur, peinture…

C’était Albah des Welders qui a fait la remarque que tu peux deviner si un sound system joue roots, ou steppas ou quoi en fonction de son apparence.

Ouai par le look. C’est ce que je disais par rapport à l’ancien système 3 voies. Si quelqu’un a beaucoup de Piezos, qui a une range de médiums et des scoops, tu vas te dire ils vont faire plus du roots ou du dub. S’ils ont gaugés pleins de subs et plein de tops, tu vas te dire ils sont plus steppas.
Nous je pense que ce qui est bien avec notre son et et pourquoi ils nous reservent souvent sur des festivals, c’est qu’il est polyvalent. On va pouvoir jouer du roots dessus, je mets mon roots setting dedans. On peut jouer du steppas, on peut jouer du dubstep… Drum and bass, j’ai fait pas mal de soirées drum & bass,  je me suis aperçu que les gens qui jouent de l’ancienne drum and bass ça passent pas bien sur notre system. Donc tu ‘tweek’, et ça sonne mieux.

Mais l’aspect visuel il est important – ouai l’identité du sound system. Si tu le mets à un endroit, dans une salle, s’il y a un Sound clash, on le voit.
Si tu regardes King Earthquake. King Earthquake il a un très beau finish, c’est peint.

Ouai et puis tu vois directement que lui c’est du gros steppa.

Ouai même le look des boites, c’est carré, il y a des grosses grilles, c’est peint en camouflage. Tu vois une photo même d’une seule boite du sound, même pas tout le sound system, tu sais que c’est une boite King Earthquake.

Et puis à cote de ça tu regardes Channel One, c’est tout en bois, les grilles sont rondes – ça donne plus roots

Et un peu de mélange de plusieurs boites différentes, tu vois que c’est pas toutes du même design, de la même année. Nous on a essayés, les boites au début elles étaient violettes. Donc on les a poncés, pour que ça aille avec le reste. Donc là du coup les gens reconnaissent que c’est Void, mais ils savent c’est des Void Mungo’s [rires].
Même quand  tu regardes sur le forum “speakerplan”, il y a des gens qui s’étonnent des combinaisons de speakers qu’on utilise, et j’ai vu des commentaires “mungo’s do it and it sound good” [rires]. Et il y a des gens qui disent non tu ne peux pas faire ça. Mais c’est la façon dont on les coupés et tout.

Quand tu regardes les boites OBF, elles ont leurs ‘stencils’ dessus, leurs couleurs à eux… C’est bien en clash cet aspect identité du son. Et puis ça fait partie de notre logo, tu regardes le logo Mungo’s, tu créé une identité avec ça.

Ouai c’est ta marque en fait.

Ouai ça devient ta marque. Quand tu vas dans une salle de concert tu peux reconnaitre DNB avec des boites carrées sur les côtes avec le petit logo, et bien les reggae sound systems ils ont leur look.
Si tu veux un bon exemple, c’est en Allemagne, Dandelion Sound System. Et eux ils ont carrément passé du temps. C’est un boulot d’ébéniste. Et c’est un super boulot.
Il y a des gens, je sais plus où, qui dans leur scoop, la croix dans le scoop en bas – elle est purement structurelle – mais ils ont fait une étoile. Je sais plus où c’est. Mais c’est des petits détails qui font tout. Et puis c’est beau, c’est l’aspect esthétique.

Ouai, ça change du truc d’usine, de chaine où tout se ressemble.

En salle de concert les gens ils viennent pour regarder ce qu’il se passe sur scène. Ils s’en foutent du sound system. Dans les soirées reggae, le sound system il est à part entière. Souvent ça m’est arrivé d’installer le sound system sur la scène, et les DJ sur le cote. Et ce que les gens ils regardent c’est le sound system, ils l’ont devant, ils l’entendent nickel. T’as moins ce point focal sur le DJ ou sur le groupe de musique, ça va être la sono. En France le plus d’ailleurs, les gens regardent pas le DJ, ils sont la tête vers le son.

Ils y en a plusieurs qui ont parlé de ça justement, et comme quoi ça venait de la culture ‘teuf’.

Ouai en teuf, mais parce qu’en teuf ils mettent toujours le DJ derrière le son. Le DJ c’est pas forcément ce que les mecs veulent regarder.  Mais ouai, en session, le son il est près des gens.

Ouai les gens viennent pour le son

D’où l’intérêt de le faire custom, de le faire home-made, d’avoir un look différent.
Et aussi au niveau prix. Au niveau prix tu peux faire un sound system custom pour beaucoup moins d’argent qu’un sound system que tu achèterais. Si tu vas à un magasin et tu leur commande un sound system avec tels spécificités, ça va te revenir beaucoup plus cher que si tu le fais toi-même, que tu achètes ton bois, tu assemble…
il y a toujours cet aspect aussi que les sound reggae ils démarrent pas avec plein d’argent.

Ouai ça se saurait !

Après tu peux aller plus loin dans le home-made – nous on n’a pas les connaissances, il y a personne ici qui fait ça – mais tu peux même aller jusqu’au point de designer tes propres boites, tes propres speakers, de faire tes propres amplis, ton propre pre-amp. Ça c’est le côté plus électronique, où la vraiment tu construis de A à Z. Là c’est le next level home-made, c’est les amplis Jah Tubbys…

Il y a des plans, tu t’inspires de plans ou si vraiment t’es bon en électronique tu peux commencer de zéro – mais bon, c’est dur. Mais tu peux créer vraiment tout toi-même.
Après nous on fait beaucoup de route, on fait pas mal de touring et tout, il y a quelque chose quand tu l’achète de quelqu’un qui a une équipe de design et développement, et qui va être testé, c’est mieux. Parce que si tu le fait toi même, il n’y a pas cette garantie que ça tienne.

Après home made, tu es toujours en train de changer de trucs. Tu peux, un an après l’avoir testé sur les routes et en soirée, dire “ah non en fait, je préférais ça avant”, ou “tiens il y a ce produit-là qui est sorti”. Tu le test, ça évolue. L’aspect home-made c’est que tu peux évoluer pièce par pièce, t’es pas obligé de tout changer – et ça c’est ce que tu ne peux pas faire avec un sound system tout fait, d’usine. C’est soit tu dois tout changer, ou tu gardes. Tandis que si c’est home-made tu peux changer au fur et à mesure, tu ajoutes des trucs…

Après tu me disais comment tu règles ta sono dans les soirées, tu dis que tu le fais au feeling, c’est différent de ce que fait un ingé son en concert ?

Ça va être vraiment au feeling à chaque moment, même à quel setting tu commences. Si c’est une soirée bien longue qui commence avec peu de gens, tu vas commencer tranquille. Si les gens ils arrivent tous d’un coup, même au niveau de l’équilibre; tu peux amener les gens à danser si tu commences bien. Des fois ce que je regrette à des danses c’est que tu ne peux pas commencer avec tout à fond, il faut amener les gens à danser devant le système. C’est comme si tu les attire avec le sound system et une fois qu’ils sont chauds, et bien là tu peux pousser.
Et c’est autant le rôle de l’ingénieur en soirée que le rôle du sélecta aussi.

Le fait de lire la foule ?

Bin les anciens sound systems roots il n’y avait qu’une personne, qui était le sélecta et l’ingénieur – il va pousser son system en même temps qu’il fait sa sélection. Maintenant avec les DJ c’est plus moi qui vais faire l’ingénieur derrière et les DJ qui font la sélection. Et souvent on s’entend, on sait par rapport au flow des soirées – souvent Craig et Tom ils me font des petits signes, et puis je sais quel tune arrive, à quel moment elle va tomber. Si c’est une grosse tune du moment, c’est là que donne tout à ton system.

Donc déjà il faut que tu arrives à lire la foule, et après il faut que tu arrives à bien t’entendre avec l’équipe.

Et petit à petit tu connais bien ton system. Tu arrives à le pousser. Moi je le pousse hors des limites, mais tu ne peux pas faire ça tout le temps, donc il faut juste lui donner un petit coup. C’est même un des risque auquel on revient de plus en plus au fil des années, et c’est peut-être aussi parce que je vais à de plus en plus de sessions. Mais c’est le danger de trop pousser vers la fin, ça deviens trop fort pour les gens.

Ouai c’est vrai je me souviens pour la session à Stéréo au nouvel an, la salle en bas j’avais du mal à rester dedans.

En bas c’est une salle en béton, c’est cubique, tu t’en prends en plein la gueule. Et d’ailleurs ça a été trop poussé, et c’est ma faute j’étais pas aux deux endroits en même temps. Il y a eu deux speakers de mort à Stereo [rires]. Bon ils étaient vieux, ils auraient pu mourir le mois d’avant le mois d’après.
C’est des caissons qui sont pas fait pour un endroit aussi petit que ça, c’était pas notre idéal Stéréo pour ça.
Mais ouai, c’est faire évoluer la soirée avec la sélection, que ça soit au niveau du volume, de l’équilibre, et pas trop pousser. Après il y a toujours plein de gens qui vont te demander de mettre plus fort, parce qu’ils y a des gens qui en veulent toujours plus, mais il y a des gens qui te disent aussi le lendemain « ouai c’était un peu trop fort ».

Donc il faut garder un bon équilibre des deux, que ça soit des sessions fortes ou tu puisses sentir la vibes, mais aussi on fait de plus en plus attention maintenant, c’est qu’il faut faire attention à nos gens [rires]. Et je crois qu’il y a des plus en plus de sound system qui tournent – enfin je sais pas s’il y en a de plus en plus, ou c’est juste que je fais plus attention – mais il y a de plus en plus de sound qui poussent tout le temps. Et personnellement j’aime bien commencer tranquille, aller fort et puis finir quoi. Il y a des gens ils ont le sound system, bam ! Ils vont commencer direct fort. C’est pas parce que c’est une session sound system qu’il faut que ça soit fort du début à la fin.
Le sound system c’est un bon outil mais ça peut être dangereux aussi – faut faire attention quoi.

Souvent la remarque faite aux sound systems c’est qu’ils jouent à des niveaux au-dessus de la limite – disons le niveau ‘acceptable’ définit par les salles.

Souvent les sound systems reggae paraissent super fort mais c’est par rapport à la basse. Souvent il y a des plaintes, c’est par rapport à la basse. Souvent on est en-dessous des seuils limites, mais on va être beaucoup plus fort dans les basses, dans d’autres bandes de fréquences.

Souvent les bandes de fréquences qui font mal aux oreilles aux alentours des 2KHz, souvent je les descends. Les médiums, aigus tout ça, c’est des fréquences que si elles sont trop fortes pendant peu de temps ça peut créer des dommages aux oreilles. Par contre au niveau des basses, avant d’atteindre ces niveaux-là qui font mal – déjà c’est beaucoup plus dur à reproduire. Et même en soit ça va pas t’abimer quoi que ce soit. Donc ça va paraître au-dessus des limite théorique, « health and safety » et tout ça ; mais en fait t’es en dessous parce que les fréquences qui font mal et tout ça elles sont descendus.

Donc ça c’est à nous de régler et tout, et le reggae en générale ce qui est bien c’est que c’est pas une musique qui fait trop mal aux oreilles. Si tu compares un concert rock et une soirée reggae à même volume, t’auras plus mal au concert rock. Et ça, ça vient aussi de la qualité du signal, de la distorsion. Une guitare électrique avec de la distorsion dedans, c’est du signal carré, ça va t’exploser les tympans quoi. Tandis qu’une grosse basse dub, une grosse basse ronde tu vas le sentir donc ça vas paraître vachement fort – mais sans être dans des zones qui ne peuvent faire mal.

Un des bouquins que je lis pour le mémoire c’est une étude de Stone Love sound system en Jamaïque – c’est un PHD donc vachement technique, c’est pointu sur l’acoustique et tout – mais un des trucs qu’il argumentait c’est que les sounds systems vont à l’encontre des idées générale de la ‘modernité’ où le visuel prime sur tout. Dans une soirée reggae c’est le son qui prend le dessus. Alors que même un concert, si tu fermes les yeux tu rate une partie de la performance.

Ouai tu peux fermer les yeux et tu écoutes. En concert il y a le coté performance des gens qui vont bouger, jouer et tout.

Et puis surtout tu vas sentir la musique, pas seulement l’entendre.

Bin c’est le mieux d’avoir des sound systems comme ça, des fois certaines musiques ont des lignes de basse que tu vas sentir, ça te donne un frisson – il y a tellement de vibrations. Je sais pas si ça t’es déjà arrivé, moi ça m’est arrivé des fois de le faire moi-même et de me donner des frissons. Tu le sens quoi. Et  les gens ils adorent, ils viennent pour ça, c’est clair.

Et voilà, après ça reviens à un problème, c’est d’expliquer ça à quelqu’un qui n’a jamais été en session.

Il y a quelque chose – il faut y aller. C’est l’expérience. Là les gens à Leicester où on a joué ce week end, on regardait les commentaires facebook, les gens ils disaient « you could feel the bass ». A chaque fois les commentaires après les sessions c’est sur ce que les gens ont ressentis, que tu n’as pas forcément à d’autres concerts.
Tu as les deux, tu as la musique et tu as cet aspect sensoriel, qui est dur à expliquer. Et aussi c’est ce qui me rend accro.


Interview OBF & Shanti D


(photo par Vincent Besson)

“le reggae c’est une histoire. Le sound system c’est une histoire qu’il faut raconter.”

Interview avec OBF et Shanti D avant leur session à Aix pour la fête de la musique 2013.

Qu’est-ce qui vous a poussé vers le reggae et pourquoi vous avez décidé de monter votre propre sono ?

Rico: Alors, on a commencé aux alentours des années 2000 sérieusement à acheter des vinyles. Et du coup ce qui nous a influencé c’est la scène alternative Genevoise. C’est grace à elle qu’on a commencé à connaitre ce milieu, celui du reggae, du sound system, et du dancehall et du dub anglais, grâce à certaines personnes, acteurs du milieu reggae. Comme Asher selector et Cultural Warriors qui organisait des soirées dans des squats, un milieu qui était très actif avant à Genève. Donc c’était des soirées avec des prix très attractifs, des boissons pas chères, plein de gens, des sounds systems, une bonne ambiance. Du coup on était toujours dans ce genre d’endroit, et à chaque fois c’était soirée reggae-sound, donc l’immersion a vraiment commencé dans les caves des squats à Genève.

Guillaume: Qui n’existent plus d’ailleurs…

Et du coup, les squats, au niveau gestion et tout ça, c’est quand même proche des raves et des free. Est-ce que il y des ressemblances entre les free et la scène reggae ? Et est ce qu’il y a de grosses différences aussi ?

Rico: La ressemblance entre le mouvement free et les sound systems reggae, c’est que les gens se retrouvent unis, ensemble, pour un but : le plaisir de pouvoir danser sur la musique, avoir un niveau sonore approprié au type de musique qu’on écoute, et d’avoir la liberté de s’exprimer comme on veut sur le dancefloor.

Au final c’est vraiment à voir avec l’autonomie en fait ?

Rico: A Gèneve, il y a 10 ans, c’était vraiment beaucoup de soirées autogérés, ouais. C’était l’autogestion qui primait à Genève.

Et au niveau différences ?

Rico: Bin il y a la drogue dure en moins dans les soirées reggae. Et autrement, eh bien les Bpm.

Guillaume: et aussi il y a le côté identitaire par rapport à la sono qu’on utilise. Du coup la sono fait son identité, et donc les gens viennent voir ceux qui jouent et aussi pour écouter leurs sono. Et c’est ce qui fait l’identité du son quoi.

Donc l’identité d’un sound ou d’un collectif c’est ça sono ?

Guillaume: Voilà, c’est la sono, vu que c’est son instrument.

Rico : Mais il y a le crew aussi, les sélections.

Guillaume : c’est ce qui rapproche les deux milieux, c’est ce côté « home made », autogestion.

Depuis un petit moment vous jouez un peu de partout, mais surtout en Angleterre. Vu que c’est on va dire le 2e point de naissance des sounds reggae – est ce que vous avez remarqué une différence entre la scène UK et la scène française ?

Rico: Bin les Anglais ont plus eu une éducation depuis les années 70, avec tous les exilés Jamaïcains qui sont venues en Angleterre. Donc les Jamaïcains ont amenés cette culture. Donc les anglais, depuis 40 ans, même plus avec le lovers rock et tout, ils ont baigné dedans depuis plus de 40 ans.

Alors qu’en France c’est arrivé que plus tard – début des années 90 avec les Bordelais. Avec Manutention par exemple qui avait fait venir Jah Shaka. Et à Genève c’était pareil, c’était beaucoup de groupes reggae qui venaient dans les années 80, fin 80. Et le début des sounds system est venu dans les années 90.

Mais en même temps, en France aujourd’hui il y a beaucoup plus de sounds qui se développent. On peut presque dire que la France dépasse l’Angleterre.

Guillaume : Les anglais commencent presque à dire que la scène dub aujourd’hui est en France, plus que chez eux. Parce que aussi chez eux c’est de plus en plus dure de jouer avec sa sono, peu de salles acceptent les sounds system à cause du niveau sonore élevé, etc…
Aussi il y le côté un peu plus nouveaux ici en France.

Rico : ouai c’est ça – il y plus d’euphorie en France. En France, j’ai l’impression que le dub est beaucoup plus ouvert, le public  est beaucoup plus large.

Guillaume : ça nous arrive de rencontrer des punks, des fana d’électro, de tout. En Angleterre tu vas a une danse roots, tu auras probablement que des ‘roots’.

C’est intéressant que vous disiez ça. Jerome [des mungo’s hifi] me disait justement qu’en France ils ne peuvent pas jouer les même choses qu’ils jouent chez eux à Glasgow. A leurs soirées ils passent de tous, dub, dubstep, dancehall… et ça, ça ne passe pas trop en France.

Rico : bin, ça dépend dans quelles soirées. Mais c’est vrai que dans certaines soirées en France les gens ne connaissent rien, donc c’est le travail du sound de leur faire une petite éducation avec des morceaux qu’ils connaissent. Les amadouer comme ça, et après tu peux expérimenter.

Par rapport à la musique encore, vous avez tendance jouer plus du steppa, du dub on va dire électro. Est-ce qu’il y a une différence en terme de message ou d’ambiance entre ce que vous jouez et les productions plus ‘roots’ comme Aba Shanti par exemple ?

Guillaume : La base est même. Apres on a un différend message qu’Aba Shanti. Aba Shanti est un rasta, il prône le rastafarianism, ce que nous on ne prône pas forcement.

Et du coup s’il y a un message à passer à vos soirées, qu’est-ce que c’est ?

Rico : Eh bien nous c’est vraiment le message militant. Avec la pression que l’on subit en ce moment avec le system,  nous on absorbe tout ça tout au long de l’année, on le retranscrit dans nos soirée avec justement des morceaux plus ‘hard’, steppa, des lyrics plus militant, anti-system, ou des lyrics qui simplement expriment la vie de tous les jours.

Donc c’est quand même très politique.

Guillaume : c’est politique, social – tout.

Pour vous comment se passe une bonne session ?

Rico : c’est de commencer avec des gros révival des années 70, roots radics. Des mic-man qui défoncent le micro, les gens qui s’ambiancent sur le dancefloor, qui ‘whine’ ; et puis après passer à des musiques plus actuels.

Guillaume : le public fait beaucoup – il joue beaucoup.

C’est vrai que les sessions reggae sont différentes d’un DJ set traditionnel ou le DJ fait son set et puis part. Il faut parler avec son public.

Rico : ouai, le reggae c’est une histoire. Le sound system c’est une histoire qu’il faut raconter.

Guillaume : C’est surtout que souvent les gens ils ne connaissent pas. Ils arrivent et ils voient ce côté physique de la chose, le son fort, on est au sol – alors souvent les gens en France ne nous regarde pas forcement, ils regardent plutôt les enceintes. Ça c’est aussi la culture qui vient du mouvement techno : les gens viennent pour être devant le mur. En Angleterre ça tu le retrouve pas forcement, les gens sont vers ceux qui jouent. C’est différent, une différente éducation.

Dans une des interviews que j’ai faites récemment d’un sound qui vient on va dire du milieu techno-free parties. Et il disait que le milieu reggae commence à être un peu comme le milieu techno : victime de son succès.

Rico : Ouai, enfin ça dépends quelles soirées. Il y a des soirées qui sont typées plus vers le roots reggae qui attirent plus un publique de connaisseur, et d’autres soirées reggae qui sont un peu plus ouvert on va dire. Mais c’est vrai que les gens aiment de plus en plus se retrouver dans les soirées reggae, mais pourquoi ? Parce qu’il y a une bonne ambiance, il y a une bonne vibes. Il n’y a pas de prise de tête, les gens ne sont pas sur-défoncés. Ils viennent pour la musique quoi, il y a ça qui prime. Le gens viennent pour la vibes quoi.

Guillaume : C’est le son aussi. Avec le sound system il y a aussi le côté beaucoup plus lourd du reggae qu’on ne connait pas forcement en écoutant chez soi. Ça se joue normalement comme ça, la basse tu dois la ressentir à l’intérieur de toi, c’est ce qui fait danser.

Aussi niveau musique, vous jouez plutôt avec du digital, CD. Vous utilisez aussi du vinyle ?

Guillaume : Comme on dit, on commence souvent les sessions avec du revival 70, donc on peut très bien jouer du vinyle pendant 2 heures. Et après on va jouer autant les compos, ou les compos des potes, donc la ça sera plus en CD ou digital.

Le vinyle c’est quand même la base du reggae. De garder le vinyle, est ce que c’est une résistance en quelque sorte ? Vous pensez que ça va jamais passer complètement au digital ?

Guillaume : Bin non, c’est la base. Nous on achète des vinyles tout le temps. Tu ne retrouveras jamais le même son déjà. Et puis entendre le crépitement du vinyle, tu poses le diamant, c’est tout un truc. Il y une chaleur avec le vinyle.

Rico : et maintenant on commence à numériser nos vinyles justement, parce que voyager avec le vinyle c’est très dur. Donc on commence a tout numériser. Mais des fois il faut quand même montrer aux gens que tu l’as cette plaque, c’est la pièce en soi.

Et vos soirées, maintenant et avant, vous les faisiez dans quels genres d’endroits ?

Guillaume : bin nous on habite à côté de la frontière de Genève, du côté français, du coup on a eu un squat, un endroit autogéré qu’on a ouvert. On a commencé à faire des soirées dans le sous-sol là-bas.
Nos premiers invités étaient Uzinadub, de Bordeaux, c’était en 2002 je crois. Et puis ça a commencé comme ça. On a pu organiser plusieurs soirées grâce à ce lieux, se faire connaitre comme ça.

Et est-ce que les lieux que vous utilisez maintenant sont dans le même style ?

Guillaume : beaucoup moins.  A Genève c’est beaucoup plus dur… C’est même impossible d’ouvrir un lieu comme ça maintenant. Du coup on joue beaucoup à l’Usine.

Rico : Qui est encore un lieu dans le même style, mais à plus grande capacité. Mais c’est vrai que maintenant la scène s’ouvre beaucoup au milieu ‘club’. Et c’est mélangé en fait : endroits underground alternatif et club.

Ce qui revient beaucoup dans le reggae c’est la philosophie ‘fait le toi-même’ : tu construis ta sono, t’organise tes propres soirée, et souvent dans des endroits autogéré, ou publique.. ?

Guillaume : On ne peut pas jouer partout avec la sono, ça c’est sûr.

Shanti D : Ils ne veulent pas de toi, c’est trop fort. Si tu dis que tu à un sound tu es banni des trois quarts des salles.

Rico : même les programmateurs des salles ‘officielles’, les SMACs, ils ne connaissent pas ce milieu. Le reggae pour eu ça se résume à  Gladiators et Congos, et encore. Mais autrement les programmateurs des SMACs ils n’ont pas envie de s’ouvrir l’esprit. Là on intègre les SMACs avec les High Tone quand on tourne avec eux, parce qu’ils ont des connexions officiels. Voilà, c’est comme ça qu’on s’intègre à la scène SMAC, c’est avec des groupes comme eux.

Mais est ce que jouer dans des endroits comme ça, on ne perd pas un peu l’élément de base du reggae, justement de jouer dans les clubs. ?

Guillaume : non je ne pense pas. Je pense que ça ouvre à d’autre gens qui ne seraient pas venus normalement, à un autre public. Et je trouve ça plutôt bien.

Rico : Aussi c’est dur de trouver des salles où se produire – et puis après ça dépend le message que tu fais passer. Tu peux être dans un endroit genre club ‘hype’,  mais tu peux arriver à mettre ta propre vibe.

Shanti D : Tant que tu arrives à mettre ta propre sono c’est bon. C’est exceptionnel quand même, quand on joue au 104 par exemple. Le 104 c’est incroyable qu’il y ai un sound system la dedans – c’est plutôt branché art, contemporain, machin… Le dub ça change l’endroit.

Guillaume : C’est aussi quand on amène la sono dans des endroits comme ça qu’ils comprennent la différence, puisque des fois ils nous voient en DJ set, ils ne vont pas forcement comprendre le truc. Apres ils nous voient avec le system et tout, ils font « ah ouai putain bon d’accord ».

C’est un peu comme si vous arrivez à créer votre endroit, votre espace.

Guillaume : voilà, ça crée une énergie, on a notre propre énergie. Et puis les gens aussi.

Rico : on créé notre bulle à l’intérieur de la bulle.

Shanti D : Le truc c’est que en général dans les SMAC, ça les branche pas parce qu’ils ont pas envie de bosser, parce qu’ils sont payé pareil, tu vois. Qu’il y ai du monde, qu’il y ai pas de monde, que ça soit bien que ça soit pas bien, il s’en foutent. Apres il y a des gens qui sont un peu investis, mais moi de ce que j’ai vu, la plupart des mecs ils en ont rien à foutre.
Et puis moi carrément  ce que j’ai vu – la soirée qu’on avait fait à Lyon par exemple, le mec il nous a fait « Ah non ça a trop bien marché on le refait plus ». Parce que le mec il n’a pas envie de bosser quand il y a trop monde.

Rico : Ça c’est rare quand même, mais ça arrive

Shanti D : Parce que tu n’as pas fait beaucoup de SMAC, mais je peux te dire que tu tombes souvent sur des bras cassés.

Rico : mais bon il y des merdes partout.

Guillaume : Quand ils organisent un truc dub chez nous, Il y a aucune promo – les High Tone par exemple quand ils viennent jouer, on le sait même pas qu’ils jouent chez nous.

Comment vous décririez une session reggae sound system :

Rico : alors comme on a dit tout à l’heure c’est une histoire, on vient pour raconter l’histoire du reggae. Donc on peut commencer par exemple par quelques tunes rocksteady, ska, ensuite revival années 70 – gros roots radics. Apres nous on kiffe le digital donc on va enchainer sur les années 80. On zappe un peu la période années 90 et après on enchaine sur les sons un peu plus actuels. Avec les mic-man qui défoncent les versions, c’est vraiment le show quoi.

Guillaume : enfin pas toujours (rires)

Après pour revenir un peu sur l’identité des sounds 

Guillaume : C’est vraiment ce qui relie la scène techno et la scène reggae. Le coté sound system autogéré. Les gens vont aussi voir un sound pour sa sono. Tel sono sonne comme ça, tel crew va jouer tels sélections. C’est un tout quoi.

Et si l’identité viens de la sono, si par exemple disons Jah Shaka par exemple sur votre sono, est la soirée garderait votre identité, ou est-ce que on se retrouverait a une soirée shaka ?

Guillaume : Les gens qui vont a soirée où il y Shaka viennent pour le voir jouer. Il a une sélections qui sera jamais la même que la nôtre. Shaka c’est Shaka – mais qu’il joue sur sa sono, ou sur le son d’un autre, ça sera pas pareil. C’est comme nous si on joue sur la sono d’un autre, ça sera diffèrent.
Apres tu peux quand même brûler danses si tu n’es pas sur ta sono. Ça sera diffèrent, c’est pas ton son.

Shanti D : Quand tu fais des morceaux, tu sais que tu vas les jouer sur ta sono, donc ça sonne d’une manière. Apres tu l’essaye sur une autre sono, tu vas faire « a putain ! C’est tout pourri » tu ne reconnais pas ton morceau.

Rico : ouai, ça arrive

Aussi, quelque chose qui est revenu pas mal, c’est le fait qu’il n’y a plus beaucoup d’endroit pour poser la sono. Beaucoup d’endroits, si déjà si tu arrives avec 8 scoops, ils flippent.

Guillaume : Ah ça, on peut jamais jouer avec 3 murs en intérieurs. Ça arrive deux fois dans l’année quoi.

Shanti D : Bin déjà ils sont passés les mesureurs de décibels là. Ils sont passés tout à l’heure – tu vois ils passent pour la fête de la musique, alors t’imagine dans les salles.

Guillaume : 3 stacks, on joue Marseille 3 stack. A Lyon aussi au Hangar et Double Mixte.

Shanti D : Avec les High Tone la dernière fois

Guillaume :
non les High Tone on a jamais sortis 3 stacks. En intérieur jamais

Shanti D : Ah en intérieur. Bin au 104 aussi.

Guillaume : ah ouai 104 aussi.

Et du coup les sélections que vous passez elles changent en fonction de l’endroit où vous jouez ?

Guillaume : Ça change toujours, on fera jamais le même set. Apres on sait quel morceaux on voudrait jouer.

Shanti D : C’est surtout en fonction des gens.

Guillaume : Voilà, c’est selon comment les gens réagissent à tel ou tel morceaux

Donc c’est un écho constant en fait

Guillaume : c’est ça, c’est un échange.

Interview Welders HiFi (English)


welders sound system

(photo by Alex See)

“originally reggae is a bit the music of the oppressed. We’re not really oppressed in Europe, we’re rather privileged. But we still have things to say, and it’s part of an alternative” 

“You don’t always have to talk about world hunger, you can also do a little song “I’ve got mushroom and cheese in my dancing shoes”

Interview of Albah from the Welders HiFI sound system on what it means to build your own sound system, the role of free parties in the french sound system scene, and the art of chatting on the mic.

How did you discover reggae, and what pushed you to build your own sound system?

How did I discover reggae… My parents had records of Bob Marley, Third World and Peter Tosh, so I had already heard it at home. Then the first things I listened to was Massilia Sound System [a sound system from Marseille]. Because we are in the south [of France] and it was the first concert I ever went to.
Then during high school, from 2000 to 2005, I used to be involved in the techno scene and free parties, all while continuing to listen to reggae. Then when I started going to rave parties, I started buying vinyl, mostly new roots at the time[…] That’s how I started collecting records.
The first reggae sound system I saw was at the Garance festival in 2003.

But Garance, when it was in the south of France or before?

No, before. Well, when it was the Jamaican sunrise. 2003 I think it was. I think it was King Earthquake or Jah Shaka. Something like that because I remember that there was a huge sound system, and it really impressed me.
So in 2003 I discovered that there were also reggae sound systems, not only techno ones. So joining all these aspects, the techno sound systems, the fact that I liked reggae, and also I played a lot of instruments – well mostly percussions. I was in several bands with Joe, my friend with whom I started the sound system. 10 years ago we started an association for that initially.

So essentially, when I discovered the reggae sound systems, it linked all the aspects that I enjoyed: a big, powerful sound; reggae music and instruments, a more melodic aspect than techno, but still in a sound system set up. So that is how I discovered the scene, but it wasn’t at all with the objective of building my sound system at first.

Life went on, I studied in Nancy, in Spain… and then I came back to Avignon to finish my masters. And I met up with friends with whom I had played in bands with […] and so we started a dub band, because I liked reggae and the others started listening to it too.

So that was the Dub Welders?

Yeah, the Dub welders. So that was in 2008 I think. We focused at first more on ‘French dub’, but in the end it was all kinds of dub. For a while we had been going to the Dub schools in Montpellier, with Lion Roots. And so most of us also collected records, we were going to sound system dances, and then one day the idea came up: we wanted to have our own sound.
My friend Joe had a lot of equipment because he’s a sound engineer. He had a factory made system, so we used to string that up […] But we quickly realized that if we wanted a good sound, we needed to actually get down to it and build one ourselves. We began building it around the end of 2008 – if I remember correctly the first gig we did was in 2009, with 2 scoops. And then we thought 2 scoops are not enough, we need 4.

The way we built it – I mean whether it was in music or for anything else, we had always been quite autonomous. We would organize our band gigs by ourselves, we would rent the amplifiers and equipment […] so then that evolved into the craft, home-made ways of doing things, where not only are you autonomous, but everything is made by you. […]
At first there were quite a lot of us in the project. But when it got to the point where we take 2 weeks off work, get 2000 euros to buy wood, amplifiers… only 2 of us were left. Because some friends didn’t have a job or things like that. But we wanted to go on, so little by little fewer and fewer people were involved – not because of any problems, but because we were keeping at a certain pace.
So that’s how it started, and like I said, the association we started in 2004.

Which association was that?

That was Association Entre Collègues (AEC). It’s the one which manages the Welders sound system, the one we use to do the Massives Corners.

And so the City Wall one is different?

City Wall is another association we started in Avignon that is open to others. It involves local reggae groups, small sound systems, that regroups all the activists from Avignon and with that we organize concerts, sound system sessions. The money we get from that goes to organize other events. And we have the AEC that we use only for our sound system. The money that comes from that one is put back into our sound.
So with that we began to organize our Massive Corners – I think the first one was in May 2011.

And was that at the Akwaba?

No the Akwaba came after. At first it was in small venues that we would rent out – complete autonomy. We would organize our thing, rent small venues around Avignon.
The Akwaba is a venue that we have known for ages. We played there with our bands, and Joe is a sound engineer in the area, so he had worked there before. So he went there, and they wanted to do reggae-dub nights, so it kind of happened. We started a co-production, and now we do 2 or 3 nights a year there. But the Massives Corners we do a lot outside of the Akwaba.

What seems to come back a lot is the idea of autonomy.

Yeah. We quickly found the limits in the fact that we were all on a voluntary basis, and in the end, if you want to do things that are bigger, you need a bit of help. Structures that know their field, that have employees, a place – like the Akwaba. So in that case we had to join them. But I don’t consider that as a loss of autonomy. Especially as the Akwaba is a cooperative, so it is still relatively independent.

So yeah, it’s still an independent scene. We have never asked for subsidies. Maybe that will change later on, but we try to keep our autonomy. But it doesn’t stop us from collaborating with other people as long as we’re on the same wavelength […] When we do things with our sound system, we can just say “ right, we going to bring such a person, such a sound, and off we go”. Joe and I just book a venue, make a few calls for the beer, and it’s done. But with the Akwaba and even with City Wall, we have to have a more “mainstream” line up. We have to talk with both of them so that we can get something big enough to get 3 to 400 people […]
So both are complementary. With the Akwaba the focus is more on the line up […] and then on our side we organize our small sound meetings in the venues that we organize from A to Z.

And the fact of having a home-made system, it contributes to the feeling of autonomy, but does it contribute anything else?

Yes, it contributes several things I think. […]
First of all it costs less than if you were to buy it – except if you buy it second hand.
You can have new equipment for cheaper than if you were to get factory made equipment. That being said, you can buy hand-made scoops from Lion Roots and others that build them, but it wouldn’t have been your making. And in the process of autonomy, I find that there is – I don’t know what word to use – merit? …. It is a kind of reputation to have built your own sound.
The guy that spent a week building his scoops, drilling, gluing… that built his whole system from A to Z, from my point of view, will have a greater reputation in the sound system scene. More than people like Jumbo Rock, who buys 10 scoops from Jah Tubby’s and off he goes.

The fact of building it yourself – it’s a question of finance, but you can do it at your own rhythm, and it allows you to get the feel of things. You get to know your sound.
I’ll use the example of Jumbo Rock again – I have nothing against him – but he bought his 10 scoops, came down to the Garance where he set up his sound on the camping ground 2 years ago. And he burned out all his mediums. Had he built his 10 scoops himself, it would have taken him 5 years, and he would have learned how his sound system works and not burned everything.

So there’s that. Of course you can buy stuff later. But the fact of building it allows you to understand how it functions, to really think about what you want in terms of sounding, the quality you want to get… […] Those that try to have everything quickly in the end might not know their sound as well and not know what to do if anything goes wrong. […]

And like I said, I have tendency to have consider more highly crews that built their sound from A to Z than the guys who bought everything and come up one day with 10KW. Of course they can do good things, and learn with practice, and after a while there may not be any difference.
But to be able to play your tunes on your sound, that’s what we’re aiming for.

That reminds me of debate that took place online: what makes a sound system’s identity?

Well there are several things. Actually it’s quite funny because some of them have really strong identities. You can have Mungo’s, OBF or Blackboard; well all three are completely different.
But those are things that develop over time. Ours is still being built. You have to find it. You have the rastas, those that aren’t rasta, those that aren’t rastas but are closer to them…

The identity can already be from a visual standpoint. A sound system that is all black, covered with grids like with Iration, it’s quite aggressive. And generally there is a meaning behind that. If you look at the Channel One sound system, it’s all wooden, the grids on the speaker are round, you have the feeling they are going to play roots, and it tends to be that way.

Iration nights are “ruff”, people hit the speakers and so they have to put full grids on the speakers.
I mean ours are bit beaten too, and you have people that play ruff tunes on wooden sound systems. But I still think that that tends to be a recurring theme. […]

So you have that visual aspect. […] Then aside from the music that you play, the identity can have to do with the texture that your sound has. Some sound more metallic, a lot rounder if you put multi-way speakers. I don’t know if you’ve ever heard Equal Brother’s sound system, but it is all in multi-way, and it sounds really round, really roots. If you play the same tune on a sound system like OBF’s or Dawa Hifi’s that have tops that shatter your ears, it sounds a lot dryer. […] Everyone has that particular texture that is linked to what you play. You try to have a sound system that sounds best for what you play the most.

So there’s that. After,  the sound system’s identity… I think that whether you’re a Rasta or not impacts a lot on the sound system. […] For sound systems that are rastas, that’s a big part of their identity.

After there’s the identity that you build according to what you play, in terms of your selections, what type of tunes you play the most, and especially in the dubplates that you have.
By dubplate I mean the tunes that you produce […] and the collaborations that you do. For example I know a few dub-makers that are artists that I support as well as being friends with, and I will play a lot of what they do, and that also defines your sound.
So, OBF are going to play some Iration, some TiT, some Iron dubz… their friends that play similar stuff. Blackboard will bring out things with rockers disciples, a real band, and they have things a lot more roots or UK dub, less ‘techno’ influenced.
So even if you don’t produce tunes, I think your identity is linked to the singers you bring in, and the dub-makers that make you dubplates, and your collaborations […]

It’s cool, you’re making points that haven’t been made before.

Well for me, if it’s just stacking up speakers, plugging them in and playing records… I mean,  a guy invites you to play in Italy for example. He invites Welders sound system to play in Italy. If it’s to go and play the same Vibronics release that all the Italians have… it’s cool, if you have massive collectors and you’ve been in the scene for 50 year, why not. But for me it feels like a sound’s identity is based quite a lot on the dubplates.

So then, if when you play in Italy, on someone else’s sound system, can your identity be transposed on to their system?

On other people’s systems? Well sometimes you can have real surprises! (laughs)
It doesn’t sound the same at all, there’s some tunes you can hardly recognize […] It is true that we don’t have the experience of playing on a lot of different sound systems. We have tried most of the different types of preamplifiers, but only once. Aba shanti, he can come to a dance, whether there is an Irad, a Jored… he’ll know how it works, how to get the system to sound how he wants it to sound. Apparently the big UK sound systems, Aba and the rest, they have dubplates that they only play on their systems because they know how it will sound, or they don’t want to take the risk of it sounding wrong. But when we were in Italy […] we went once with our system, and once we went to Rome to play on another system.  And there are songs you’re like “pffouu, that does NOT sound the same at all” (laugh).

So yeah, it’s those moments that allow you to take a step back and have a good look at your system. It allows you to see that the song you produced sounds good on your system, or sounds better on another’s. And after if one day you want to release something on vinyl and it needs to sound good on the most systems as possible, it’s good to test it. That’s why we send pre-releases to everyone so that they can play it on their systems and give us feedback.

And does the way you set up your system and how you organize your dance change according to where you play? Whether it’s inside, outside…?

Well already you need to find a venue (laugh). So now I’m a specialist in venue-finding, after having been through dozens of different places.
Yeah it changes quite a bit. But that’s due to several things.

When we organize the night ourselves, we aim for the kind of venues that organize weddings, the private venues. So we try to find somewhere far from any inhabited places. Industrial areas or in the countryside. Already, that is not easy. You have to make sure by using aerial photos […] if the place looks like a castle, then forget it. You have to find something a bit shit, but not too much, not too expensive, it has to stay accessible, where you can turn it the sound up and the place won’t fall apart. Sometime, you get a venue and the whole place shakes, you can’t do anything. You’re gutted, the night is ruined. But you can’t know those things until you’ve strung up the system and played something at 30 Htz.

Then once you’ve found a place, the aim is to play facing your system. There is no feedback, the feedback is your system.
So it’s quite hard to get people to understand that when you play in venues like the Akwaba. When you come in and say you want to have your system facing you, they’re like “but no, you have to split in two” […] the guys have been stage managers for years, and they are sure they are right. They do proper concerts, which is a European way of consuming music. We do sound system which is originally a Jamaican way of consuming music […].Originally it was a poor people’s concert. You could have burning spear, all the music bands playing for you in one night, and it wouldn’t cost you anything.

So in the concert venues, they have a little trouble understanding that we don’t use feedback, that we play with our system facing us. It really confuses them (laughs).
Most of the time, we place ourselves where the stage is, so either we undo the stage or we just stay in front. Then we put the system at the other end of the room, so it hits in the opposite way that they are used to hear. So that really confuses them, I’m telling you. The first times at the Akwaba we had to split our stack in two because the guys didn’t want to do it the way we said […]
Then one day we did it, and they all said “that’s really good, it sound  a lot better than usual”.
[…] So that’s the way always do it – controls, sound system facing it. […]

After, in the ways we organize the space, it depends. Essentially, we go into the room and spend half an hour talking about where we are going to put the things […]. At first when we do the tests we go to the middle of the crowd space and we try to get benchmarks. So when I hear this at the controls, it means that the guy in the middle of the dance will hear that. Because sometimes it can hurt their ears while being fine for us.
Then there is always the bar that tends to be – mainly through a lack of alternatives – in the same room as the dance. We try to protect it a little from the sound, so that the guys working there don’t have to deal with the full volume[…]

Then in terms of visuals, of lighting, I quite like it when people can’t see each other. Well, can’t see each other – that it stays in the shadows.
We have two lighting points, well I’m saying this but we have to fight with the Akwaba for that too. Sometimes they put things, it looks like a nightclub. So we have a light where the guys are singing, so where the sound is produced; and one light where the sound comes out. And in the middle I prefer that it stays relatively dark […]I notice that especially at the beginning of the night – after, when there’s lots of people they don’t care – but at the start it brings on a dancing atmosphere much more quickly. People don’t look at others so much, so they not as embarrassed to go there or to be all alone, because in any case you’re in the darkness […]
And so it creates something special, because in the end with sound systems, even if the people look a bit at the guys that make the sound, who sing or the sound system, they still have a lot less visual fixation points than a traditional concert. […]

In a sound system session, there is only sound, so I try to get people to focus on that, to just have two spots, and the rest no lighting. Most of the time it’s a fixed indirect lighting, for example a light behind the stack, which produces that vibe, more favorable for dancing, especially for more meditative dances. When you come into a sound system session, that you get hit by a wave of bass, it’s a bit dark, you can smell a bit of weed, and you see just one bright light with Pupajim or Soom t underneath […] you’re in the vibe straight away.

And the fact of not seeing anyone else means that there is only sound, you are in the music

Yeah you’re focused on your thing. It’s true, there isn’t like what you see in rave party sound systems, lasers and everything. There are some who do that a bit, but we don’t. That’s just my personal opinion; there are guys that do great decors. We do some from time to time, but it will be more for the bar or the control tower. But dancing area stays quite dark.

You’ve played in places…let’s say a bit unusual for sound systems. For example the dance you did at the Fou d’Allos on the ski slopes, or the Fete du Panier underneath the Cathedral de la Major, places where you wouldn’t usually put a sound system. Do those change from other nights?

I like it to be honest… I remember in Paris I was at sound system dances on a barge. And just the fact that it was on a barge I’m sure you get 100 more people. When you play in a ski resort, just the fact that you put your sound system on the snow, people are like “wooaa awesome”.

I was talking about this with Lilou from the I-skankers, and she was saying “fuck, you always have good spots”, we could almost do like in Amelie Poulain, where you have the travelling gnome. We could have the sound system at the sea, the sound system in the mountains (laugh).
But yeah, I like that aspect, the scenery in which you play your sound, even if in the end you’re always playing on the same system. The fact of going to an unusual place, it’s nice. For the people that come it’s something new. And the open air dances, even if we are in the south, there aren’t that many people who organize them. So it creates… I don’t know… it creates a festive vibe, a something a bit quirky.

That’s actually something I’d like to develop further, well even if that would mean having to work in cooperation with local authorities, but to play in places with a past, a bit like La Major, or the Vasarely Foundation.

Places that one wouldn’t really associate with gigs?

Yeah. For example playing in front of the Papal Palace (In Avignon), I would really like that, or on the Pont d’Avignon, places like that.  Then you have to really justify your idea, because local authorities will be scared that you wreck the place. But it’s true that the overall surroundings in which you play create another vibe. When you play in the mountain or on the slopes… but even that, you don’t play the same thing. When you play at the beach or whatever, it changes.

So the place you play in influences what you play?

Yeah, it changes your state of mind. We never really managed it, because we always have issues and get kicked out of our venues, but on one hand it’s good to have a residency somewhere, a place that you are used to, because you know how your system will sound. Even when we play several times in the same venue, we have tried all the possible layouts. We had a small venue in Avignon, the ‘Graffiti’. Well there we tried one stack, two stacks of two ]scoops], one stack of three, four stack of two when we invited people… I mean we tried everything. And each time you try to organize the dance a different way “no, there there was too much light, next time we’ll have less”, “there we had the toilets, everyone was walking in front of the controls”…. So bit by bit you find your final layout, it’s true that changing all the time is annoying.

But the open air areas, there isn’t all that issue with how it sounds, how it doesn’t sound, because you know that if you place yourself 12 feet away from your system, it’s good. We measured our distance. But it adds something on one hand for those that come, because for them it’s nice to have something on a barge or whatever. And for you as well, it allows you not to feel like to going round in circles.

But do you manage to create the same vibe, for example at the Major or on the ski slope, which you would get in more normal places?

It wouldn’t say it depends on the place, it depends more on who comes and who doesn’t. […]
Say for example we go and play at the Akwaba, we might have people who come that know the venue but that have never seen a reggae sound system, or if we play under the Major.
While if you play in a venue that you rent and you organize the night, and you only have 20 people that turn up, you can be sure the guys didn’t just happen to be pass by.
So it’s true that when you use a different place, it allows you to have people who may only have come for the venue you are playing in and who aren’t necessarily there for the sound, and who will discover it.

If you do your PR right and manage to get enough people… but even with people who aren’t from the sound system scene, you can get the dance really going. But that’s got more to do with the people, and if you can capture that vibe, what the people like.
And sometimes they enjoy it but you can’t see it. For example the Italians, it’s quite weird. They don’t yell like here. That said I don’t know how it’s like in the north (of Italy), but here when you pull up, everyone shouts and everything. They’re used to it, they grew up with the dub stations. In Italy you do a pull up, you have 3 guys who shout out, you’re not really sure if the people are enjoying it. They wait… Right… So you put the tune back on. And at the end of the songs, of the good tunes, they clap. I mean I’ve rarely seen people clap in sound system dances in France […]

Something that I seem to hear often is that in Italy they’re a bit more ‘conservative’, more roots in terms of sound.

In France there are conservatives too, but maybe there are more sound system that crossover than in Italy.
But it’s true that the vibe you create, well it depends on the place. When we do our open air dances in Eguilles, the guys who come, they’re hyped-up straight away – because it’s often the last open air dance of the year, or it’s a place where people feel good. Or when we do our dances at the Fou d’Allos, not on the slopes, but we also play in a bar. The bar is the outing of the weekend for a lot of the seasonal workers, and don’t worry, when they come, it’s wild! They don’t necessarily attend sound system nights, but its places that are maybe more favorable to the party vibe than others […]

And it doesn’t even depend on the amount of people. I remember we did this night in the mountains; we had only 70 entries, when the venue could host 200. But the 70 were there from beginning to end […] and it was awesome. Had we had 200 people it would have been the same.
But it’s true, sometimes you don’t know why. Sometimes there is a spark, sometimes there isn’t. I think with experience you can manage to bring things around a lot more if you’re not with a very favorable crowd.

So it has a lot to do with the interaction with the people? That’s the big difference between a gig or a DJ set, and a sound system dance.

Well before we were talking about identity. The identity is also in the message that you try to put across. Maybe rastas put through a lot more than us, but I’m still going to say things.
At the start there is always a warm up. Often we get the younger generations to do them. But in fact warm ups are very important. They are what will make the guy who is slouched at the bar drinking his beer actually come and drink his beer in the dance. And when he’ll be finished with the beer he’ll start raising his arms, and there you have it. And it’s true that if the warm up is shit, and until midnight you play only crap, you don’t talk to people… I’ve had that experience, and that’s why I’ve started to talk and sing.

At first I wouldn’t do it at all and I’m not especially good at singing, but I started because I had to, because no one else was. Also when you talk and there isn’t really anyone in the dance, sometime and especially at the start, you’re kind of embarrassed to say things, no one answers.
But you see, if you play the same (tune) while not saying anything, even if you cut the bass and bring it back on, I mean people won’t even notice you put the bass back. But when you’re there saying things… Especially depending on the intonation you use […]

But it’s true it’s quite hard, it’s an exercise that requires experience. To build up your dance, to get people to get into the vibe by maybe playing a tune they will know, something a bit more mainstream […] And once they’re in the dance, you can play some more ‘obscure’ things.
And this is even more true when you have people that aren’t really used to it, kind of like at ‘world music day’. Then it’s funny because if the people don’t really know about it, they come up to you and ask “why do you only have one turntable?”, “why are you always talking? Stop talking”…. Because they are used to DJs that just play set. But that isn’t a sound system; a sound system is everything we’ve said up to now. A guy that sings, a guy that talks… So it’s true that the vibe that gets created in the dance, and the space that people occupy between the system and the controls, it depends a lot on the music that you play but also, especially for beginners, it depends on what you are going to say to get them to come into the dance.

I was watching an Interview with Aba Shanti a couple of days ago, and at one moment he talks about what it is with dub and reggae, what it is with that music that makes everyone dance, that makes people happy. What is it for you that makes this music special?

Already, I think that that they are reggae nights and they have emerged from quite a tolerant tradition. Well, tolerant, I mean open. To can come as a Rave-head with piercings everywhere or in a three piece suit, or as a dirty shepherd (laugh) you’ll still get in. While if you go to a nightclub, its selective. That being said, concerts are quite open too.
So there is already that freedom of being able to come however you want, that allows it to be a big party, because you aren’t judged.

After, I don’t know, some of the guys who have their system are pro, but we are in a scene that is mostly amateur, in France. Or semi-professional, but sound systems that live only from their sound, in France, I think there is Salomon Heritage, Lion Roots and even him I think he has other revenues, Blackboard Jungle, OBF.. maybe Legal Shot and even then..
The others they all have a job. Jah Militant grows fruits and vegetables, we’re not going to through all of them but you get the idea.

So already the people who do this, it’s their little pleasure. So they come to have a good time – I mean […] if it pisses you off, you don’t do dances. The guy that does the sound, he’s there to party so he’ll try to pass that on to the other people that come.
There are people that are more serious…  But I consider the sound system dance like a place of entertainment. You can crack jokes – that comes from the Jamaican tradition. The DJ tells some jokes, talks about what goes on in everyday life. You don’t always have to talk about world hunger, you can also do a little song “I’ve got mushroom and cheese in my dancing shoes” (laugh).

Make the people forget about their shit week

Exactly. And it’s relatively accessible financially. And the anonymity you get in the darkness, as we were saying earlier, it helps you completely let go. You don’t care, no-one’s looking at you. People can’t see who you are even if they look at you […] It’s the same thing that happens at rave parties, although there people tend to use a lot of substances.
So it’s that party vibe. I imagine, I’m not very knowledgeable in the other things, but there may be vibes in more dancehall sound system or in rap and clashes that are a bit more aggressive. But generally, in the dub sound system scene anyway, we’re more in the idea: let’s make the most of our saturday night, we’re here to listen to music.

Of course, there is also a little message, but both are not incompatible. Guys who say “no you have to stay with roots, with something serious”. Who say Jah Rastafari, all the time, all the time. It’s good, get your message across, but crack a little joke from time to time. You can mess around in sound systems […] Sometimes I have a laugh, I say things, I do a French-English mash-up. So then you go “right guys, that didn’t even make sense, just bring on the sound”. For the warm up it works quite well to say some jokes, you go “hey! you three at the back, come to dance after that third beer”.

On a much broader note. The sound system originally was Jamaican, after it moved to England in the 80s to 2000. And then since 2000, it has moved to more continental Europe. Would you have any idea on why this happened?

I think that the rave parties have a lot to do with it in France, and even in Italy. Because they’re quite big ravers in Italy. And now it’s starting to get to Eastern Europe. I think that base has played a big role. I know a lot of people who go to sound systems today, 10 years ago they would never have put a foot in it and they are old ravers. They still continue to go a bit to raves, but they calmed down, they have kids… And the music is a bit calmer. So I think they come for the sound system aspect, massive speakers. They recognize certain codes, that come from the techno sound systems, that themselves come from [reggae] sound systems. You see, it’s a sort of circle. And I think it came to continental Europe through that.

In the 00s we had lots of small French reggae bands that helped make reggae popular in France. The big French reggae festivals, Sun Ska, Jamaican Sunrise, Garance or Jah’Sound have been around for 10 or so years, but it all sort of came at the same time.

I couldn’t really say, because originally reggae is a bit the music of the oppressed. We’re not really oppressed in Europe, we’re rather privileged. But we still have things to say, and it’s part of an alternative – we’re not massive anarchists either – but there is that underground side to it. Well maybe less today, but I still quite a bit because we can’t find venues to do our things, on TV you don’t see anyone reporting them.
But yeah when we used to go to raves I was 16, well I think that for the young ones today, raves have lost their charm a little – why I don’t really know, maybe it got too popular, more publicized.

And so [reggae] sound systems that have remained a bit underground it attracts the youths. You know having something underground but that is still a bit more organized than a rave which tends to be anarchy […].

It’s semi-official, but it plays a lot on the underground aspect because there isn’t much media attention. In any case, it isn’t like this thanks to the media. It was developed by the activists. I think dub stations, in France anyway, have played a big part. Dub station and the others that did it around the same time. After in the other countries I don’t really know. But you see they are a bit behind – well behind – they have a maybe less sound system in Italy, in Spain. But they are now where we were 4 or 5 years ago I think.

In Jaimaica and in England, sound systems came from the oppressed, the ‘sufferahs’. In England it was linked to racism, to social problems… And in France you wonder where is the link? In France, its mostly white, mostly middle class people that are building systems.

Yeah in France it’s not ruff. If it came from poor areas, it would be in the ‘cités’ [French estates] that they would be building them. But that isn’t the case.
I mean you look at Aix [en-Provence] the number of sound system there is. Aix is more of a rich town. But I think that there may be an aspect… I mean in the 70, our parents were hippies. Hippies weren’t necessarily people who were living in poverty, but they were people who were educated, and who believed in something else than what is happening today. And so they were claiming this by listening to rock, psychedelic rock, I don’t know what.

But they were not necessarily from a disadvantaged background. We are also the ones creating a mess, in Africa, in South America, wherever […]. You join a movement because you become more aware that you, the western affluent culture, it’s something that is not necessarily a model, and that there are things that should be changed. And so you identify with reggae because it holds values such as unity, peace, tolerance… I mean what we try to introduce in reggae is the notion that you have to be nice to others. It may be a little biblical, but don’t care.
When I listen to dancehall lyrics and I hear “if you look at me weird I’ll put my gun in your mouth”. Essentially in the rap and dancehall scene, if you want to be famous you have to be ‘bad’; and in reggae, well if you want to be famous, you have to be ‘nice’.

So you see, It’s something a lot of people can relate to. I think that it helps a lot people to identify to reggae. Even if it comes from Jamaica, from poor neighborhoods, in the end it stayed a strong music. You can very well come from a fancy background, it doesn’t mean you can’t speak out against things that are happening around you.

And to finish, what would be for you the main differences between rave parties and reggae sound system?

Well already in terms of sound, reggae is more based on melody. That’s maybe why we play on one turntable. Because you can’t mix two reggae tunes. You have one that is in D, one in C… in a rave you have a tempo and that’s about all you have to mix. For me that’s quite a big difference.
Also what I like is the mix between acoustic instruments, a melodica, a skank, a piano; and the more electronic side. Whereas in raves its almost entirely electronic.
So we managed to keep that in the dub movement. Even if some like OBF aren’t very acoustic. But there will still be a singer, you see? There is still a ‘live’ act – an acoustic creation – that you don’t necessarily find in the techno scene. The guy might create something because he twisted some buttons […] but that creation is only electronic.

After of course there is the issue of drugs. Even though in the [reggae] sound systems you have some guys that take loads of things. But it isn’t as ostentatious. In raves you have guys with bags full of ecstasy that are going around yelling “ecstasy! Ecstasy!” If someone does that at one of my nights I put him outside, if not call the cops. So there is that side that rejects drugs – so the crowd isn’t the same.

There is also the aspect – well, it’s also that the ravers have been given a lot of shit – but we are still a bit more respectful of the law… Because we don’t want to get our sound system confiscated. Even if we always do things that are on the limits of legality. But it’s true that raves are often… You have old ravers, the guys who clean the areas after, they don’t go too crazy… but generally a rave is a lot less controlled, people give donations when they come in whereas we tend to have a fixed price…. It tends to be a lot more anarchy. But it is something they are attached to, it’s good in some way too […]

Ravers also tend to want the most Kilowatts possible. We don’t give a shit about kilowatts. You don’t even say the number of KW your system has. We have at times put it up, but more as a message to ravers. […] If someone asks me how many Kilowatts my system has, I know he’s not someone from the (reggae) scene. Someone who wants to ask me what my system is made of in reggae terms will talk to me about the number of scoops, it’s kind of the basic unit […]

So there is a real importance awarded to the quality of sound. You look at Blackboard Jungle’s system, it sounds so clean. The dude can put 24 scoops, you still have a quality of sound that is impressive for the actual power of sound.
Whereas ravers often just pile up speakers, the things are out of ‘tune’, and so they have so many kilowatts but the things cancel themselves out. They want a huge kick. Maybe the fact that they make electronic music with little melodies allows them to do that. But if we start doing that, you won’t hear such and such frequency anymore, you won’t hear the voices anymore… So the music we play forces us to put the quality of sound at the front […]

After I don’t know if the massives that come to the [sound system] sessions have the same approach, but I think they are capable of knowing if a system works well or not. As much as in raves you hear a massive kick, it makes you dance because you’re already bouncing around on the fast bass. There are synthesizers but if you don’t hear them it doesn’t change much. Whereas in reggae, and this goes back to the issue of dubplates and how to build your dance. Well recently I went to a session organized by people who I will not name,  the system did not sound good, and well the people did not get into the mood, they couldn’t spread the vibes. Even though they had good artists playing, there wasn’t that fusion between the people and the sound system.
So for your dance to work well, you have to have a good quality of sound in order to spread your vibe.
And that I think is quite an important difference.