Interview Mungo’s HiFi [English]

” For a lot of people, and including ourselves, it was mostly about building a sound so we could play when we wanted and where we wanted without anyone else controlling the sound and the music policy.”

Short interview with Tom from Mungo’s HiFi on his influences, the reggae scene in Glasgow and Europe, and sound system’s place within the music industry.

How did you discover reggae and sound systems, and when did you decide to start your own sound system?

I first discovered reggae through an Andy Weatherhall mixtape, a dub compilation of King Tubby and Scientist stuff. Plus my dad used to like Bob Marley and listened to Bob Marley at home, so I had that from childhood. But the Andy Weatherhall mixtape is what really showed me the dub side of it, the darker, more creative side of it.
And then in terms of the sound system. I was making music since school really. But more like Electro and House and Techno. And I started making more dub stuff and buying reggae records. And just by chance really we found these speakers on the street in Glasgow, and we fixed them up started from there.
That was probably around 1999.

This is a question that I find quite hard to answer: how would you describe a sound system dance?

I would describe a sound system dance as being organic, and it’s a lot to do with the interaction between who is playing the music and the crowd. Rather than it being a show of someone playing their music and everyone else just accepting it. Like the sound system, the DJs, the MCs will be feeding off the energy from the crowd, and different crowds have different desires, so you have to be reading that.
If a crowd gets excited, then it’s easier for an MC and the DJ to get excited, and that generates this kind of special vibe, which doesn’t  always happen in a normal nightclub situation.
And also the simple factors like the way a lot of sound systems run being on the ground, right next to the people. Not on a stage, far away from the people. That’s another important thing.

About that, when you organize your own dances. How do you organize your system? Is it always the same or does it change?

It depends on where we are, because smaller venues will sometimes only want four bass bins, or be allowed to have four bass bins, so that dictates the set up and the cabling and so on. But it’s generally quite a symmetrical thing. So we’ve got one stack that can be run by one set of amps and then the same for another stack if necessary.

Since I’ve been in Glasgow  you’ve played in a variety of places, like clubs, warehouses, bars… Does how you play, or the vibe you manage to create, change according to where you are?

Yes definitely. Some bookings will be more of a dubstep night, where they want a reggae dubstep edge to it, whereas others will be a roots nights, in which case we will be playing more rootical, but with a modern electronic, digital element to it.

Back to the music. For you, what makes dub and reggae have that particular vibe? It’s something you find rarely anywhere else.

It’s hard to say. I think it’s because most reggae has been made with the intention of making good music and with a positive message. And I think that’s the main element really. There’s a sense of freedom about it as well. Where some producers in other forms of music will be trying to engineer their music to fit in with what’s going on at the time, and of course we do as well. But I think there is an element of freedom, of doing what you want in a DIY fashion.

This is a question that relates to several debates that have been going on in France. What creates a sound system’s identity?

It’s crew really, the people in the sound. I mean the speakers is the most obvious aspect, but if you don’t have a solid crew of people to run it, then it’s never going to succeed, no matter how good your speakers and amps are.
People often ask me how do Mungo’s manage to make a living from this, and employ several people, all working full time. And I think it happened because each of us has got a set of skills, and we try and make space for everyone to utilize their skills in the best ways possible. For example I can make tunes but I’m not very good at replying to emails and keeping on top of dates and things like that.

So yeah, it’s really about the crew, and the vibes between the crew. The crew have to get on very well. If there’s bitterness and division its always going to show in the end result, in the dance.
And obviously the music that they produce. Because there are sound systems that are strictly selectas and speakers. But I think there’s only so far you can go with that. Because especially these days people have access to any tune, pretty much. And anyone can learn to select and buy speakers. But when you actually start using your influences to make your own music and add your own edge to it, that’s when your identity forms even more.

If the identity is from the sound system and the crews behind them, you go to certain nights because they have certain identities. Let’s say, you have Iration Steppas playing on your system, will it be just a Mungo’s night with Iration Steppas playing on your system, or will it become an Iration Steppas night when they play?

Well it’s a bit of both. In that case it is a Mungo’s night, but when Iration plays it’s very different from the set that we’d play and for that time he’s playing, then yeah, it’s an Irations set.
If we play on OBF, then they’re inviting us to show our identity on their sound.

So you can move around your identity in a way?

Yeah absolutely. And especially in that situation where we go play abroad for example like an hour and a half set or two hours and its generally strictly Mungo’s production, not vinyl and so on. And that’s the idea to get a Mungo’s vibe across. But on the other hand at a festival where we have more hours to play then it will be much more selection as well.

As you were saying, you manage to play across the world – Japan, US, Europe – especially going to Europe, does the sound system scene in France, Italy or Spain change from the one in the UK?

Yeah, it varies a lot from county to country. I would say France is one the most advanced in terms of the number of people that come to sound system nights and that are into it, and the way that reggae is generally more mainstream in France than here. And you notice it in the dance, we always have a great time when we play in France. People know the tunes, they’re really excited to be at a sound dance. And then other countries are still learning sound system culture, and people don’t know so much but you have to give them a flavor of what it’s about.

One comment that has been made is that France and Italy are slightly more conservative musically wise than the UK.

From personal experience I’ve never really felt that. I mean, the kind of dubstep we play, generally bassline and very reggae influence, and for me there’s very little difference between that and a hard steppers tune, it’s just a few details really that make a difference. And for some reason, people will love to pigeonhole things, and even if they’re very close to each other they will say “ that’s different, it’s for different people”, which I just totally don’t see the point of.
But in France, any experience I’ve had has always been good, and even playing more dubsteppy tunes always goes down well.
I mean there are more orthodox sounds I’d say in France, who are much more into the UK steppers style, and more into the Rastafari part of it, which is not such an important element for us.

Is there something else than music that you try to bring to your dances.

Definitely. Like I was saying before about how the crew works together, that all reflects in the vibe of the night. Even who you have doing security, the first people that people meet on the door when they come in. If they’re grumpy and rude, then that puts things off to a bad start. So these small details are important. Whoever is talking the money on the door, and the bar staff.
And generally… I’m not sure why it’s the case, but I don’t think I’ve ever seen any fights or troubles at a dance we’ve done in 14 years. Maybe once or twice. But compared to other clubs scenes I’ve been to. People are expecting a certain openness, friendly vibes, there’s no particular agenda, and it’s quite open to different kinds of people.

In the last 5 years I’ve noticed, mainly because I’ve been more aware of the sound system scene. But even in the three years I’ve been in Glasgow I’ve noticed this, there seems to be a lot more people building their sound systems. Any ideas why that would be happening?

I think it’s just the natural kind of growth and spread of sound system culture. And in Scotland especially compared to England and London in particular has never had a West Indian community. So it’s never had the reggae history that London or Birmingham or other towns down south has had. So I think it’s really ripe for Scotland to get lots of sound systems on the go, and more MCs and things happening.

One of the first things I was thinking of looking at was how reggae moved from Jamaica where they had ghettos and poverty, to England where there was racism and poverty too. And now it’s grown to places like France, or Italy or Scotland, places that don’t really have that, or not on the same levels in any case. They assimilate with the history even though they didn’t experience it.

Yeah, well people approach it from very different angles. For a lot of people, and including ourselves, it was mostly about building a sound so we could play when we wanted and where we wanted without anyone else controlling the sound and the music policy.
And I suppose to some degree just the frustration with poor quality sound in so many venues we’ve played in. It’s always a pleasure to turn up with our rig and play somewhere because you know what you’re dealing with straight away.

You’ve incorporated dubstep and electronic music to the reggae ethos, how did that come around?

It came naturally. I mean partly because, like I was saying before there isn’t a set of rules established in Scotland for how reggae sound should be, and it doesn’t have to be an orthodox strictly rasta based sound. And also just from having played in various jazz and funk bands, and having made electro and techno before, I don’t see any point in leaving these styles alone.
And importantly in order to connect with young people and people who aren’t reggae heads already, you have to be playing them tunes that make them move.  And that’s not going to happen if you always stick to strictly old school roots.
And I think it’s something that’s always been happening. I mean the whole ‘Sleng Teng’ thing when digital arrived. A lot of people were really against it, and yet it became the most popular thing and really gave reggae a big boost at the time.

Many new sounds in France appear to come from free party backgrounds. There are some similarities between both, but are there also some differences?

Well there are differences yeah. I would say from an outsider point of view and from having been to both kind of dances, the free party and techno and that kind of scene is more strictly hedonistic in a way. It’s strictly for having fun and release, which is totally valid. But it doesn’t have the more integral, positive message that reggae and dub has.
It’s just my opinion, but for me it would seem people are more there in an individualistic way, in a techno free party. Taking drugs or whatever, and still obviously having fun with their friends.

But for me a reggae sound system dance has deeper underlying currents somehow.
I’d have to think about it, I can’t quite put my finger on exactly what it is. The closest thing I could say would be about the positivity thing which I keep coming back to. And the ability for people to get on, for strangers to get on well, no fussing no fighting.

Another thing I’d like to add, it’s a little bit more about the DIY things, with regards to sound systems. For us when we first started, we did play a lot more roots, and rasta style tunes. And although there’s still a great deal about the rasta side that I admire, I don’t feel like it’s part of my culture. Not part of my immediate culture anyway. I think, as well as the positive vibe of the dance, there’s also something really valuable in showing people that it’s possible to build up something from nothing, and do what you want to do in life, and earn money from even if it’s not much.
And I do see a lot of other sounds being inspired by that, that it is possible to do full time music and run a sound system if you work hard enough.

From an outsider to that, it seems that it is, well maybe not a resistance, but maybe some form of counter culture?

Yeah I think it is. I definitely think it is. It’s one of the few ways where you can get involved in music and do exactly what you want to do. If you’re a talented producer or singer in the pop industry, you’re still basically a lot of the time going to be working to a certain set of rules that have been defined by a label or a taste maker of the time that thinks that a certain sound is going to make a hit record. Of course we would like to make music that becomes popular, but that’s not the main point of it.

So does the sound system scene run parallel to the traditional music industry, or does it go completely against it?

It’s not completely against it. But it kind of acknowledges how much rubbish there is in pop music (laugh). And it’s more that music that’s been engineered purely to make money, like a chemical a lab, they’ve got this much of the chorus, and this much of that, and a certain formula to try to make money.

Does vinyl link into that too? In the sense that pop music seems to have abandoned it?

Yeah that’s right. That’s definitely a kind of underground counter culture thing. Well, counter culture suggests it’s against culture, which it isn’t really. But it’s kind of making a point about being autonomous I’d say, by pressing vinyl.

You have a lot of stages at festivals, like Outlook, Glastonbury, Dimensions… how does that change from organizing your own dances.

Well we’re not programming the acts you know, so sometimes there will be music that we don’t like (laugh)  But I mean that’s part of making a living from a sound system sometimes. You have to do things that aren’t your style. But that’s like any job you can’t always be completely what you want.

It depends on the festival. We always try and have a say, especially in the placement of the sound and of the stage, because that’s really important to any festival. It’s often put second to like the décor or whatever, but people don’t realize that that’s going to affect the quality of the night for the DJs and the crowd. So we always try and talk to the festivals about what we’re looking for. Then things like the details of the décor are generally up to them.

But it’s always good fun doing a stage where there is a wide variety of music, because for example at outlook, it’s all nearly kind of bass music, and most of it I really like. And there are very often MCs involved so we still try and run the night in a sound system style. Even the sound of the mic, and the power of the bass compared to the rest of the music.
For example at Outlook there’s nearly always someone on the delay of the mic, waiting for the last word in an MCs verse, and so it goes “OUTLOOK… outlook… outlook”. And they love that, they really appreciate it. You have to be careful with it of course, you don’t want to annoy MCs as well. If you put too much delay and they’re doing a fast chat then you’ll cut it right out.

And finally, about the décor. Many sound system nights have very little décor, or lighting compared to other club nights or gigs.

Yeah, it is often like that. Sound systems seem to like it raw. Personally I like a bit of décor. We do try and avoid loads of bright lights, because it does give a completely different vibes. And I’ve seen so many times where we’ve been playing in a more standard nightclub, and there’s loads of bright lights on, and as soon as you turn the lights off, people will start going on the dancefloor, you know. They feel free, and not under the spotlight.

Dubkasm Dubplate “Victory” released

So it has finally happened.
This song. This tune. THE last tune ‘par excellence’ has been released on 12″. What had become the all-time classic dubplate for any Aba Shanti or Dubkasm dance is now available (well, ‘was’ as it has already sold out).

But who cares – Victory is ours! (excuse the pun). I’ll be honest, I bought a copy at 1am this morning, in part so as to be sure not to have to face the words “out of stock”. But mainly because this is the song that properly got me hooked to reggae and sound system culture. To this day, even if I listen to it on low quality laptop speakers, it still gives me the chills.

Personally, I regard this dubplate as the signature tune of a perfect roots dance. Roots sessions are on a whole different level from dancehall or even more steppa nights, of the likes of Iration Steppas and OBF, where your senses are obliterated by the sub-frequencies; where the only thing you can do is jump with the thumping bass line; your eardrums nearly torn off by the treble… And don’t get me wrong – I love those nights, and a good half of my record collection consists of steppa tunes.

But roots. Roots doesn’t obliterate your senses, instead it taps into them. The bass rocks you, with all its power, but in an incredibly gentle way. You sway along with the waves of bass  to a beat that feeds you back to Africa.

I remember the first proper sound system dance I went to was an Aba Shanti session in London. I had been to several small dances in France, as friends had begun to build their own systems. But the University of Dub was a completely different experience. Roots and culture, all night long, on three systems.
From 10pm until 4am, I did not leave the dance – I couldn’t. The speakers towering above you; flags from all over the world hanging from the ceiling; a poster of Haile Selassie I in the middle; the only light emanating from behind the control towers…  Awesome.

And then, Aba plays it. “Victory” – such a perfect name.
During the few seconds of build-up, everyone holds their breath until the horns kick in. Then the rhythm begins – the trumpet and saxophone reaching to the higher levels.
And Aba finally releases the bass. At that point, nothing else matters. For the remainder of the dance, Babylon is no more. The sound system is victorious.

Dubkasm – Victory 12″
A: Victory! ft. Galgo (Horns) + Digistep (Sax)
B: Verse II
C: Verse III
D: Verse IV (Raw Piece)
(was) Available at http://rwdfwd.com/products/dubkasm-victory/

(edit: Dubkasm have said they are going to keep repressing this record as long as there is demand)

Interview OBF & Shanti D (English)

(Photo by Vincent Besson)

“reggae is a story. Sound system is a story you have to tell.”

Interview with OBF and Shanti D before their session in Aix en Provence for the World Music Day 2013.

What pushed you towards reggae and what made you decide to build your own system ?

Rico: well, we started around the year 2000 to seriously buy records. And what influenced us was the alternative scene in Geneva. It’s really thanks to that that we began to know that world, the world of reggae, of sound systems, of ambient dub – thanks to certain people.
Asher selector and Cultural Warriors who used to organize nights in squats, that were at the time a very active space in Geneva. So they were nights with a really attractive price, cheap drinks, lots of people, sound systems, a good atmosphere. So we were always in those kinds of places, and always when there were reggae sound system nights. So the immersion really began in the cellars of squats in Geneva.

Guillaume: That don’t exist anymore…

Squats, from an organizational point of view, are quite similar to raves and free parties. Are there similarities between the free parties and the reggae sound systems? And are there any big differences?

Rico: what the free party movement and the reggae sound systems have in common, are that the people are united, together for a purpose: the joy of being able to dance to music, have an appropriate volume for the type of music we listen to, and to have the freedom to express yourself however you want on the dance floor.

In the end it’s being able to do what you want, to be autonomous?

Rico: In Geneva, 10 years ago, the nights were really self-managed, yeah. Autonomy was predominant in Geneva.

And in terms of differences?

Rico: Well you don’t have hard drugs in reggae nights. And otherwise, well the Bpm

Guillaume: there is also the identity linked to the sound system we use.  So the sound system makes our identity, and so people come to see the people that play but also to listen to a particular sound system. And that’s what creates a sound system’s identity.

So the identity of a sound or a crew is the system?

Guillaume: yeah, it’s the system, because that’s his instrument.

Rico: but there is also the crew behind it, the selections.

Guillaume: that’s what links the two scenes, the “home made” aspect, the self-managed.

For a while now you have been playing a bit everywhere, but quite a lot in England. As it’s the second birth place of reggae sound systems, have you noticed any differences between the UK scene and the French one?

Rico: Well the English have had more of an education since the 70s, with all the Jamaican exiles that came to England. So the Jamaican brought their culture. And so the English, for the last 40 years, more even with lovers rock and all, they have been swimming in that culture for more than 40 years.

Whereas in France, it came later – at the beginning of the 90s with the crews from Bordeaux. With Manutention for example who got Jah Shaka over. And in Geneva it was the same, it was a lot of live bands that would come during the 80, end of the 80s. And the sound system began in the 90s.

But at the same time, in France today there are a lot of sound systems that are growing. To an extent that we could say France is nearly overtaking England.

Guillaume: The English are starting to say that the dub scene today is in France, more than in England. Because over there too it’s becoming harder and harder to play with a system, few venues accept sound system because of the volume…
In France there is the novelty aspect too

Rico: yeah that’s it – there is more euphoria in France. In France I fell that dub is a lot more open, the public is a lot wider.

Guillaume: we often get to meet punk, electro fans… a bit of everything. In England when you go to a roots dance, you will probably only have ‘roots’ fans.

It’s interesting you should say that. Jerome (from Mungo’s HiFI) was telling me that in France they can’t play the same things they play in Glasgow. At their nights they play everything, from dub to dancehall to dubstep… And that, that doesn’t really work in France.

Rico: Well it depends in what nights. But it’s true that in some nights in France you have that people don’t really know anything about reggae, it’s the sound system’s job to give them a small education with some tunes they might know. Draw them in like that, and after you can experiment.

Relating to music again, you have a tendency to play more ‘steppa’, dub that is a bit more electronic. Is there a difference in the vibes or message between what you play, and say the more roots productions, like Aba Shanti for example?

Guillaume: the basis is the same. After, we have a different message than Aba Shanti. Aba Shanti is a rasta, he advocates Rastafarianism, something that we don’t necessarily do.

So if there is a message you try to pass on at your session, what would that be?

Rico: well ours is really a militant message. With the pressure we experience at the moment from the system, we absorb all this throughout the year, and we transcribe that in our nights precisely with ‘harder’ tunes, steppas, very militant lyrics, anti-establishment, or lyrics that simply express everyday life.

So it’s quite political

Guillaume: it’s political, social – everything

For you, how does a successful session go?

Rico: it’s to start with big revival tunes from the 70s, roots radics. Mic-men that kill it on the mic, the crowds who liven up on the dancefloor, who ‘whine’; and then we go one with some more modern tunes.

Guillaume: the crowd is a big part – it has a big part to play.

It’s true that reggae nights are different from a traditional DJ set where the DJ does play his set and the leaves. You have to chat with the crowd.

Rico: Yeah, reggae is a story. Sound system is a story you have to tell.

Guillaume: It’s also that very often people don’t know this. They come and see this physical element, the strong sound, we are at ground level – so often people in France don’t look at us, they are more focused on the speakers. That’s also a habit that comes from the techno movement: people come to be in front of the sound system. In England you don’t really find that, people face those who are playing. It’s different, a different education.

In a previous interview with a sound that came out of the free party scene, he mentioned that the reggae movement is beginning to be a bit like the techno movement: victim of its success.

Rico: yeah, well it depends what nights. There are some nights that are more focused on roots reggae, and that attract a crowd of connoisseurs; and others are let’s say a bit more open. But it’s true that people increasingly enjoy getting together at reggae nights, but why? Because there is a good atmosphere, good vibes. There aren’t any troubles, people aren’t high off their heads. They are here for the music, that’s what prevails. People come for the vibes.

Guillaume: It’s the sound as well. With the sound system there’s the heavier side of reggae, the one you won’t necessarily know by listening to it at home. That’s how it’s supposed to be played, you should feel the bass within you, that’s what makes you dance.

You tend to play a lot on digital formats (laptop, CDs..). But do you still use vinyl?

Guillaume: as we said, we often start our session with some 70s revival, so we can very well play records for two hours. Then after we will play our own productions, or tunes produced by friends of ours, so then that will be more on CD or digital.

Is keeping vinyl going some form of resistance? Do you think one day it will be completely digital?

Guillaume: well no, it’s the basis. We buy records all the time. For a start, you’ll never get the same sound. And hearing the crackling sound of the record, lowering the diamond… it’s a whole thing. There is a warmth to the vinyl.

Rico: and now we are starting to digitalize our records because travelling with your records is very hard. So we’ve started to digitalize everything. But sometimes you still have to show the people you do have that plate.

And your nights, in what kind of places do you organize them?

Guillaume: well we live next to the border with Geneva, on the French side, so we had a squat, an autonomous place we opened. We began having nights in the basement there. Our first guests were Uzinadub from Bordeaux. That was in 2002 I think. And that’s how we started. We managed to organize several nights thanks to that place, we got know that way.

And are the places you use now in the same vein as that?

Guillaume: a lot less. In Geneva it’s a lot harder harder… it’s even impossible to open a space like that now. So now we play a lot more at the ‘usine’.

Rico: It’s still a similar space, but with a much larger capacity. But it’s true that now the reggae scene has opened up itself to the ‘club’ environment. It’s a mix: underground, alternative spaces, and clubs.

What seems to come back a lot in reggae is the DIY philosophy: you build your own sound system, you organize you own night, and often in independent, self-managed spaces…

Guillaume: we can’t play everywhere with the sound system, that’s for sure.

Shanti D: they don’t want you, it’s too loud. If you say you have a sound system you’re banned from three quarters of the venues.

Rico: Even the promoters of ‘official’ venues, the SMACs, they don’t know this scene. Reggae for them is limited to the Gladiators and the Congos, and even then. But otherwise the promoters from SMACs don’t want to open their mind. Now we’ve managed to join the SMACs with High Tone when we tour with them, because they have connections. That’s how we manage to enter the SMAC venues, with groups like them.

But does playing in places like that or in clubs mean losing some of the basic elements of reggae?

Guillaume: No I don’t think so. I think it opens it up to other people who wouldn’t have normally come, to another crowd. I think that’s quite good.

Rico: it’s hard to find places to play – and then it depends on the message you try to spread. You can be hype club, but still manage to bring your own vibe.

Shanti D: as long as you can set up your own system, you’re good. It’s amazing when we play at the 104. The 104 it’s amazing we can put a sound system in there – it’s more of an artsy, contemporary, thingy place… Dub changes the space.

Guillaume: It’s also when we bring our sound system into places like that, that they understand the difference, because they may sometimes see us in a DJ set, they won’t necessarily understand it. When they see us with our system and everything, they go “oh s**t, okay”.

It’s a bit as if you can create your own space:

Guillaume: exactly, it creates an energy, our own energy. And the people too.

Rico: we create our bubble within the bubble

Shanti D: the thing that often in the SMACs, they aren’t interested because they don’t want to work, they’re paid the same you see. Whether there’s a lot of people, no one, whether it’s good, whether it’s not good: they don’t care. There are some people who are invested, but from what I’ve seen, most of the guys don’t care.
What I saw once – the night we did in Lyon for example, the guy told us “no it was too much of a success, we’re not doing it again”. Because didn’t want to work when there are too many people.

Rico: it’s rare but it does happen

Shanti D: because you haven’t played in many SMACs, but I can tell you that you often find yourself dealing with a bunch of good for nothings.

Rico: well you have shits everywhere

Guillaume: when they organize stuff at home, they don’t do any promotion – when High Tone comes to play for example, we don’t even know they’re playing at home.

How would you describe a sound system session?

Rico: well like we said before it’s a story, we come to tell the story of reggae. So we can begin by a couple of rocksteady or sky tunes, then some 70s revival – big roots radics. After we really dig digital so we’ll continue into the 80s. We skip a bit of the 90s period, and then we go on with some more modern tunes. With mic-men that murder the versions, it’s really a show.

Guillaume: well, not all the time (laugh)

To come back to a sound system’s identity:

Guillaume: It’s really what links the techno scene and the reggae scene. The completely self-managed sound system aspect. People come to see a sound for their system. One system will sound like this, one crew will play such and such tune… it’s a whole.

And if the identity comes from the system, if for example Jah Shaka plays on your system, would the night still keep your identity, or would it be like a Jah Shaka night?

Guillaume: People come to a Shaka night to see him play. His selection will never be the same as ours. Shaka is Shaka – but if he plays on his system or on another’s system, it won’t be the same. It’s like if we play on someone else’s system, it will be different.
Of course you can still mash up a dance if you’re not on your system. But it will be different, it’s not your sound.

Shanti D: When you make a tune, you know you’re going to play it on your system, so it sounds a certain way. After if you try it on someone else’s system, you’re going to be like “oh shit! it’s really bad”. You won’t recognize your song.

Rico: yeah that happens

Another thing that often comes up is the fact that there aren’t that many places to set up a sound system. A lot of places if you turn up with 8 scoops, they go nuts.

Guillaume: we can never play with 3 stack indoors. Well, It might happen twice a year.

Shanti D: Well they already came by with the decibel meter. They came by just before –  so you see, they come by for the “fete de la musique”, you can imagine what it’s like indoors.

Guillaume: with 3 stacks, we play in Marseille with 3 stacks. In Lyon as well, at the “hangar” and “double mixte”.

Shanti D: With High Tone last time

Guillaume: no with High Tone we never took out 3 stacks. Indoors never.

Shanti D: oh right indoors. Well the 104.

Guillaume: ah yes, the 104 as well.

And do the tunes you play change according to where you play?

Guillaume: It always changes, we will never do the same set twice. We do know which tunes we want to play though.

Shanti D: it’s according to the crowd.

Guillaume: right, it depends on how the crowds react to such or such tune.

So it’s a constant echo:

Guillaume: that’s right, it’s an exchange

Interview OBF & Shanti D

(photo par Vincent Besson)

“le reggae c’est une histoire. Le sound system c’est une histoire qu’il faut raconter.”

Interview avec OBF et Shanti D avant leur session à Aix pour la fête de la musique 2013.

Qu’est-ce qui vous a poussé vers le reggae et pourquoi vous avez décidé de monter votre propre sono ?

Rico: Alors, on a commencé aux alentours des années 2000 sérieusement à acheter des vinyles. Et du coup ce qui nous a influencé c’est la scène alternative Genevoise. C’est grace à elle qu’on a commencé à connaitre ce milieu, celui du reggae, du sound system, et du dancehall et du dub anglais, grâce à certaines personnes, acteurs du milieu reggae. Comme Asher selector et Cultural Warriors qui organisait des soirées dans des squats, un milieu qui était très actif avant à Genève. Donc c’était des soirées avec des prix très attractifs, des boissons pas chères, plein de gens, des sounds systems, une bonne ambiance. Du coup on était toujours dans ce genre d’endroit, et à chaque fois c’était soirée reggae-sound, donc l’immersion a vraiment commencé dans les caves des squats à Genève.

Guillaume: Qui n’existent plus d’ailleurs…

Et du coup, les squats, au niveau gestion et tout ça, c’est quand même proche des raves et des free. Est-ce que il y des ressemblances entre les free et la scène reggae ? Et est ce qu’il y a de grosses différences aussi ?

Rico: La ressemblance entre le mouvement free et les sound systems reggae, c’est que les gens se retrouvent unis, ensemble, pour un but : le plaisir de pouvoir danser sur la musique, avoir un niveau sonore approprié au type de musique qu’on écoute, et d’avoir la liberté de s’exprimer comme on veut sur le dancefloor.

Au final c’est vraiment à voir avec l’autonomie en fait ?

Rico: A Gèneve, il y a 10 ans, c’était vraiment beaucoup de soirées autogérés, ouais. C’était l’autogestion qui primait à Genève.

Et au niveau différences ?

Rico: Bin il y a la drogue dure en moins dans les soirées reggae. Et autrement, eh bien les Bpm.

Guillaume: et aussi il y a le côté identitaire par rapport à la sono qu’on utilise. Du coup la sono fait son identité, et donc les gens viennent voir ceux qui jouent et aussi pour écouter leurs sono. Et c’est ce qui fait l’identité du son quoi.

Donc l’identité d’un sound ou d’un collectif c’est ça sono ?

Guillaume: Voilà, c’est la sono, vu que c’est son instrument.

Rico : Mais il y a le crew aussi, les sélections.

Guillaume : c’est ce qui rapproche les deux milieux, c’est ce côté « home made », autogestion.

Depuis un petit moment vous jouez un peu de partout, mais surtout en Angleterre. Vu que c’est on va dire le 2^e point de naissance des sounds reggae – est ce que vous avez remarqué une différence entre la scène UK et la scène française ?

Rico: Bin les Anglais ont plus eu une éducation depuis les années 70, avec tous les exilés Jamaïcains qui sont venues en Angleterre. Donc les Jamaïcains ont amenés cette culture. Donc les anglais, depuis 40 ans, même plus avec le lovers rock et tout, ils ont baigné dedans depuis plus de 40 ans.

Alors qu’en France c’est arrivé que plus tard – début des années 90 avec les Bordelais. Avec Manutention par exemple qui avait fait venir Jah Shaka. Et à Genève c’était pareil, c’était beaucoup de groupes reggae qui venaient dans les années 80, fin 80. Et le début des sounds system est venu dans les années 90.

Mais en même temps, en France aujourd’hui il y a beaucoup plus de sounds qui se développent. On peut presque dire que la France dépasse l’Angleterre.

Guillaume : Les anglais commencent presque à dire que la scène dub aujourd’hui est en France, plus que chez eux. Parce que aussi chez eux c’est de plus en plus dure de jouer avec sa sono, peu de salles acceptent les sounds system à cause du niveau sonore élevé, etc…
Aussi il y le côté un peu plus nouveaux ici en France.

Rico : ouai c’est ça – il y plus d’euphorie en France. En France, j’ai l’impression que le dub est beaucoup plus ouvert, le public  est beaucoup plus large.

Guillaume : ça nous arrive de rencontrer des punks, des fana d’électro, de tout. En Angleterre tu vas a une danse roots, tu auras probablement que des ‘roots’.

C’est intéressant que vous disiez ça. Jerome [des mungo’s hifi] me disait justement qu’en France ils ne peuvent pas jouer les même choses qu’ils jouent chez eux à Glasgow. A leurs soirées ils passent de tous, dub, dubstep, dancehall… et ça, ça ne passe pas trop en France.

Rico : bin, ça dépend dans quelles soirées. Mais c’est vrai que dans certaines soirées en France les gens ne connaissent rien, donc c’est le travail du sound de leur faire une petite éducation avec des morceaux qu’ils connaissent. Les amadouer comme ça, et après tu peux expérimenter.

Par rapport à la musique encore, vous avez tendance jouer plus du steppa, du dub on va dire électro. Est-ce qu’il y a une différence en terme de message ou d’ambiance entre ce que vous jouez et les productions plus ‘roots’ comme Aba Shanti par exemple ?

Guillaume : La base est même. Apres on a un différend message qu’Aba Shanti. Aba Shanti est un rasta, il prône le rastafarianism, ce que nous on ne prône pas forcement.

Et du coup s’il y a un message à passer à vos soirées, qu’est-ce que c’est ?

Rico : Eh bien nous c’est vraiment le message militant. Avec la pression que l’on subit en ce moment avec le system,  nous on absorbe tout ça tout au long de l’année, on le retranscrit dans nos soirée avec justement des morceaux plus ‘hard’, steppa, des lyrics plus militant, anti-system, ou des lyrics qui simplement expriment la vie de tous les jours.

Donc c’est quand même très politique.

Guillaume : c’est politique, social – tout.

Pour vous comment se passe une bonne session ?

Rico : c’est de commencer avec des gros révival des années 70, roots radics. Des mic-man qui défoncent le micro, les gens qui s’ambiancent sur le dancefloor, qui ‘whine’ ; et puis après passer à des musiques plus actuels.

Guillaume : le public fait beaucoup – il joue beaucoup.

C’est vrai que les sessions reggae sont différentes d’un DJ set traditionnel ou le DJ fait son set et puis part. Il faut parler avec son public.

Rico : ouai, le reggae c’est une histoire. Le sound system c’est une histoire qu’il faut raconter.

Guillaume : C’est surtout que souvent les gens ils ne connaissent pas. Ils arrivent et ils voient ce côté physique de la chose, le son fort, on est au sol – alors souvent les gens en France ne nous regarde pas forcement, ils regardent plutôt les enceintes. Ça c’est aussi la culture qui vient du mouvement techno : les gens viennent pour être devant le mur. En Angleterre ça tu le retrouve pas forcement, les gens sont vers ceux qui jouent. C’est différent, une différente éducation.

Dans une des interviews que j’ai faites récemment d’un sound qui vient on va dire du milieu techno-free parties. Et il disait que le milieu reggae commence à être un peu comme le milieu techno : victime de son succès.

Rico : Ouai, enfin ça dépends quelles soirées. Il y a des soirées qui sont typées plus vers le roots reggae qui attirent plus un publique de connaisseur, et d’autres soirées reggae qui sont un peu plus ouvert on va dire. Mais c’est vrai que les gens aiment de plus en plus se retrouver dans les soirées reggae, mais pourquoi ? Parce qu’il y a une bonne ambiance, il y a une bonne vibes. Il n’y a pas de prise de tête, les gens ne sont pas sur-défoncés. Ils viennent pour la musique quoi, il y a ça qui prime. Le gens viennent pour la vibes quoi.

Guillaume : C’est le son aussi. Avec le sound system il y a aussi le côté beaucoup plus lourd du reggae qu’on ne connait pas forcement en écoutant chez soi. Ça se joue normalement comme ça, la basse tu dois la ressentir à l’intérieur de toi, c’est ce qui fait danser.

Aussi niveau musique, vous jouez plutôt avec du digital, CD. Vous utilisez aussi du vinyle ?

Guillaume : Comme on dit, on commence souvent les sessions avec du revival 70, donc on peut très bien jouer du vinyle pendant 2 heures. Et après on va jouer autant les compos, ou les compos des potes, donc la ça sera plus en CD ou digital.

Le vinyle c’est quand même la base du reggae. De garder le vinyle, est ce que c’est une résistance en quelque sorte ? Vous pensez que ça va jamais passer complètement au digital ?

Guillaume : Bin non, c’est la base. Nous on achète des vinyles tout le temps. Tu ne retrouveras jamais le même son déjà. Et puis entendre le crépitement du vinyle, tu poses le diamant, c’est tout un truc. Il y une chaleur avec le vinyle.

Rico : et maintenant on commence à numériser nos vinyles justement, parce que voyager avec le vinyle c’est très dur. Donc on commence a tout numériser. Mais des fois il faut quand même montrer aux gens que tu l’as cette plaque, c’est la pièce en soi.

Et vos soirées, maintenant et avant, vous les faisiez dans quels genres d’endroits ?

Guillaume : bin nous on habite à côté de la frontière de Genève, du côté français, du coup on a eu un squat, un endroit autogéré qu’on a ouvert. On a commencé à faire des soirées dans le sous-sol là-bas.
Nos premiers invités étaient Uzinadub, de Bordeaux, c’était en 2002 je crois. Et puis ça a commencé comme ça. On a pu organiser plusieurs soirées grâce à ce lieux, se faire connaitre comme ça.

Et est-ce que les lieux que vous utilisez maintenant sont dans le même style ?

Guillaume : beaucoup moins.  A Genève c’est beaucoup plus dur… C’est même impossible d’ouvrir un lieu comme ça maintenant. Du coup on joue beaucoup à l’Usine.

Rico : Qui est encore un lieu dans le même style, mais à plus grande capacité. Mais c’est vrai que maintenant la scène s’ouvre beaucoup au milieu ‘club’. Et c’est mélangé en fait : endroits underground alternatif et club.

Ce qui revient beaucoup dans le reggae c’est la philosophie ‘fait le toi-même’ : tu construis ta sono, t’organise tes propres soirée, et souvent dans des endroits autogéré, ou publique.. ?

Guillaume : On ne peut pas jouer partout avec la sono, ça c’est sûr.

Shanti D : Ils ne veulent pas de toi, c’est trop fort. Si tu dis que tu à un sound tu es banni des trois quarts des salles.

Rico : même les programmateurs des salles ‘officielles’, les SMACs, ils ne connaissent pas ce milieu. Le reggae pour eu ça se résume à  Gladiators et Congos, et encore. Mais autrement les programmateurs des SMACs ils n’ont pas envie de s’ouvrir l’esprit. Là on intègre les SMACs avec les High Tone quand on tourne avec eux, parce qu’ils ont des connexions officiels. Voilà, c’est comme ça qu’on s’intègre à la scène SMAC, c’est avec des groupes comme eux.

Mais est ce que jouer dans des endroits comme ça, on ne perd pas un peu l’élément de base du reggae, justement de jouer dans les clubs. ?

Guillaume : non je ne pense pas. Je pense que ça ouvre à d’autre gens qui ne seraient pas venus normalement, à un autre public. Et je trouve ça plutôt bien.

Rico : Aussi c’est dur de trouver des salles où se produire – et puis après ça dépend le message que tu fais passer. Tu peux être dans un endroit genre club ‘hype’,  mais tu peux arriver à mettre ta propre vibe.

Shanti D : Tant que tu arrives à mettre ta propre sono c’est bon. C’est exceptionnel quand même, quand on joue au 104 par exemple. Le 104 c’est incroyable qu’il y ai un sound system la dedans – c’est plutôt branché art, contemporain, machin… Le dub ça change l’endroit.

Guillaume : C’est aussi quand on amène la sono dans des endroits comme ça qu’ils comprennent la différence, puisque des fois ils nous voient en DJ set, ils ne vont pas forcement comprendre le truc. Apres ils nous voient avec le system et tout, ils font « ah ouai putain bon d’accord ».

C’est un peu comme si vous arrivez à créer votre endroit, votre espace.

Guillaume : voilà, ça crée une énergie, on a notre propre énergie. Et puis les gens aussi.

Rico : on créé notre bulle à l’intérieur de la bulle.

Shanti D : Le truc c’est que en général dans les SMAC, ça les branche pas parce qu’ils ont pas envie de bosser, parce qu’ils sont payé pareil, tu vois. Qu’il y ai du monde, qu’il y ai pas de monde, que ça soit bien que ça soit pas bien, il s’en foutent. Apres il y a des gens qui sont un peu investis, mais moi de ce que j’ai vu, la plupart des mecs ils en ont rien à foutre.
Et puis moi carrément  ce que j’ai vu – la soirée qu’on avait fait à Lyon par exemple, le mec il nous a fait « Ah non ça a trop bien marché on le refait plus ». Parce que le mec il n’a pas envie de bosser quand il y a trop monde.

Rico : Ça c’est rare quand même, mais ça arrive

Shanti D : Parce que tu n’as pas fait beaucoup de SMAC, mais je peux te dire que tu tombes souvent sur des bras cassés.

Rico : mais bon il y des merdes partout.

Guillaume : Quand ils organisent un truc dub chez nous, Il y a aucune promo – les High Tone par exemple quand ils viennent jouer, on le sait même pas qu’ils jouent chez nous.

Comment vous décririez une session reggae sound system :

Rico : alors comme on a dit tout à l’heure c’est une histoire, on vient pour raconter l’histoire du reggae. Donc on peut commencer par exemple par quelques tunes rocksteady, ska, ensuite revival années 70 – gros roots radics. Apres nous on kiffe le digital donc on va enchainer sur les années 80. On zappe un peu la période années 90 et après on enchaine sur les sons un peu plus actuels. Avec les mic-man qui défoncent les versions, c’est vraiment le show quoi.

Guillaume : enfin pas toujours (rires)

Après pour revenir un peu sur l’identité des sounds 

Guillaume : C’est vraiment ce qui relie la scène techno et la scène reggae. Le coté sound system autogéré. Les gens vont aussi voir un sound pour sa sono. Tel sono sonne comme ça, tel crew va jouer tels sélections. C’est un tout quoi.

Et si l’identité viens de la sono, si par exemple disons Jah Shaka par exemple sur votre sono, est la soirée garderait votre identité, ou est-ce que on se retrouverait a une soirée shaka ?

Guillaume : Les gens qui vont a soirée où il y Shaka viennent pour le voir jouer. Il a une sélections qui sera jamais la même que la nôtre. Shaka c’est Shaka – mais qu’il joue sur sa sono, ou sur le son d’un autre, ça sera pas pareil. C’est comme nous si on joue sur la sono d’un autre, ça sera diffèrent.
Apres tu peux quand même brûler danses si tu n’es pas sur ta sono. Ça sera diffèrent, c’est pas ton son.

Shanti D : Quand tu fais des morceaux, tu sais que tu vas les jouer sur ta sono, donc ça sonne d’une manière. Apres tu l’essaye sur une autre sono, tu vas faire « a putain ! C’est tout pourri » tu ne reconnais pas ton morceau.

Rico : ouai, ça arrive

Aussi, quelque chose qui est revenu pas mal, c’est le fait qu’il n’y a plus beaucoup d’endroit pour poser la sono. Beaucoup d’endroits, si déjà si tu arrives avec 8 scoops, ils flippent.

Guillaume : Ah ça, on peut jamais jouer avec 3 murs en intérieurs. Ça arrive deux fois dans l’année quoi.

Shanti D : Bin déjà ils sont passés les mesureurs de décibels là. Ils sont passés tout à l’heure – tu vois ils passent pour la fête de la musique, alors t’imagine dans les salles.

Guillaume : 3 stacks, on joue Marseille 3 stack. A Lyon aussi au Hangar et Double Mixte.

Shanti D : Avec les High Tone la dernière fois

Guillaume : non les High Tone on a jamais sortis 3 stacks. En intérieur jamais

Shanti D : Ah en intérieur. Bin au 104 aussi.

Guillaume : ah ouai 104 aussi.

Et du coup les sélections que vous passez elles changent en fonction de l’endroit où vous jouez ?

Guillaume : Ça change toujours, on fera jamais le même set. Apres on sait quel morceaux on voudrait jouer.

Shanti D : C’est surtout en fonction des gens.

Guillaume : Voilà, c’est selon comment les gens réagissent à tel ou tel morceaux

Donc c’est un écho constant en fait

Guillaume : c’est ça, c’est un échange.

Interview Welders HiFi (English)

 

(photo by Alex See)

“originally reggae is a bit the music of the oppressed. We’re not really oppressed in Europe, we’re rather privileged. But we still have things to say, and it’s part of an alternative” 

“You don’t always have to talk about world hunger, you can also do a little song “I’ve got mushroom and cheese in my dancing shoes”

Interview of Albah from the Welders HiFI sound system on what it means to build your own sound system, the role of free parties in the french sound system scene, and the art of chatting on the mic.

How did you discover reggae, and what pushed you to build your own sound system?

How did I discover reggae… My parents had records of Bob Marley, Third World and Peter Tosh, so I had already heard it at home. Then the first things I listened to was Massilia Sound System [a sound system from Marseille]. Because we are in the south [of France] and it was the first concert I ever went to.
Then during high school, from 2000 to 2005, I used to be involved in the techno scene and free parties, all while continuing to listen to reggae. Then when I started going to rave parties, I started buying vinyl, mostly new roots at the time[…] That’s how I started collecting records.
The first reggae sound system I saw was at the Garance festival in 2003.

But Garance, when it was in the south of France or before?

No, before. Well, when it was the Jamaican sunrise. 2003 I think it was. I think it was King Earthquake or Jah Shaka. Something like that because I remember that there was a huge sound system, and it really impressed me.
So in 2003 I discovered that there were also reggae sound systems, not only techno ones. So joining all these aspects, the techno sound systems, the fact that I liked reggae, and also I played a lot of instruments – well mostly percussions. I was in several bands with Joe, my friend with whom I started the sound system. 10 years ago we started an association for that initially.

So essentially, when I discovered the reggae sound systems, it linked all the aspects that I enjoyed: a big, powerful sound; reggae music and instruments, a more melodic aspect than techno, but still in a sound system set up. So that is how I discovered the scene, but it wasn’t at all with the objective of building my sound system at first.

Life went on, I studied in Nancy, in Spain… and then I came back to Avignon to finish my masters. And I met up with friends with whom I had played in bands with […] and so we started a dub band, because I liked reggae and the others started listening to it too.

So that was the Dub Welders?

Yeah, the Dub welders. So that was in 2008 I think. We focused at first more on ‘French dub’, but in the end it was all kinds of dub. For a while we had been going to the Dub schools in Montpellier, with Lion Roots. And so most of us also collected records, we were going to sound system dances, and then one day the idea came up: we wanted to have our own sound.
My friend Joe had a lot of equipment because he’s a sound engineer. He had a factory made system, so we used to string that up […] But we quickly realized that if we wanted a good sound, we needed to actually get down to it and build one ourselves. We began building it around the end of 2008 – if I remember correctly the first gig we did was in 2009, with 2 scoops. And then we thought 2 scoops are not enough, we need 4.

The way we built it – I mean whether it was in music or for anything else, we had always been quite autonomous. We would organize our band gigs by ourselves, we would rent the amplifiers and equipment […] so then that evolved into the craft, home-made ways of doing things, where not only are you autonomous, but everything is made by you. […]
At first there were quite a lot of us in the project. But when it got to the point where we take 2 weeks off work, get 2000 euros to buy wood, amplifiers… only 2 of us were left. Because some friends didn’t have a job or things like that. But we wanted to go on, so little by little fewer and fewer people were involved – not because of any problems, but because we were keeping at a certain pace.
So that’s how it started, and like I said, the association we started in 2004.

Which association was that?

That was Association Entre Collègues (AEC). It’s the one which manages the Welders sound system, the one we use to do the Massives Corners.

And so the City Wall one is different?

City Wall is another association we started in Avignon that is open to others. It involves local reggae groups, small sound systems, that regroups all the activists from Avignon and with that we organize concerts, sound system sessions. The money we get from that goes to organize other events. And we have the AEC that we use only for our sound system. The money that comes from that one is put back into our sound.
So with that we began to organize our Massive Corners – I think the first one was in May 2011.

And was that at the Akwaba?

No the Akwaba came after. At first it was in small venues that we would rent out – complete autonomy. We would organize our thing, rent small venues around Avignon.
The Akwaba is a venue that we have known for ages. We played there with our bands, and Joe is a sound engineer in the area, so he had worked there before. So he went there, and they wanted to do reggae-dub nights, so it kind of happened. We started a co-production, and now we do 2 or 3 nights a year there. But the Massives Corners we do a lot outside of the Akwaba.

What seems to come back a lot is the idea of autonomy.

Yeah. We quickly found the limits in the fact that we were all on a voluntary basis, and in the end, if you want to do things that are bigger, you need a bit of help. Structures that know their field, that have employees, a place – like the Akwaba. So in that case we had to join them. But I don’t consider that as a loss of autonomy. Especially as the Akwaba is a cooperative, so it is still relatively independent.

So yeah, it’s still an independent scene. We have never asked for subsidies. Maybe that will change later on, but we try to keep our autonomy. But it doesn’t stop us from collaborating with other people as long as we’re on the same wavelength […] When we do things with our sound system, we can just say “ right, we going to bring such a person, such a sound, and off we go”. Joe and I just book a venue, make a few calls for the beer, and it’s done. But with the Akwaba and even with City Wall, we have to have a more “mainstream” line up. We have to talk with both of them so that we can get something big enough to get 3 to 400 people […]
So both are complementary. With the Akwaba the focus is more on the line up […] and then on our side we organize our small sound meetings in the venues that we organize from A to Z.
[…]

And the fact of having a home-made system, it contributes to the feeling of autonomy, but does it contribute anything else?

Yes, it contributes several things I think. […]
First of all it costs less than if you were to buy it – except if you buy it second hand.
You can have new equipment for cheaper than if you were to get factory made equipment. That being said, you can buy hand-made scoops from Lion Roots and others that build them, but it wouldn’t have been your making. And in the process of autonomy, I find that there is – I don’t know what word to use – merit? …. It is a kind of reputation to have built your own sound.
The guy that spent a week building his scoops, drilling, gluing… that built his whole system from A to Z, from my point of view, will have a greater reputation in the sound system scene. More than people like Jumbo Rock, who buys 10 scoops from Jah Tubby’s and off he goes.

The fact of building it yourself – it’s a question of finance, but you can do it at your own rhythm, and it allows you to get the feel of things. You get to know your sound.
I’ll use the example of Jumbo Rock again – I have nothing against him – but he bought his 10 scoops, came down to the Garance where he set up his sound on the camping ground 2 years ago. And he burned out all his mediums. Had he built his 10 scoops himself, it would have taken him 5 years, and he would have learned how his sound system works and not burned everything.

So there’s that. Of course you can buy stuff later. But the fact of building it allows you to understand how it functions, to really think about what you want in terms of sounding, the quality you want to get… […] Those that try to have everything quickly in the end might not know their sound as well and not know what to do if anything goes wrong. […]

And like I said, I have tendency to have consider more highly crews that built their sound from A to Z than the guys who bought everything and come up one day with 10KW. Of course they can do good things, and learn with practice, and after a while there may not be any difference.
But to be able to play your tunes on your sound, that’s what we’re aiming for.

That reminds me of debate that took place online: what makes a sound system’s identity?

Well there are several things. Actually it’s quite funny because some of them have really strong identities. You can have Mungo’s, OBF or Blackboard; well all three are completely different.
But those are things that develop over time. Ours is still being built. You have to find it. You have the rastas, those that aren’t rasta, those that aren’t rastas but are closer to them…

The identity can already be from a visual standpoint. A sound system that is all black, covered with grids like with Iration, it’s quite aggressive. And generally there is a meaning behind that. If you look at the Channel One sound system, it’s all wooden, the grids on the speaker are round, you have the feeling they are going to play roots, and it tends to be that way.

Iration nights are “ruff”, people hit the speakers and so they have to put full grids on the speakers.
I mean ours are bit beaten too, and you have people that play ruff tunes on wooden sound systems. But I still think that that tends to be a recurring theme. […]

So you have that visual aspect. […] Then aside from the music that you play, the identity can have to do with the texture that your sound has. Some sound more metallic, a lot rounder if you put multi-way speakers. I don’t know if you’ve ever heard Equal Brother’s sound system, but it is all in multi-way, and it sounds really round, really roots. If you play the same tune on a sound system like OBF’s or Dawa Hifi’s that have tops that shatter your ears, it sounds a lot dryer. […] Everyone has that particular texture that is linked to what you play. You try to have a sound system that sounds best for what you play the most.

So there’s that. After,  the sound system’s identity… I think that whether you’re a Rasta or not impacts a lot on the sound system. […] For sound systems that are rastas, that’s a big part of their identity.

After there’s the identity that you build according to what you play, in terms of your selections, what type of tunes you play the most, and especially in the dubplates that you have.
By dubplate I mean the tunes that you produce […] and the collaborations that you do. For example I know a few dub-makers that are artists that I support as well as being friends with, and I will play a lot of what they do, and that also defines your sound.
So, OBF are going to play some Iration, some TiT, some Iron dubz… their friends that play similar stuff. Blackboard will bring out things with rockers disciples, a real band, and they have things a lot more roots or UK dub, less ‘techno’ influenced.
So even if you don’t produce tunes, I think your identity is linked to the singers you bring in, and the dub-makers that make you dubplates, and your collaborations […]

It’s cool, you’re making points that haven’t been made before.

Well for me, if it’s just stacking up speakers, plugging them in and playing records… I mean,  a guy invites you to play in Italy for example. He invites Welders sound system to play in Italy. If it’s to go and play the same Vibronics release that all the Italians have… it’s cool, if you have massive collectors and you’ve been in the scene for 50 year, why not. But for me it feels like a sound’s identity is based quite a lot on the dubplates.

So then, if when you play in Italy, on someone else’s sound system, can your identity be transposed on to their system?

On other people’s systems? Well sometimes you can have real surprises! (laughs)
It doesn’t sound the same at all, there’s some tunes you can hardly recognize […] It is true that we don’t have the experience of playing on a lot of different sound systems. We have tried most of the different types of preamplifiers, but only once. Aba shanti, he can come to a dance, whether there is an Irad, a Jored… he’ll know how it works, how to get the system to sound how he wants it to sound. Apparently the big UK sound systems, Aba and the rest, they have dubplates that they only play on their systems because they know how it will sound, or they don’t want to take the risk of it sounding wrong. But when we were in Italy […] we went once with our system, and once we went to Rome to play on another system.  And there are songs you’re like “pffouu, that does NOT sound the same at all” (laugh).

So yeah, it’s those moments that allow you to take a step back and have a good look at your system. It allows you to see that the song you produced sounds good on your system, or sounds better on another’s. And after if one day you want to release something on vinyl and it needs to sound good on the most systems as possible, it’s good to test it. That’s why we send pre-releases to everyone so that they can play it on their systems and give us feedback.

And does the way you set up your system and how you organize your dance change according to where you play? Whether it’s inside, outside…?

Well already you need to find a venue (laugh). So now I’m a specialist in venue-finding, after having been through dozens of different places.
Yeah it changes quite a bit. But that’s due to several things.

When we organize the night ourselves, we aim for the kind of venues that organize weddings, the private venues. So we try to find somewhere far from any inhabited places. Industrial areas or in the countryside. Already, that is not easy. You have to make sure by using aerial photos […] if the place looks like a castle, then forget it. You have to find something a bit shit, but not too much, not too expensive, it has to stay accessible, where you can turn it the sound up and the place won’t fall apart. Sometime, you get a venue and the whole place shakes, you can’t do anything. You’re gutted, the night is ruined. But you can’t know those things until you’ve strung up the system and played something at 30 Htz.

Then once you’ve found a place, the aim is to play facing your system. There is no feedback, the feedback is your system.
So it’s quite hard to get people to understand that when you play in venues like the Akwaba. When you come in and say you want to have your system facing you, they’re like “but no, you have to split in two” […] the guys have been stage managers for years, and they are sure they are right. They do proper concerts, which is a European way of consuming music. We do sound system which is originally a Jamaican way of consuming music […].Originally it was a poor people’s concert. You could have burning spear, all the music bands playing for you in one night, and it wouldn’t cost you anything.

So in the concert venues, they have a little trouble understanding that we don’t use feedback, that we play with our system facing us. It really confuses them (laughs).
Most of the time, we place ourselves where the stage is, so either we undo the stage or we just stay in front. Then we put the system at the other end of the room, so it hits in the opposite way that they are used to hear. So that really confuses them, I’m telling you. The first times at the Akwaba we had to split our stack in two because the guys didn’t want to do it the way we said […]
Then one day we did it, and they all said “that’s really good, it sound  a lot better than usual”.
[…] So that’s the way always do it – controls, sound system facing it. […]

After, in the ways we organize the space, it depends. Essentially, we go into the room and spend half an hour talking about where we are going to put the things […]. At first when we do the tests we go to the middle of the crowd space and we try to get benchmarks. So when I hear this at the controls, it means that the guy in the middle of the dance will hear that. Because sometimes it can hurt their ears while being fine for us.
Then there is always the bar that tends to be – mainly through a lack of alternatives – in the same room as the dance. We try to protect it a little from the sound, so that the guys working there don’t have to deal with the full volume[…]

Then in terms of visuals, of lighting, I quite like it when people can’t see each other. Well, can’t see each other – that it stays in the shadows.
We have two lighting points, well I’m saying this but we have to fight with the Akwaba for that too. Sometimes they put things, it looks like a nightclub. So we have a light where the guys are singing, so where the sound is produced; and one light where the sound comes out. And in the middle I prefer that it stays relatively dark […]I notice that especially at the beginning of the night – after, when there’s lots of people they don’t care – but at the start it brings on a dancing atmosphere much more quickly. People don’t look at others so much, so they not as embarrassed to go there or to be all alone, because in any case you’re in the darkness […]
And so it creates something special, because in the end with sound systems, even if the people look a bit at the guys that make the sound, who sing or the sound system, they still have a lot less visual fixation points than a traditional concert. […]

In a sound system session, there is only sound, so I try to get people to focus on that, to just have two spots, and the rest no lighting. Most of the time it’s a fixed indirect lighting, for example a light behind the stack, which produces that vibe, more favorable for dancing, especially for more meditative dances. When you come into a sound system session, that you get hit by a wave of bass, it’s a bit dark, you can smell a bit of weed, and you see just one bright light with Pupajim or Soom t underneath […] you’re in the vibe straight away.

And the fact of not seeing anyone else means that there is only sound, you are in the music

Yeah you’re focused on your thing. It’s true, there isn’t like what you see in rave party sound systems, lasers and everything. There are some who do that a bit, but we don’t. That’s just my personal opinion; there are guys that do great decors. We do some from time to time, but it will be more for the bar or the control tower. But dancing area stays quite dark.

You’ve played in places…let’s say a bit unusual for sound systems. For example the dance you did at the Fou d’Allos on the ski slopes, or the Fete du Panier underneath the Cathedral de la Major, places where you wouldn’t usually put a sound system. Do those change from other nights?

I like it to be honest… I remember in Paris I was at sound system dances on a barge. And just the fact that it was on a barge I’m sure you get 100 more people. When you play in a ski resort, just the fact that you put your sound system on the snow, people are like “wooaa awesome”.

I was talking about this with Lilou from the I-skankers, and she was saying “fuck, you always have good spots”, we could almost do like in Amelie Poulain, where you have the travelling gnome. We could have the sound system at the sea, the sound system in the mountains (laugh).
But yeah, I like that aspect, the scenery in which you play your sound, even if in the end you’re always playing on the same system. The fact of going to an unusual place, it’s nice. For the people that come it’s something new. And the open air dances, even if we are in the south, there aren’t that many people who organize them. So it creates… I don’t know… it creates a festive vibe, a something a bit quirky.

That’s actually something I’d like to develop further, well even if that would mean having to work in cooperation with local authorities, but to play in places with a past, a bit like La Major, or the Vasarely Foundation.

Places that one wouldn’t really associate with gigs?

Yeah. For example playing in front of the Papal Palace (In Avignon), I would really like that, or on the Pont d’Avignon, places like that.  Then you have to really justify your idea, because local authorities will be scared that you wreck the place. But it’s true that the overall surroundings in which you play create another vibe. When you play in the mountain or on the slopes… but even that, you don’t play the same thing. When you play at the beach or whatever, it changes.

So the place you play in influences what you play?

Yeah, it changes your state of mind. We never really managed it, because we always have issues and get kicked out of our venues, but on one hand it’s good to have a residency somewhere, a place that you are used to, because you know how your system will sound. Even when we play several times in the same venue, we have tried all the possible layouts. We had a small venue in Avignon, the ‘Graffiti’. Well there we tried one stack, two stacks of two ]scoops], one stack of three, four stack of two when we invited people… I mean we tried everything. And each time you try to organize the dance a different way “no, there there was too much light, next time we’ll have less”, “there we had the toilets, everyone was walking in front of the controls”…. So bit by bit you find your final layout, it’s true that changing all the time is annoying.

But the open air areas, there isn’t all that issue with how it sounds, how it doesn’t sound, because you know that if you place yourself 12 feet away from your system, it’s good. We measured our distance. But it adds something on one hand for those that come, because for them it’s nice to have something on a barge or whatever. And for you as well, it allows you not to feel like to going round in circles.

But do you manage to create the same vibe, for example at the Major or on the ski slope, which you would get in more normal places?

It wouldn’t say it depends on the place, it depends more on who comes and who doesn’t. […]
Say for example we go and play at the Akwaba, we might have people who come that know the venue but that have never seen a reggae sound system, or if we play under the Major.
While if you play in a venue that you rent and you organize the night, and you only have 20 people that turn up, you can be sure the guys didn’t just happen to be pass by.
So it’s true that when you use a different place, it allows you to have people who may only have come for the venue you are playing in and who aren’t necessarily there for the sound, and who will discover it.

If you do your PR right and manage to get enough people… but even with people who aren’t from the sound system scene, you can get the dance really going. But that’s got more to do with the people, and if you can capture that vibe, what the people like.
And sometimes they enjoy it but you can’t see it. For example the Italians, it’s quite weird. They don’t yell like here. That said I don’t know how it’s like in the north (of Italy), but here when you pull up, everyone shouts and everything. They’re used to it, they grew up with the dub stations. In Italy you do a pull up, you have 3 guys who shout out, you’re not really sure if the people are enjoying it. They wait… Right… So you put the tune back on. And at the end of the songs, of the good tunes, they clap. I mean I’ve rarely seen people clap in sound system dances in France […]

Something that I seem to hear often is that in Italy they’re a bit more ‘conservative’, more roots in terms of sound.

In France there are conservatives too, but maybe there are more sound system that crossover than in Italy.
But it’s true that the vibe you create, well it depends on the place. When we do our open air dances in Eguilles, the guys who come, they’re hyped-up straight away – because it’s often the last open air dance of the year, or it’s a place where people feel good. Or when we do our dances at the Fou d’Allos, not on the slopes, but we also play in a bar. The bar is the outing of the weekend for a lot of the seasonal workers, and don’t worry, when they come, it’s wild! They don’t necessarily attend sound system nights, but its places that are maybe more favorable to the party vibe than others […]

And it doesn’t even depend on the amount of people. I remember we did this night in the mountains; we had only 70 entries, when the venue could host 200. But the 70 were there from beginning to end […] and it was awesome. Had we had 200 people it would have been the same.
But it’s true, sometimes you don’t know why. Sometimes there is a spark, sometimes there isn’t. I think with experience you can manage to bring things around a lot more if you’re not with a very favorable crowd.

So it has a lot to do with the interaction with the people? That’s the big difference between a gig or a DJ set, and a sound system dance.

Well before we were talking about identity. The identity is also in the message that you try to put across. Maybe rastas put through a lot more than us, but I’m still going to say things.
At the start there is always a warm up. Often we get the younger generations to do them. But in fact warm ups are very important. They are what will make the guy who is slouched at the bar drinking his beer actually come and drink his beer in the dance. And when he’ll be finished with the beer he’ll start raising his arms, and there you have it. And it’s true that if the warm up is shit, and until midnight you play only crap, you don’t talk to people… I’ve had that experience, and that’s why I’ve started to talk and sing.

At first I wouldn’t do it at all and I’m not especially good at singing, but I started because I had to, because no one else was. Also when you talk and there isn’t really anyone in the dance, sometime and especially at the start, you’re kind of embarrassed to say things, no one answers.
But you see, if you play the same (tune) while not saying anything, even if you cut the bass and bring it back on, I mean people won’t even notice you put the bass back. But when you’re there saying things… Especially depending on the intonation you use […]

But it’s true it’s quite hard, it’s an exercise that requires experience. To build up your dance, to get people to get into the vibe by maybe playing a tune they will know, something a bit more mainstream […] And once they’re in the dance, you can play some more ‘obscure’ things.
And this is even more true when you have people that aren’t really used to it, kind of like at ‘world music day’. Then it’s funny because if the people don’t really know about it, they come up to you and ask “why do you only have one turntable?”, “why are you always talking? Stop talking”…. Because they are used to DJs that just play set. But that isn’t a sound system; a sound system is everything we’ve said up to now. A guy that sings, a guy that talks… So it’s true that the vibe that gets created in the dance, and the space that people occupy between the system and the controls, it depends a lot on the music that you play but also, especially for beginners, it depends on what you are going to say to get them to come into the dance.

I was watching an Interview with Aba Shanti a couple of days ago, and at one moment he talks about what it is with dub and reggae, what it is with that music that makes everyone dance, that makes people happy. What is it for you that makes this music special?

Already, I think that that they are reggae nights and they have emerged from quite a tolerant tradition. Well, tolerant, I mean open. To can come as a Rave-head with piercings everywhere or in a three piece suit, or as a dirty shepherd (laugh) you’ll still get in. While if you go to a nightclub, its selective. That being said, concerts are quite open too.
So there is already that freedom of being able to come however you want, that allows it to be a big party, because you aren’t judged.

After, I don’t know, some of the guys who have their system are pro, but we are in a scene that is mostly amateur, in France. Or semi-professional, but sound systems that live only from their sound, in France, I think there is Salomon Heritage, Lion Roots and even him I think he has other revenues, Blackboard Jungle, OBF.. maybe Legal Shot and even then..
The others they all have a job. Jah Militant grows fruits and vegetables, we’re not going to through all of them but you get the idea.

So already the people who do this, it’s their little pleasure. So they come to have a good time – I mean […] if it pisses you off, you don’t do dances. The guy that does the sound, he’s there to party so he’ll try to pass that on to the other people that come.
There are people that are more serious…  But I consider the sound system dance like a place of entertainment. You can crack jokes – that comes from the Jamaican tradition. The DJ tells some jokes, talks about what goes on in everyday life. You don’t always have to talk about world hunger, you can also do a little song “I’ve got mushroom and cheese in my dancing shoes” (laugh).

Make the people forget about their shit week

Exactly. And it’s relatively accessible financially. And the anonymity you get in the darkness, as we were saying earlier, it helps you completely let go. You don’t care, no-one’s looking at you. People can’t see who you are even if they look at you […] It’s the same thing that happens at rave parties, although there people tend to use a lot of substances.
So it’s that party vibe. I imagine, I’m not very knowledgeable in the other things, but there may be vibes in more dancehall sound system or in rap and clashes that are a bit more aggressive. But generally, in the dub sound system scene anyway, we’re more in the idea: let’s make the most of our saturday night, we’re here to listen to music.

Of course, there is also a little message, but both are not incompatible. Guys who say “no you have to stay with roots, with something serious”. Who say Jah Rastafari, all the time, all the time. It’s good, get your message across, but crack a little joke from time to time. You can mess around in sound systems […] Sometimes I have a laugh, I say things, I do a French-English mash-up. So then you go “right guys, that didn’t even make sense, just bring on the sound”. For the warm up it works quite well to say some jokes, you go “hey! you three at the back, come to dance after that third beer”.

On a much broader note. The sound system originally was Jamaican, after it moved to England in the 80s to 2000. And then since 2000, it has moved to more continental Europe. Would you have any idea on why this happened?

I think that the rave parties have a lot to do with it in France, and even in Italy. Because they’re quite big ravers in Italy. And now it’s starting to get to Eastern Europe. I think that base has played a big role. I know a lot of people who go to sound systems today, 10 years ago they would never have put a foot in it and they are old ravers. They still continue to go a bit to raves, but they calmed down, they have kids… And the music is a bit calmer. So I think they come for the sound system aspect, massive speakers. They recognize certain codes, that come from the techno sound systems, that themselves come from [reggae] sound systems. You see, it’s a sort of circle. And I think it came to continental Europe through that.

In the 00s we had lots of small French reggae bands that helped make reggae popular in France. The big French reggae festivals, Sun Ska, Jamaican Sunrise, Garance or Jah’Sound have been around for 10 or so years, but it all sort of came at the same time.

I couldn’t really say, because originally reggae is a bit the music of the oppressed. We’re not really oppressed in Europe, we’re rather privileged. But we still have things to say, and it’s part of an alternative – we’re not massive anarchists either – but there is that underground side to it. Well maybe less today, but I still quite a bit because we can’t find venues to do our things, on TV you don’t see anyone reporting them.
But yeah when we used to go to raves I was 16, well I think that for the young ones today, raves have lost their charm a little – why I don’t really know, maybe it got too popular, more publicized.

And so [reggae] sound systems that have remained a bit underground it attracts the youths. You know having something underground but that is still a bit more organized than a rave which tends to be anarchy […].

It’s semi-official, but it plays a lot on the underground aspect because there isn’t much media attention. In any case, it isn’t like this thanks to the media. It was developed by the activists. I think dub stations, in France anyway, have played a big part. Dub station and the others that did it around the same time. After in the other countries I don’t really know. But you see they are a bit behind – well behind – they have a maybe less sound system in Italy, in Spain. But they are now where we were 4 or 5 years ago I think.

In Jaimaica and in England, sound systems came from the oppressed, the ‘sufferahs’. In England it was linked to racism, to social problems… And in France you wonder where is the link? In France, its mostly white, mostly middle class people that are building systems.

Yeah in France it’s not ruff. If it came from poor areas, it would be in the ‘cités’ [French estates] that they would be building them. But that isn’t the case.
I mean you look at Aix [en-Provence] the number of sound system there is. Aix is more of a rich town. But I think that there may be an aspect… I mean in the 70, our parents were hippies. Hippies weren’t necessarily people who were living in poverty, but they were people who were educated, and who believed in something else than what is happening today. And so they were claiming this by listening to rock, psychedelic rock, I don’t know what.

But they were not necessarily from a disadvantaged background. We are also the ones creating a mess, in Africa, in South America, wherever […]. You join a movement because you become more aware that you, the western affluent culture, it’s something that is not necessarily a model, and that there are things that should be changed. And so you identify with reggae because it holds values such as unity, peace, tolerance… I mean what we try to introduce in reggae is the notion that you have to be nice to others. It may be a little biblical, but don’t care.
When I listen to dancehall lyrics and I hear “if you look at me weird I’ll put my gun in your mouth”. Essentially in the rap and dancehall scene, if you want to be famous you have to be ‘bad’; and in reggae, well if you want to be famous, you have to be ‘nice’.

So you see, It’s something a lot of people can relate to. I think that it helps a lot people to identify to reggae. Even if it comes from Jamaica, from poor neighborhoods, in the end it stayed a strong music. You can very well come from a fancy background, it doesn’t mean you can’t speak out against things that are happening around you.

And to finish, what would be for you the main differences between rave parties and reggae sound system?

Well already in terms of sound, reggae is more based on melody. That’s maybe why we play on one turntable. Because you can’t mix two reggae tunes. You have one that is in D, one in C… in a rave you have a tempo and that’s about all you have to mix. For me that’s quite a big difference.
Also what I like is the mix between acoustic instruments, a melodica, a skank, a piano; and the more electronic side. Whereas in raves its almost entirely electronic.
So we managed to keep that in the dub movement. Even if some like OBF aren’t very acoustic. But there will still be a singer, you see? There is still a ‘live’ act – an acoustic creation – that you don’t necessarily find in the techno scene. The guy might create something because he twisted some buttons […] but that creation is only electronic.

After of course there is the issue of drugs. Even though in the [reggae] sound systems you have some guys that take loads of things. But it isn’t as ostentatious. In raves you have guys with bags full of ecstasy that are going around yelling “ecstasy! Ecstasy!” If someone does that at one of my nights I put him outside, if not call the cops. So there is that side that rejects drugs – so the crowd isn’t the same.

There is also the aspect – well, it’s also that the ravers have been given a lot of shit – but we are still a bit more respectful of the law… Because we don’t want to get our sound system confiscated. Even if we always do things that are on the limits of legality. But it’s true that raves are often… You have old ravers, the guys who clean the areas after, they don’t go too crazy… but generally a rave is a lot less controlled, people give donations when they come in whereas we tend to have a fixed price…. It tends to be a lot more anarchy. But it is something they are attached to, it’s good in some way too […]

Ravers also tend to want the most Kilowatts possible. We don’t give a shit about kilowatts. You don’t even say the number of KW your system has. We have at times put it up, but more as a message to ravers. […] If someone asks me how many Kilowatts my system has, I know he’s not someone from the (reggae) scene. Someone who wants to ask me what my system is made of in reggae terms will talk to me about the number of scoops, it’s kind of the basic unit […]

So there is a real importance awarded to the quality of sound. You look at Blackboard Jungle’s system, it sounds so clean. The dude can put 24 scoops, you still have a quality of sound that is impressive for the actual power of sound.
Whereas ravers often just pile up speakers, the things are out of ‘tune’, and so they have so many kilowatts but the things cancel themselves out. They want a huge kick. Maybe the fact that they make electronic music with little melodies allows them to do that. But if we start doing that, you won’t hear such and such frequency anymore, you won’t hear the voices anymore… So the music we play forces us to put the quality of sound at the front […]

After I don’t know if the massives that come to the [sound system] sessions have the same approach, but I think they are capable of knowing if a system works well or not. As much as in raves you hear a massive kick, it makes you dance because you’re already bouncing around on the fast bass. There are synthesizers but if you don’t hear them it doesn’t change much. Whereas in reggae, and this goes back to the issue of dubplates and how to build your dance. Well recently I went to a session organized by people who I will not name,  the system did not sound good, and well the people did not get into the mood, they couldn’t spread the vibes. Even though they had good artists playing, there wasn’t that fusion between the people and the sound system.
So for your dance to work well, you have to have a good quality of sound in order to spread your vibe.
And that I think is quite an important difference.

Interview Welders HiFi

(Photo par Alex See)

“Le reggae à l’origine c’est un peu la musique des opprimés etc. on n’est pas trop des opprimés en Europe, on est plutôt privilégié. Mais on a quand même des choses à revendiquer, et ça fait partie d’une alternative” 

Interview avec Albah du Welders HiFI sound system sur ce que c’est que de construire son sound system, le rôle des raves dans le paysage sound system français, et l’art de ‘chatter’ au micro.

Comment est-ce que tu as découvert le reggae,  et qu’est ce qui t’a poussé à monter ta propre sono ?

Alors, comment j’ai découvert le reggae. Je pense – je ne saurai pas trop te dire exactement comment. Je sais que mes parents avaient des vinyles de Bob Marley, Third World, et Peter Tosh, donc déjà j’en avais entendu là. Apres les premiers trucs que j’écoutais en reggae, ce n’était peut-être pas hyper conventionnel, mais c’était Massilia Sound System. Parce qu’on est dans le sud, et c’est le premier concert que j’ai fait de ma vie.

Donc c’était au collège, quand j’avais 12 ans un truc comme ça. Et puis après j’ai commencé à vraiment en écouter, voilà, au collège-lycée. Sans forcément m’intéresser au vinyle. J’écoutais un peu  ce que tout le monde connais, gladiators etc… et puis des petits groupes de reggae français : tryo, babylon circus.

Apres, tout mon lycée, de 2000 à 2005, j’ai pas mal fréquenté les milieux technos, free parties… Et en parallèle je continuai à écouter du reggae.  Ensuite, quand ça m’a un peu passé d’aller en rave, j’ai commencé à acheter du vinyle, plutôt new roots à l’époque. Je ne sais pas trop pourquoi d’ailleurs, je crois que j’avais un pote allemand qui collectionnait un peu, et du coup j’ai commencé à collectionner comme ça.
Et puis un jour à garance aussi. Les premiers sounds sytems que j’ai vu  c’était à garance en 2003.

Mais garance quand c’était dans le sud ou avant ?

Non, avant. Enfin quand c’était le jamaïcain sunrise à Bagnols. 2003, c’était. Je crois que c’était King earthquake, ou jah shaka.  Un truc comme ça parce que je me souviens qu’il y avait une énorme sono, et ça m’avait bien impressionné.

Donc en 2000 j’ai commencé à aller en teuf, toujours en écoutant du reggae, mais allant en Sound system tecno. 2003 je me suis aperçus qu’il y avait des Sound system reggae, et puis j’écoutais du reggae. Et puis j’ai commencé à avoir des vinyles vers 2005, peut été un peu avant.
Et donc tout ça à fait que, bin en connectant un peu le coté Sound system techno, le fait  que j’aime beaucoup le reggae, et en plus je suis  multi-instrumentaliste. Enfin surtout percussionniste. J’ai des groupes de musique depuis que j’ai 15 on va dire – pas du tout reggae d’ailleurs – Avec lesquels on tournait, avec Joe, le pote avec qui je fais le Sound system. Il y a 10 ans déjà, on a fondé notre asso pour ça à l’origine.

Et voilà, donc quand j’ai découvert le sound system reggae dub, je me suis retrouvé sur plein d’aspects la dedans, qui me permettaient de conjuguer plein d’aspect musicaux que j’aimais bien : qu’il y ai un gros mur de son et que ça tape de la techno ; le fait qu’il y ai du reggae et qu’il y a des instruments, un côté un peu plus mélodique et tout, mais en configuration Sound system.
Du coup c’est comme ça que je suis rentré dans le truc, mais au début pas du tout en pensant construire mon Sound system. Juste en temps qu’amateur de la musique. Et puis moi c’était new roots que j’écoutais au début, pas du tout dub.
Mais bon ça a fait son chemin petit à petit.

J’ai fait mes études à Nancy, en Espagne etc., et puis je suis revenu à la fin – quand j’ai passé mon master je suis revenu  faire mon stage de fin d’étude a Avignon. Donc je me suis retrouvé avec mes potes avec qui j’avais mes groupes de musique quand j’étais jeune. C’était des punks, des techno mans, des machins… Et du coup on a refondé un groupe dub, parce que moi je kiffais le reggae, et je sais pas pourquoi, les autres se sont mis à en écouter aussi. Moi j’étais un peu tout seul au début. Et du coup on a fondé un groupe dub, mais plus accès dub français.

Donc ça c’était les dub welders ?

Ouai voilà, dub welder. C’était en 2008 je crois. Plus accès dub français, mais au final dub au sens large. Sa faisais un moment que j’allais dans les dub station à Montpellier, enfin, les dub school je crois que ça s’appelais. C’était lion roots.
Et donc assez rapidement, dub welders on s’est retrouvé. On collectionnait tous a peux près des vinyles. On s’est retrouvé tous à faire un peu du dub, reggae, on avait tous des vinyles, on allait en Sound system. Et puis, je ne sais pas, un jour l’idée a germé : on aimerait bien avoir notre propre system de diffusion, il ne manquait plus que ça.
D’autant plus que Joe, le pote avec qui on fait le Sound system aujourd’hui avait beaucoup de matos, vu qu’il est ingénieur son depuis plusieurs année. Ils avaient un system industriels, bon de 3KW tu vois, on avait déjà empilé les enceintes.

Donc on avait déjà plus ou moins un Sound system si on mettait chacun nos amplis etc. mais ce n’était pas artisanal. On s’est vite rendu compte que si on voulait avoir du son comme il faut, il fallait mettre la main à la patte et construire le bordel.
Donc on a commencé à construire ça fin 2008, début 2009 je crois. Si je me souviens bien la première date qu’on a fait c’était en 2009.
Je crois qu’on a eu 2 scoops pour la fête de la musique 2009. Donc à partir du moment où on a eu les 2 premiers scoop – au début on mettait au-dessus les amplis qu’on avait. Et puis après on s’est dit qu’il fallait faire le reste. Donc on a fait le chapiteau des 2 premiers scoops. Puis on s’est dit, bin 2 ça suffit pas faut en faire 4.

Apes nous notre technique ça a été de construire, parce que je ne sais pas, on a toujours été aussi bien dans le musique que dans tout le reste, on a toujours été très autonome. On organisait nous-même nos concerts quand on faisait des concerts, on sonorisait nous-même… Donc l’autonomie à la fois dans l’organisation et dans le truc, elle a glissé sur l’autonomie de sonorisation, parce qu’on avait un peu les moyens. Et puis après on est allé vers l’artisanal, ou la t’es non seulement autonome, mais en plus c’est toi qui a tout fait.

Bon après, comme tu sais, c’est une amélioration permanente. Je pense qu’il n’y a pas un mois qui passe sans qu’on parle de qu’est ce qu’on va racheter, changer…
Donc la jeunesse du truc, ça a été ça. Au début on a été un peu plus dans le projet, il y avait beaucoup. Au moment où il a fallu poser 15 jours de congés, sortir 2000^e pour aller acheter du bois des amplis et des enceintes, on s’est retrouvé à 2. Bon parce qu’il y a des potes qui n’avaient pas de boulot, donc les mecs ils ne pouvaient pas suivre. Mais nous on voulait avancer donc sans ces personnes-là, sans que ça se passe mal, mais petit à petit sa s’est fait qu’on a lâché du monde en route parce qu’on voulait avancer a certain rythme qui était peut-être un peu trop rapide en terme de temps et d’investissement.
Donc voilà comment ça s’est fait. Les premières soirée on s’est fait inviter – on a fait la fête de la musique, et on a fait une soirée dans le Cévennes aussi. C’était bien pour se faire la main.
Et puis, comme j’ai dit, l’assois a été créé en 2004.

 C’était laquelle d’asso ça ?

C’est l’Association Entre Collègue (AEC), c’est l’asso qui existe toujours. Qui gère le sound system welders , avec qui on fait les massives corner.

Et la City Wall c’est différent ?

City Wall c’est une autre asso qu’on a créé Avignon, qui est ouverte à d’autres. Il y a des petits groupes de reggae locaux, des petits sourds – et nous on a une assos qui sert qu’aux sound system, avec laquelle on organise les danses ou il n’y a que nous. Et puis il y a l’autre asso sur Avignon dans laquelle il y a le sound et un autre groupe et un autre sound, et qui regroupe un peu les activistes avignonnais – et la o organise des trucs, ça peut-être des concerts, des soirées… Et dans laquelle, du coup les sous qui sont gagné servent à faire d’autres évènements. Alors que l’assos ente collègue elle sert qu’au sound. Toutes la thune qui est dedans elle sert qu’au son, elle est réinvestie pour ça.
Et donc voilà, du coup on a commencé à organiser nos Massives Corners. Je crois que la première devait être en début 2010. Mai 2010 la première il me semble.

Et ça c’était à l’Akwaba ou pas encore ?

Non, l’Akwaba c’est venu bien après. Ça c’était dans des petites salles qu’on louait, totale autonomie. On organisait nos trucs, on louait des petites salles autour d’Avignon.
Le lien avec l’Akwaba. Bin l’Akwaba c’est une salle qu’on connait depuis toujours, étant d’Avignon. Nous on a joué avec nos petits groupes à l’époque, Joe il est Inge son sur Avignon, donc il connait tous les régisseurs. Il est déjà allé bosser à l’Akwaba parce qu’il sonorise pas mal de groupes. Du coup bin voilà, il est allé en tant qu’Ingé son, et bin l’Akwaba avait envie de faire des soirées reggae dub. Le truc se développant, sa s’est fait ; on a fait une Co production et on fait 2-3 soirées par an là-bas.
Mais après des massives corners à Avignon on en fait hors Akwaba. On en fait d’autre salles qu’on loue ou là on fait tout. Et on en fait en co-production avec l’Akwaba.

C’est quand même le principe d’autonomie qui revient assez souvent non ?

Ouai. On a vite trouvé les limites dans le fait qu’on est tous bénévoles, et au bout d’un moment,  si tu veux faire des trucs un peu gros, eh bien on besoin d’un peu d’aide. De structures un peu plus calés, qui ont des salariés, qui ont un lieu – comme l’akwaba.
Donc là on a du s’associer – mais je ne considère pas ça forcément comme une perte d’autonomie. Surtout que l’Akwaba est une coopérative, donc elle reste quand même plus ou moins indépendante.

Mais ouai voilà, ça reste de la scène indépendante. Nous on a jamais demandé de subventions. Bon on va peut-être le faire, mais voilà, on essaye de garder notre autonomie. Mais ça nous empêche pas de collaborer avec d’autre gens, du moment qu’on reste sur une même longueur d’onde.
Apres, c’est vrai qu’a l’Akwaba, on est un peu moins autonomes, mais même quand on fait des choses avec City Wall, on est un peu moins autonome dans les choix parce que quand on fait des trucs avec le sound, on se dit « c’est bon on fait venir, tel gars, tel sound, et hop, c’est partis » ; mais Là c’est Jo et moi, on appelle la salle, on fait quelques appelles pour la bière et tac, c’est réglé. Alors qu’avec l’Akwaba, il faut que tu fasses une prog ‘ un peu collégiale. Qu’on discute avec city Wall d’un côté, après avec l’Akwaba, que ça corresponde à un truc suffisamment gros pour ramener 3 à 400 personnes, on ne va pas faire un petit Sound meeting avec les Bashy alors que ça on va te le faire dans une petites salle qu’on va louer 500 balles, tu vois.

Donc les 2 sont complémentaires. L’Akwaba on fait plus de la prog’, mais après nous sa nous convient aussi. Et puis nous en dehors on fait nos petits sounds meeting, dans des salles ou là on gère tout de A à Z. Donc là on est à la 16^e Massive Corner. En gros on essaye de faire à peu près une soirée par mois, mais on en fait plus. Parce qu’on a d’autre soirées, on n’a pas que les massives corner. Quand on va jouer dans les Cévennes, ce n’est pas le même nom. Quand on va jouer dans les alpes de haute Provence non plus.
On a dû en faire une trentaine jusqu’à maintenant. Environs une dizaine par an depuis 2010.

Ça va, c’est un bon rythme !

Ouai ouai ça va. Apres il y en a ou il y a 70 personnes. Apres il y en a d’autres ou il y a 500 personnes. T’en fait 10 petites pour en faire une grosse. Mais les petites c’est bien aussi, tu te fais plaisir, tu te fais la main, tu teste des nouveaux trucs.

Et le fait d’avoir une sono ‘home made’, sa rajoute au principe d’autonomie, mais est-ce que ça apporte quelque chose d’autre aussi ?

Ouai. Sa apporte plusieurs choses je pense.
Déjà sa apporte que ça coûte quand même moins que si tu l’acheté – sauf si tu l’acheté d’occasion, encore je pense que c’est peut-être pas forcément vrai.

Mais bon, tu as du matos neuf moins cher que si tu as du matos neuf ‘industriel’ on va dire. Ceci dis tu peux acheter des scoops neuf, à Lion Roots ou d’autres qui en fabriquent, mais la tu les a pas fait. Et moi je trouve, en tout cas moi dans le démarche un peu d’autonomie, j’ai l’impression qu’il y a – je ne sais pas quel mot utiliser – mérite ?… C’est une genre de notoriété, d’avoir fait son propre sound.
Le mec qui a passé une semaine à construire ses scoops, à aligner les trucs, a visser etc… Qui a fait tout son sound system de A à Z, je pense en tout cas de mon point de vue, que dans le milieux du sound system, il y a une plus grande reconnaissance pour ces gens-là que pour des mecs comme Jumbo Rock qui s’achètent 10 scoops chez Jah Tubbys et puis voilà. Il a branché 3 trucs et c’est parti.
Après, le fait de construire tout soit même – bon c’est une question de thunes, et puis tu peux le faire à ton rythme aussi, ça te permet de te faire la main petit à petit. Tu apprends à vraiment connaitre ton sound. Tu crame 1 ou 2 hauts parleurs de temps en temps.

Je reprends l’exemple de Jumbo Rock – j’ai rien contre lui – mais il a acheté ses 10 scoops, il est descendu au garance, il a fait le sound sur le camping du 2^e garance, il y a 2 ans. Et il a cramé tous ses médiums et il est rentré chez lui. Mais il aurait construit lui-même ses 10 scoops, il aurait mis 5 ans à les construire, et il aurait eu le temps d’apprendre à faire fonctionner sa sono, et il aurait pas tout cramé.
Donc il y a aussi ça. Bon après tu peux racheter des trucs, mais déjà de l’avoir fait une fois ça te permet de bien comprendre le fonctionnement de ton son, de bien réfléchir sur toi, ce que tu veux en terme de rendu sonore, d’écouté, ce que t’a sur tel ou tel son… Donc ça te permet de te questionner sur la qualité de son que tu veux, et voilà.

Après bien sur t’a l’autonomie, mais après tu ne peux t’en vouloir qu’à toi-même si ta sono elle marche mal, et tu vas avoir peut être plus de facilité à te dire ‘tiens il va falloir améliorer ça’, parce que tu sais que, au moment où t’as fait ton truc, t’a mis un haut-parleur pas cher, parce que voilà, t’avais pas les sous. Alors qu’il y en a qui prennent les trucs un peu clef en main et au final ils connaissent un peu moins bien leur sono et ils sont peut-être pas capable de diagnostiquer un problème, tu vois.
Tu sais comment il fonctionne, tu sais comment le réparer, et tu as été obligé de mettre du temps à le faire, et ce temps il est nécessaire pour savoir faire marcher ton sound.
Et puis, comme je t’ai dit, j’ai tendance à considérer plus les sounds systems qui ont construit leur sono de A a Z, que les mecs qui ont tout acheté et qui un jour se ramènent avec 10 KW de son. Bien que ces mecs la fassent des choses bien, et apprennent au fur et à mesure, et au bout d’un moment il y a peut-être plus de différence.

Mais je suis plutôt partisan du ‘do It yourself’. Et ceci ça va jusqu’aux productions aussi, il n’y a pas que la sono dans l’histoire, tu vois. De pouvoir jouer ton son, sur ta sono – la c’est ce qu’on vise. C’est un peu la consécration du truc. Tu contrôle tout. C’est soit toi qui a tout fait ou qui a demandé à ce que ça soit fait sur mesure pour toi.

Et du coup, ça me rappelle un débat qu’il y a eu sur internet ; qu’est ce qui fait l’identité d’une sono, d’un collectif, d’un sound ?

Alors, il y a plusieurs choses je dirais. En plus c’est assez marrant parce qu’il y a vraiment des identités fortes, en tout cas tout cas dans les sonos. Tu vois Mungos, OBF, ou Blackboard, et bin les 3 ça n’a rien à voir. Mais c’’est des choses qui se développent avec le temps. La nôtre elle est en train de se construire. Il faut la chercher. T’a les rastas, t’as les pas rastas, t’as les mecs pas rasta mais qui sont plus proche des rastas… etc

On va dire l’identité elle est déjà visuelle. Un sound system tout noir, tout grillagé à la Iration, c’est un peu agressif comme truc, visuellement. Et en général ça correspond aussi à quelque chose derrière. Tu vois la sono de Channel One, c’est tout en bois, t’a grilles rondes sur les hauts parleurs, t’a l’impression que ça va jouer roots, et effectivement, c’est un peu plus ça.
Les soirées Iration c’est ‘ruff’ quoi, les gars ils tapent sur les hauts parleurs, du coup ils sont limite obligé de mettre des full grid.
Bon les nôtres ils sont un peu enfoncés aussi – et puis t’a des mecs qui jouent du gros bourrin même sur des sonos en bois. Mais je trouve quand même, il y a un peu ce côté-là. Il faudrait faire une comparaison tu vois, classer les sounds system un peu ‘hard’, et voir la gueule des sonos qu’ils ont, et c’est que souvent c’est lié. Celle des Blackboard elle est plus ronde…

Donc tu as cette identité visuelle dans un premier temps. Mais bon qui peut évoluer avec le temps, en fonction du sound – nous on va repeindre le grilles bientôt.. Enfin bon.
Après tu as une identité, au-delà de la musique que tu joues, de grain sonore. Il y a des sonos plus métalliques, plus rondes selon si tu mets du pavillonnaire – je ne sais pas si tu as déjà  entendu la sono des Equal Brothers, tout est en pavillonnaire et sa sonne ultra rond, ultra roots.
Et tu vas jouer la même chanson sur une sono genre OBF ou Dawa Hifi qui ont des aigues qui te pètent les oreilles (rires), c’est un peu plus sec. Et du coup effectivement, par exemple Salomon héritage, il a une sono qui est bien je trouve, qui joue bien roots, qui a un son assez rond..
Du coup c’est cette recherche la, quand tu modifie des choses, c’est que tu penses que ça descend pas assez dans les infra, que ceci, cela… Parce que toi tu as l’habitude de jouer plus du gros stepper hardcore que ça tape du côté du gros kick, donc tu vas mettre des HD15 ou je ne sais pas quoi. Ou tu as des gros saladiers la, des 38 en bas medium, ça fait un kick un peu mou du coup t’aime bien parce que tu vas jouer plus du roots.

Chacun a ce grain sonore qui correspond finalement, un petit peu, à ce que tu joues derrière. Même si, je ne dis pas que Blackboard joue pas du gros stepper bourrin aussi, ils en jouent, mais ils vont être quand même plus roots…  OBF aussi vont jouer du roots, mais leur sono est quand même plus adapté a bien rendre la musique qu’ils jouent.

Après t’as des sounds sytems, je ne sais pas trop qui, mais il y en a probablement, mais qui joue peut-être pas que du reggae, qui ont besoin d’une sono plus polyvalente, et voilà, du coup en fonction de ce qu’ils jouent essaye d’avoir un grain sonore.
Apres tu essayes que ça sonne le mieux possible pour ce que tu joues en majorité.
Voilà, après l’identité de ton son, je crois que le fait que tu sois rasta ou pas rasta sa imprime pas mal de choses sur le sound. Même si on joue tous de la musique reggae ou ça dis « Jah rastafari » dans les dub plate, c’est des prières et tout, moi ça ne me dérange absolument pas du moment que le message reste positif et que ce n’est pas des ayatollah. Mais bon, donc ça, pour les sounds qui sont rasta, c’est une partie assez importante de leur identité.

Après il y a aussi l’identité que tu te construis en fonction de ce que joue, à la fois en terme de sélections, dans la majorité de ce que tu joues ; et aussi et surtout dans les dub plates que tu as. Donc par dub plate j’entends à la fois des prods que tu fais, même si tous les sounds ne produisent pas, il y a quand même une grosse partie qui font leur propre son. Ou qui essayent tu vois, il évolue, il est en train de se construire.  Nous nos prods qu’on faisait il y a 3 ans et celles qu’on fait aujourd’hui elles ont rien à voir. Il y a une évolution, et tu vois, on est encore en train de chercher notre style. On fait du digital, on fait du machin du truc. Je pense qu’on continuera toujours à faire un peu de tout.

Et aussi, quand tu ne produis pas, et puis même quand tu produis tu ne peux pas jouer que des trucs à toi – enfin tu peux mais bon… Mais les collaborations que fais. Je sais que moi par exemple j’ai quelques dub makers qui font partie des artiste que je soutiens et qui sont mes potes aussi et que je vais beaucoup jouer, et ça ça définis un peu ton son aussi.
On va dire, OBF ils vont jouer du Iration, du TiT, du Iron Dubz…  enfin voilà, leurs potes qui jouent aussi, et du coup ça défini un peu leur identité. Ils jouent du OBF, mais ils vont jouer du TiT après. C’est diffèrent mais ça reste de la grosse basse, du truc qui tape.
Blackboard, et bien ils sortent des trucs avec Rockers Disciples, un vrai groupe, ils ont des trucs plus roots ou dub anglais, un peu moins technoïde on va dire.
Et donc, voilà, même si tu ne produis pas, je pense que ton identité sonore elle est lié aux chanteurs que tu fais venir dans tes sessions, et aux dub makers qui te font tes dub plates, et aux collaborations que tu fais.

Moi souvent, quand je fais des dub plates Welders Hifi soit je file un riddim qui est à nous, soit j’ai un riddim d’un pote, de TiT ou je sais qui, j’ai un autre pote chanteur Ras Mykha par exemple. Je dis « tiens Mykha, ce riddim de TiT je l’aime bien,  je pense que tu pourrais faire un bon truc dessus » et je lui demande de faire un spécial pour moi, et t’essaye même de créer quelque chose de nouveau. Parce que ces deux personnes ça se trouves ils auraient jamais rien fait ensemble si je n’étais pas au milieux, peut être ça aurait été fait dans 10 ans.
Du coup voilà, j’essaye de faire ça, et cette superposition à la fois de chanteurs, dub makers, ou de choses que tu fais, ça crée un peu ton identité.

D’accord…  t’aborde des points qui ont pas été abordés avant, c’est cool.

Nan mais pour moi, si c’est juste empiler des caissons  et les brancher, et jouer les vinyles… Enfin je veux dire, un mec quand il t’invite à jouer, en Italie par exemple. Il invite les Welders sound system à jouer en Italie. Si c’est pour que j’aille passer les même releases de Vibronics que tous les italiens ils ont. Bon c’est cool… si t’a des gros collectors et que sa fait 50 ans que t’es dans le milieu, pourquoi pas.. Mais voilà, pour moi il me semble que l’identité d’un sound system ça se base pas mal sur les dubplates.

Mais du coup, si par exemple toi, quand vous avez été jouer en Italie, ou si vous jouez sur la sono de quelqu’un d’autre, est ce que votre identité elle est transposée sur cette sono ?

Sur la sono de l’autre ? Bin des fois t’a des surprises mec (rires)
Ça rend pas du tout pareil, t’as des tunes presque tu les reconnais pas. Et puis t’a des sonos, putain, pour les driver pour que ça sonne… Bon après c’est que nous on n’a pas l’expérience de jouer sur énormément de sonos. On a testé un peu tous les types de pré-amplis, mais une fois. Aba Shanti il arrive, que ça soit un Irad, un Jored.. Il sait comment ça marche, il sait comment il veut faire sonner son truc.

Il parait que les gros sons anglais, Aba et compagnie, il y a dub plates qu’ils ne jouent que sur leur son. Parce qu’ils savent que ça va bien sonner, ou ils ne veulent pas prendre le risque que ça sonne mal.

Mais nous en Italie, putain. Notamment quand on y est allé. Bon on est allé une fois avec notre sono, et une fois on a joué à Rome sur la sono des autres. Et il y des trucs, t’es la « pfouu ok, ça sonne PAS du tout du tout pareil » (rires).
Donc ouai, c’est à ces moments-là que ça te permet de prendre du recul sur ta sono. De te dire tiens ma prod sonne bien sur ma sono, ou elle sonne mieux sur la sienne. Et après si un jour tu veux sortir un truc en vinyle et il faut que ça sonne sur un peu toutes les sonos, c’est bien de la tester ailleurs. C’est pour ça qu’on envoie les pré-release à un peu tout le monde pour les mecs ils les jouent et qu’ils nous disent.

Et est-ce que la manière dont vous montez les sonos et comment vous organisez les danses ça change en fonction d’où vous jouez ? Que ça soit intérieur, extérieur ou dans différentes salles.

Alors déjà il faut trouver les salles (rires). Les endroits où tu peux.
Alors maintenant je suis spécialisé dans le ‘trouvage’ de salles, à force d’avoir fait des dizaines de salles différentes.
ouai ça change pas mal. Apres, bon il y a plusieurs choses.
Quand nous on organise nous-même, notre fond de commerce c’est les salles du genre mariages, les salles privés. Donc on essaye de trouver des trucs loin de toute vie habité. Des zones industrielles ou alors en campagne.

Déjà ça ce n’est pas évident, il faut que vérifie sur les photos aériennes, tu te payes une, deux, trois salles, t’a 50 salles. Le truc ça ressemble à un château, tu fais « nan laisse tomber ». Il faut trouver un truc un peu pérave, mais pas trop, pas trop cher, un peu accessible ou tu peux faire péter et ça va pas s’effondrer. Parce que des fois t’arrive dans des salles ça vibre, tu peux rien faire, t’es dégouté, t’a pourris ta soirée. Sauf que tu ne peux pas le savoir, tant que t’a pas monté ta sono et que tu n’as pas mis du 30Htz, tu ne sais pas.
Après une fois que tu l’as trouvé, de toute façon on va dire le but c’est de jouer face à sa sono. Il n’y a pas de retour, le retour c’est ton son.

Donc ça c’est déjà assez difficile à faire comprendre au mec quand tu vas jouer dans des salles style l’Akwaba. Les mecs, quand tu arrives et que tu dis on veut avoir le son en face de nous, ils sont là « mais nan, coupe le en deux déjà ». Alors toi tu es la « non un seul mur c’est mieux, ça descend plus bas en fréquence etc.. » il faut leur expliquer alors que les mecs ils sont régisseurs depuis je ne sais pas combien d’années, alors ils sont sur d’avoir raison. Tu essayes de déconstruire pour reconstruire, parce qu’eux ils font que des concerts, qui est un mode de consommation de musique européen, machin. Et nous on fait du sound system qui est un mode de consommation de musique jamaïcain à l’origine, et qui s’est étendu à la teuf. Mais à l’origine c’est un peu le concert des pauvres. Tu peux avoir Burning Spear, tous les groupes de musiques qui vont jouer pour toi dans une seul soirée, et ça ne t’aura couté rien du tout, ou moins de 10^e en tout cas.

Donc là les salles, elles ont un peu du mal à comprendre qu’on ne met pas de retour, et qu’on joue sono face, tu vois.  Ca les perturbe les gars (rires). C’est-à-dire que en fait, nous on se met en général à l’endroit où il y a la scène, donc on fait démonter la scène, ou on se met devant. Et puis on met le son au bout de la salle qui tape du coup à l’inverse de ce qu’ils ont l’habitude d’entendre. Donc ça les perturbe, je te promets. Les premières à l’Akwaba, on s’est battu et tout. On a été obligé de couper le stack en 2 parce que les gars ils ne voulaient pas. Bon un jour, un a dit, « bon alors maintenant on en a fait 2, ça a marché. Nous on sait comment ça marche, donc ça va être un mur et un va le mettre la. Laisse nous faire une fois, s’il te plait ». On l’a fait, et à la fin, ils ont tous dis « putain, trop bien, c’était vachement mieux que d’habitude ».

Donc voilà, mais ça nous a pris trois dates, donc environ 1 ans, juste pour avoir la configuration sound system. Bon après tu peux couper en 2 mais il faut qu’il y ait au moins trois scoops par stack. Sinon ça vaut pas le coup au niveau de l’infra que tu peux avoir.
Donc il y a toujours cette histoire là – régis, sound system en face. Alors des fois il est un peu décalé, mais il en gros tu n’as pas de retour.

Après, dans l’organisation de l’espace, ça dépend. Nous en gros on arrive dans la salle, et on passe une demi-heure à discuter d’où on va mettre les trucs, on change trois  fois d’avis. Même si on avait déjà réfléchis avant, qu’on avait passé une soirée à boire des bières à en discuter. Au final quand on arrive sur place, ça nous arrive souvent de tous changer. Ca nous arrive même de faire les essais, de s’arrêter et de faire « non, on le rapproche de un mètre parce que ça tape pas assez à l’endroit où on est ».
Parce qu’il faut que tu puisses, là où tu es, avoir un son, ou du moins des repères. Tu vois au début quand on fait des réglages on va au milieu à peu près de la foule et on essaye d’avoir des repères. Moi quand j’entends ça à la régis, ça veut dire que le mec qui est au milieu de la foule il entend ça, parce que des fois ça peut faire mal aux oreilles alors que nous ça nous fait rien.

Après il y a toujours le petit bar, qui en général, mais ça c’est surtout faute de mieux, est intégré dans le même espace de danse que le sound system. On essaye de l’isoler un peu du son quand même, pour que les mecs au bar entendent le son mais ne se mangent pas à plein pot le truc. Après dans les salles ou il y a le bar un peu exclu du son, ou complètement dans une autre salle, je trouve ça  un peu dommage aussi. Ne serai-ce que pour les bénévoles.

Donc après en termes de visuel, en termes de lumière, j’aime bien quand les gens ne se voient pas. Enfin, ne se voient pas, que ça reste dans la pénombre. On met deux points de lumière, enfin je dis ça, mais on se bat avec l’Akwaba aussi pour ça. Le mec des fois ils mettent des trucs on dirait que c’est une boite de nuit. Donc on met une lumière là où il y a les mecs qui chante, ou il y a là son qui est produit, et une lumière là où le son est diffusé. Et au milieu je préfère que ça reste  relativement sombre, ou qu’en tout cas à 5 mètres tu ne vois pas trop – quand les gens sont cote à cote quand même ils se voient. Et je m’aperçois que notamment pour le début de la danse, après quand il y a du monde ils s’en foutent, mais pour le début, ça crée plus rapidement une ambiance de danse, les gens ne se regardent pas les uns les autres, donc ils n’ont pas honte d’y aller ou d’être tout seul parce que de toute façon t’es dans le noir. Le gens te voit mais ils ne voient pas qui t’es, et toi tu ne les vois pas, donc tu n’as pas l’impression d’être observé.

Et du coup c’est quelque chose qui est un peu particulier, parce que finalement dans le sound system, même si les gens regardent un peu le mec qui fait du son, qui chante ou la sono, ils ont quand même moins de points de fixation visuels que dans un concert ou tout le monde regarde le concert, à la limite le mec qui dans à coté de toi tu t’en fout si il danse comme un singe. Il y a moins ce côté ou les gens entre eux se regardent. En  sound system, il n’y a que du son, du coup j’essaye de concentrer les gens là-dessus, de faire deux endroits, et le reste pas de lumière. En général c’est lumière indirecte fixe, par exemple un lumière derrière le stack donc ça crée cette ambiance-là, plus propice pour moi en tout cas, plus propice à la danse, et surtout des danses un peu méditative. Quand j’arrive dans une salle de sound system, que tu reçois des déferlantes de basses, il fait un peu sombre, tu sens un peu de weed mais tu ne vois pas vraiment, et tu vois juste une lumière ultra violent avec Pupajim ou Soom t en dessous. C’est le truc, tu rentres et t’es dans le jus direct.

Aussi le fait de ne pas voir les gens fait que du coup il n’y a que le son, tu es dans la musique.

Ouai t’es concentré sur ton truc. C’est vrai, il n’y a pas comme ils font dans les sound system de teuf des lasers et tout. Il y en a qui le font un peu, mais nous non. Apres ça c’est mon opinion perso, il y a des mecs qui font des super déco. Apres nous aussi de temps en temps on fait un peu des déco, mais ça sera plus sur le bar, ou la régis. Mais l’endroit de danse reste assez sombre.

Vous avez quand joué dans des endroits… on va dire un peu bizarre pour des sonos. Par exemple la session à la Fou d’Allos sur les piste, ou à la fête du panier en dessous de la cathédrale de la major, qui n’est pas un endroit où tu mettrais une sono d’habitude. Est-ce que ça change des autres soirées ?

Moi j’aime bien, franchement. Je me souviens à Paris j’étais sur des sessions sound system sur une péniche. Et rien que le fait que ça soit sur une péniche je suis sûr que tu gagnes 100 bonhommes. Quand tu vas jouer dans une station de ski, rien que le fait que tu aies posé ta sono sur la neige les gens ils sont la « oua top cool ». J’en parlais hier avec Lilou des Iskankers, et elle me disait « putain vous avez toujours des méchants spots », presque on pourrait faire comme dans Amélie poulain, ou t’as le petit nain qui voyage. On pourrait faire le sound system à la mer, le sound system à la montagne. (rires).

Mais ouai, j’aime bien ce côté, le cadre en fait dans lequel tu poses ton son, même si finalement tu fais toujours le même sound system. Effectivement le fait d’aller dans des endroits un peu atypiques c’est sympa. Déjà pour le public ça crée un peu une espèce de petite nouveauté. Les sessions en plein air finalement même si on est dans le sud il n’y a pas tant de monde qui en fait. Donc ça crée… je ne sais pas… ça crée une petite ambiance festive, un peu décalée. Mais d’ailleurs, c’est quelque chose que j’aimerais plus développer, enfin là il faudrait collaborer avec des collectivités, mais de jouer dans des lieux qui ont un passé, un peu comme la Major ou j’en sais rien, la fondation Vasarely.

Des lieux qu’on n’assimilerait pas forcément avec des concerts ?

Oui voilà. Par exemple d’aller jouer devant le Palais des Papes tu vois ? moi ça me plairait bien, ou sur le pont d’Avignon, ou des trucs comme ça. Après ‘faut quand même réussir à justifier ton truc, parce que les collectivités vont avoir peur que tu leur esquinte tout. Mais effectivement, c’est vrai que le cadre global, le paysage devant lequel tu joues ça met une autre ambiance. Quand tu joues à la montagne ou au ski… Mais même tu ne joues pas les mêmes choses. Quand tu joues à la plage ou quoi, ça change.

Donc l’endroit où tu joues influence quand même ce que tu joues.

Ouai, moi ça change mon état d’esprit. Nous ça nous ai jamais trop arrivé parce qu’on a toujours des problèmes et on se fait virer de nos salles, mais d’un côté c’est bien d’avoir des résidences, un lieux que tu connais parce que tu sais comment ta sono elle sonne, tu sais comment ça fonctionne. Même quand on joue plusieurs fois dans des salles, on a testé toutes les configurations possible. On avait une petite salle, le graffiti à Avignon. Et bien là-bas on a testé un mur, 2 murs de 2, un mur de 3, 4 murs de 2 en invitant des gars, ou 2 murs de 3… enfin on a tout testé. Et à chaque fois tu essayes d’organiser ta danse différemment « ah non là il y avait trop de lumière, la prochaine fois on en mettra moins. » « là il y avait les chiottes tout le monde passait devant la régi »… Donc petit à petit tu trouves ton organisation final, c’est vrai que de changer tout le temps c’est chiant.

Après les lieux en plein air, il y a pas cette histoire de comment ça sonne, comment ça sonne pas, parce que tu sais que si tu te mets à 12 pas de ton sound, c’est bon. Nous a calculé notre distance. Mais ça crée un petit truc à la fois pour les gens, parce que eux c’est un peu sympa d’avoir un truc sur une péniche ou quoi. Et puis pour toi aussi, ça te permet de ne pas tourner en rond.

Mais est-ce que tu arrives toujours à avoir la même ambiance, par exemple à la major ou au ski, que par exemple si tu jouais dans des coin plus normaux ?

Ca dépend pas du lieu je dirais, ça dépend plus de qui viens, et qui viens pas. Quand tu joues dans une salle et que tu fais un truc… Ouai en fait ça ne dépend pas du lieu. Ca dépend du publique qui viens.

C’est-à-dire que quand, par exemple, on va jouer à l’Akwaba, on va peut-être avoir des mecs de l’Akwaba qui vienne et qui n’ont jamais vu de sound system reggae, ou quand on joue à la major.
Alors que quand tu joues dans une salle ou c’est toi qui la loue et qui organise un truc perdu et il y a vingt pingouins, t’es sur que tous les mecs qui sont là ils ne sont pas là par hasard. Donc c’est vrai que quand tu changes de lieu, ça te permet d’avoir des gens qui viennent peut être pour le lieu et qui viennent pas forcément pour le son et qui vont le découvrir.

Si tu arrives à faire ta com’ et à suffisamment mobiliser les gens… mais même avec des mecs qui sont pas du sound system, t’arrive à enflammer des danse. Mais ça c’est plus les gens qui créent cette ambiance, et toi si tu arrives à capter cette ambiance, ce que les gens aiment.

Et après des fois ils aiment bien mais tu ne le vois pas. Par exemple les italiens, c’est assez chelou les mecs. Ils ne gueulent pas comme ici. Après dans le nord (de l’Italie) je ne sais pas comment ils font, mais ici tu ‘pull up’ ça gueule et tout. Ils ont l’habitude, on a été élevé à la dub station. En Italie tu fais un pull up, t’a trois mecs qui gueulent tu ne sais pas trop si les gens ils sont content. Ils attendent… Bon… tu remets, et tout. Et à la fin des chansons, des bonnes tunes, ils applaudissent. Enfin moi j’ai rarement vu des mecs applaudir en sound system en France. C’est arrivé peut être quelque fois.

Un truc qui revient souvent c’est qu’en Italie ils sont souvent très conservateurs au niveau sound system.

En France il y a des puristes aussi, mais il y a peut-être plus de sons en France qui sont un peu tout-terrain qu’en Italie.
Mais du coup, c’est vrai que l’ambiance que tu crées. bon ça dépend du lieux. Nous quand on fait les sessions en plein air à Eguilles les gens ils viennent, ils sont chaud kash – parce que c’est la dernière en plein air, ou c’est un lieux qui fait que les gens sont bien. Ou quand on va faire nos sessions à la Fou d’Allos, pas sur les pistes de ski mais on joue aussi dans un bar. Le bar c’est la sortie du weekend end des saisonniers, t’inquiète ils viennent, c’est le faya ! Les gars ils ne sortent pas forcément en son, mais c’est des endroits peut être plus propice à la fête que d’autre.

Et après ça nous est arrivé… attend j’essaie de trouver un endroit où il y a pas forcément eu de vibes… mais même quand il y a eu peu de gens. Voilà, en plus ça ne dépend même pas du monde de gens. Je me souviens on avait fait une soirée à la montagne, on avait fait 70 payants, la salle on pouvait mettre 200. Mais les 70 ils étaient là du début à la fin, t’avait 30 gars qui dansaient, 30 gars qui buvaient, et c’était énorme. On en aurait eu 200 ça aurait été pareil.

Mais c’est vrai, des fois tu ne sais pas pourquoi. Des fois il y a une étincelle, des fois elle n’y est pas. Et je pense qu’avec l’expérience t’arrive à plus tirer ton épingle du jeu quand t’es pas dans des conditions très favorables de publique.

Donc du coup c’est l’interaction avec le publique qui influence énormément ? c’est la grosse différence entre un concert ou un DJ set, et une session sound system.

Bin déjà tout à l’heure on parlait d’identité. L’identité elle est aussi dans un peu le message que tu peux faire passer. Les rasta en font peut être passer d’avantage que nous, mais moi je vais quand même dire des trucs.

Et effectivement, au début il y a toujours un warm up. Assez souvent on fait faire des warm up à des petits jeunes. Mais en fait les warm up c’est super important. C’est ce qui fait que le mec qui est accoudé au bar en train de boire sa bière va venir devant boire sa bière en dansant. Et puis quand il aura fini il va commencer à lever les bras et voilà, tu vois. Et c’est vrai que si le warm up est pourri, et que jusqu’à minuit tu passes de la merde, tu ne parles pas aux gens etc… Moi j’en ai fait l’expérience, et d’ailleurs c’est pour ça que je me suis mis à parler, à chanter.

Au début je ne le faisais pas du tout et je ne suis pas spécialement. mais je m’y suis mis par défaut parce que personne ne le faisait. En plus quand tu parles et qu’il y a personne dans la danse, des fois et surtout au début, t’as un peu honte de dire des trucs, personne te répond. Mais tu vois tu passes la même chanson en disant rien. Ou tu ne mets pas la basse et puis tu l’envois, je veux dire les mecs quand t’envoie la basse personne à calculé. Alors que t’es là tu dis des trucs. En plus avec l’intonation avec laquelle tu le dis. Apres bon c’est la fin de la soirée, que t’es un peu déboité, bon. Mais quand t’as la patate, et que tu parles aux gens, voilà quoi.

Il y a eu une session d’After All ou c’était assez flagrant, avec Marina P et Steppa Style. Marina elle arrive, elle te parle, elle te fait des blagues. En plus tu sens que quand elle te parle elle a la pèche. Bon il n’y avait pas énormément de monde à la soirée, mais pendant qu’elle jouait, tout le monde dansait. Il y a eu Steppa Style après, qui lui du coup parlait qu’en anglais. Mais même si le mec il te parle qu’en anglais qu’il met le ton et la pèche, c’est entraînant. Lui il est arrivé après, artistiquement c’était pas moins bien, mais il n’a pas réussi à mettre la vibes. Et du coup les gens sont un peu sortis, allés boire un verre.

Mais c’est vrai que c’est un exercice assez dure, qui demande de l’expérience. De construire ta danse, de faire rentrer les mecs dans la danse en leur mettant peut être une tune qu’ils connaissent, un truc un peu grand publique. Puis les gens se reconnaissent là-dedans, et la tu les amène dans la danse, ils commencent à danser. Et une fois qu’ils sont dedans tu peux leur passer des trucs un peu plus obscurs.

Et ça c’est d’autant plus vrai quand t’es avec un public de mecs qui sont pas vraiment habitués quand tu te payes un truc genre fête de la musique. Alors  c’est rigolo parce que si les mecs ils ne connaissent pas, ils viennent te dire »allé vas-y, pourquoi vous avez qu’une platine, pourquoi vous parlez ? Arrêtez de parler… » parce qu’ils ont l’habitude des DJ qui enchaînent.  Mais c’est pas ça un sound system, c’est tout ce qu’on  a dit jusqu’à présent. Un gars qui chante, un gars qui parle…etc.
Donc c’est vrai que l’ambiance qui se met dans la danse, et que les gens ils occupent cet espace entre la sono et la régis, elle dépend vachement de la musique que tu passes mais surtout vis-à-vis des non-avertis, de ce que tu vas leur dire pour les amener à venir danser au milieu devant toi. Les interpeller un peu.

Je regardais une interview d’Aba Shanti il y a quelques jours, et à un moment il parle de ce qui faisait que le dub et le reggae, cette musique qui fait que tout le monde puisse danser, tout le monde est content. En ton opinion, qu’est-ce que cette musique a de spécial ?

Déjà je pense qu’il y  a que c’est des soirée reggae et qui sont quand même issues d’une tradition tolérante. Enfin tolérante, c’est ouvert quoi. Tu peux arriver en teuffeur avec des piercings de partout ou en costume trois pièces, ou en berger miteux (rires) tu rentres quand même dans la danse. Alors que tu  vas en boite nan, c’est select. Après dans les concert c’est à peu près aussi ouvert. Donc déjà il y a cette liberté de venir un peu comme tu veux, qui permet que ça soit une grosse fête, parce que tu n’es pas jugé.

Après, je ne sais pas, les mecs qui jouent il y en a c’est pro, mais on est quand même sur une scène quand même beaucoup amateur, en France. Ou semi-pro, mais les sound system qui vivent de leur sound system, en France, je pense qu’il y a Salomon Héritage, Lion Roots, et encore je pense qu’il a d’autres revenus, Blackboard, OBF et… peut-être Legal Shot et encore.

Les autres ils ont tous un boulot. Jah Militant il fait des fruits et légumes, on va pas tous les citer mais voilà. Donc déjà les mecs qui font le son c’est leur petit plaisir. Déjà eux ils viennent pour faire la fête – enfin, tu ne viens pas pour t’emmerder, si ça te fais chier, tu ne fais pas les sessions. Le mecs qui fait le son déjà il vient pour faire la fête, donc il essaye de transmettre un peu ça aux gens qui sont là. Il y a des mecs qui sont sérieux etc., mais moi je considère plus le sound system comme un endroit de divertissement. Tu fais un peu des blagues, c’est assez issu de la tradition jamaïcaine. Les DJ qui font un peu des blagues, qui parlent de la vie de tous les jours. T’es pas obligé de toujours parler de la faim dans le monde, tu peux aussi faire une petite chanson « i’ve got mushroom and cheese in my dancing shoes » (rires).

Un peu faire oublier au gens leur semaine de merde.

Exactement. En plus c’est relativement accessible en termes de sous. EN plus l’anonymat que tu as dans le noir, comme on en parlait tout à l’heure, c’est aussi propice à se lâcher complètement. Tu t’en fous, personne ne te regarde. Les gens ne peuvent pas te voir même s’ils te regardent. Donc voilà, c’est la même chose que ce qu’il se passe dans les teufs, sauf que les mecs ils s’aident avec beaucoup de produits.

Donc voilà, c’est cette ambiance de fête. J’imagine, après je ne suis pas très versé dans les autres trucs, mais il y a peut-être des ambiances dans sounds systems dancehall ou dans des soirées rap ou clash, qui sont un peu plus agressives.

Mais globalement, en tout cas dans la scène sound system dub, on est plus dans une optique : on profite de notre soirée le samedi, on est là pour écouter de la musique. Après il y a un petit message aussi, mais les deux ne s’opposent pas. Les gars qui sont la « non il faut rester sur du roots, du truc sérieux ». Qui disent Jah rastafari tout le temps, tout le temps. C’est bien, faites passer votre message, mais fait une petite blague de temps en temps. Tu peux déconner en sound system. Au contraire, tu fais une petite moquette, tu dis « hop, petite moquette, excusez-nous » hop, tu rigole un coup au micro, et puis c’est repartis. Des fois je me marre, je dis des trucs, je fais du yaourt français-anglais. Du coup tu fais « bon les gars ça voulait rien dire, vas-y on envoie le son ». Pour le warm up sa marche pas mal de faire des petites blagues aussi, tu fais « oh vous les trois du fond là-bas c’est bon, après la troisième bière vous venez danser ».

De manière plus large. Le sound system à la base c’était jamaïcain, après c’est passé en Angleterre dans les années 80-2000. Et depuis 2000, c’est passé en Europe on va dire continentale. Est-ce que tu as une idée pourquoi sa c’est passé ?

Moi je pense que les teufs technos elles y sont pour beaucoup en France, et même en Italie. Parce que c’est quand même des gros teuffeurs en Italie. Et puis la ça commence à gagner l’Europe de l’est. Je pense que cette base la joue beaucoup. Je connais beaucoup de gens qui vont en sound system aujourd’hui, il y a dix ans ils n’y auraient pas mis les pieds et c’est des anciens teuffeurs. Ils continuent à aller un peu en teuf, mais ils se sont un peu calmés, ils ont des gamins… Et puis c’est une musique un peu plus calme. Du coup je pense qu’eux ils viennent pour le coté sound system, mur de son. Donc ils retrouvent certains codes en fait, qui viennent du sound system techno qui vient du sound system. Tu vois, sa fait une sorte de boucle. Et je pense que ça a attaqué l’Europe continentale plus par là.

Après dans les années 2000 on a eu plein de petits groupes de reggae français, qui ont contribués à populariser le reggae en France. Les gros festivals reggae français, Sun ska, jamaican sunrise, Garance, ou Jah ‘Sound ça fait quand même une dizaine d’années que ça existe mais c’est arrivé un peu tout en même temps.

Je saurais pas dire, parce que le reggae à l’origine c’est un peu la musique des opprimés etc. On n’est pas trop des opprimés en Europe, on est plutôt privilégié. Mais on a quand même des choses à revendiquer, et ça fait partie d’une alternative – on n’est pas non plus des gros anar’ – mais il y a ce côté un peu underground.  Enfin qui l’est peut-être moins maintenant, mais bon ça le reste puisqu’on n’arrive pas à trouver de salles pour faire nos trucs, à la télé tu ne vois pas des reportages dessus.
Mais ouai, comme nous on allait en teuf quand j’avais 16 ans, et bin je pense que pour les jeunes aujourd’hui, la teuf ça a un peu perdu son charme – pourquoi je ne sais pas, ça s’est peut-être un peu trop popularisé, trop médiatisé. Et du coup le sound system qui reste le truc un peu underground sa attire un peu les jeunes. Tu vois, d’avoir un truc underground mais qui reste un petit peu plus cadré qu’une teuf ou c’est l’anarchie.

Nous il y a des parent qui nous amènent leur gamin et qui les récupèrent à la fin. Bon voilà, il a 16 ans il peut boire de la bière, c’est bon. Tu vois, ils n’auraient pas fait ça pour une rave party.
C’est pseudo-officiel, mais ça joue sur l’underground aussi parce que ce n’est pas super médiatisé… Voilà. En tout cas ce n’est pas grâce aux médias que c’est comme ça. Ça c’est fait par les activistes. Je pense que les dub station aussi, en tout cas en France, ils ont beaucoup beaucoup contribué. Enfin les dub stations et les autres gars qui ont fait ça en même temps. Les gars qui ont fait les dub clubs à Toulouse, et autre part. Après sur les autres pays je ne sais pas. Mais tu vois ils ont un petit peu plus de retard –enfin de retard – ils ont moins  de sounds systems en Italie, en Espagne. Mais ils sont là ou on en était il y a 4 ou 5 ans je pense.

En Jamaïque et en Angleterre, les sonos elles sont venue des opprimé, des ‘sufferah’. En Angleterre c’est lié au racisme, aux problèmes sociaux… Et en France tu te demandes ou est le lien du coup. En France c’est en majorité des blancs, plutôt classes moyennes qui en construisent.

Ouai en France c’est pas ruff. Si ça venait des quartiers défavorisé sa serait dans les cités qu’ils feraient des sounds systems. Mais ce n’est pas du tout le cas.

Je veux dire tu regardes a Aix le nombre de sound system qu’il y a, Aix c’est plutôt une ville de riche entre guillemets. Mais je pense qu’il y a peut-être un côté… je veux dire dans les années 70, nos parents ils ont été hippies. Les hippies ce n’était pas forcément des mecs qui étaient dans la misère, mais c’était des mecs qui étaient éduqués, et qui croyaient à autres chose que ce qu’il se passe aujourd’hui. Et qui du coup revendiquaient en écoutant du rock, du rock psyché, je ne sais pas quoi. Mais ils étaient issus d’un milieu pas forcément défavorisé, mais ce n’est pas pour ça que tu n’as pas le droit de t’occuper des autres qui sont défavorisés. C’est nous qui créons le bordel aussi, en Afrique, Amérique du sud, qu’importe. Et du coup, ça fait peut être partie d’une espèce de, comment dire. Tu adhère à ce mouvement la parce que tu prends conscience que toi, ta culture occidentale aisée, c’est quelque chose qui n’est pas forcément un modèle, et qu’il y a des choses à changer. Et du coup tu t’identifies au reggae parce que le reggae porte des valeurs d’unité, de paix, de tolérance, et d’entre-aide.

Je veux dire nous ce qu’on essaye d’inculquer dans le reggae c’est qu’il faut être gentil avec ton prochain. C’est peut-être un message biblique mais je m’en fous. Alors que j’écoute des paroles de dancehall, et j’entends « tu me regarde mal je mets mon gun dans ta bouche » tu vois. En gros dans le milieu rap, dancehall, si tu veux être reconnue il faut que tu sois ‘méchant’, et dans le reggae, bin si tu veux être reconnue, il faut être gentil

Donc tu vois, c’est quelque chose d’autre dans lequel un certain nombre de gens se reconnaissent. Et je pense ça contribue au fait que les gens s’identifient à ça. Même si ça vient de Jamaïque, de milieux défavorisés, finalement ça reste quand même une musique qui est militante. Et t’as beau être sorti d’un beau quartier, c’est pas pour ça que ne t’a pas le droit de t’insurger contre les choses qui se passent autour de toi.

Et pour finir, quelles seraient pour toi les grosses différences entre les teufs et les sounds systems reggae ?

Bin déjà au niveau du son, le reggae est plus basé sur des choses mélodiques. D’ailleurs c’est peut-être pour ça qu’on joue à une seule platine. Parce que tu ne peux pas mixer 2 tunes de reggae. T’en a une en du, une en sol… En teuf t’a un tempo et c’est à peu près tout ce que tu dois caller. Donc c’est quand même à mon avis une grosse différence.

Moi aussi ce que j’aime bien c’est le mélange entre un instrument acoustique, un mélodica, un skank, un piano, et un côté un peu électronique. Alors que la teuf ça reste quasiment qu’électronique. Donc nous on a réussis à garder ça dans le mouvement dub. Même si certain comme OBF ne sont pas très acoustiques. Mais tu as quand même un chanteur, tu vois. Il y a quand même une prestation live – de création acoustique – que tu ne trouves pas forcément dans le milieu techno. Le mec il va peut-être créer un truc parce qu’il va tourner un bouton sur sa machine. Effectivement il va créer la musique s’il fait du live, mais cette création artistique est uniquement électronique.

Après bien sûr il y a l’histoire des drogues aussi. Bien que dans les sound systems il y a des mecs qui se mangent de tout. Mais c’est pas aussi ostentatoire. En teuf t’as des mecs avec des sacs d’ecstasy qui sont là à gueuler « ecstasy, ecstasy ! ». Il y a un gars qui fait ça dans ma danse je le fous dehors limite j’appelle les flics. Donc il y a ce côté-là qui est rejette la drogue – donc le publique n’est pas le même.

Il y a l’aspect – enfin les teufeurs aussi parce qu’on les emmerde trop – mais nous on est quand même plus respectueux de la loi… Parce qu’on n’a pas envie de se faire piquer le sound system. Même si on fait des trucs à la limite de la légalité en permanence. Mais c’est vrai que les teufs c’est souvent…  Il y a les vieux teufeurs en général, les mecs ils nettoient le site après, ils ne font pas n’importe quoi… mais globalement une teuf c’est quand même moins contrôlé, c’est sur donation à l’entrée, nous il y a un prix fixe… c’est un peu plus l’anarchie souvent. Mais bon ils y tiennent, c’est bien aussi d’un côté.

Après nous on accorde aussi, beaucoup plus que les teufeurs, c’est un peu une dominance dans les sound systems et les teufeurs moins. Les teufeurs en gros ils veulent le plus de kilowatts possible. Nous on s’en branle des kilowatts. Tu ne le dis même pas le nombre de kilo qu’elle a ta sono. Nous ça nous est arrivé de le mettre, mais plus comme message à destination des teufeurs. Mais quand tu parles d’une sono à un gars. Alors déjà le mec il me demande combien j’ai de kilowatts sur ma sono, je sais que c’est pas des mecs du milieu. Le mec qui veux me demander ce que c’est ma sono en reggae, il va me parler du nombre de scoops que j’ai, c’est un peu l’unité de base. En gros combien de basses tu as, 4 basses, 6 basses… Et du coup il y a un réel souci de la qualité sonore.

Tu vois la sono de Blackboard, ça sonne ultra clean. Le mec il te met 24 scoops, tu as quand même un rendu sonore pour la puissance de son qu’il y a qui est impressionnant.  Alors que les teufeurs souvent ils empilent un peu les caissons, les trucs ils sont déphasés, du coup ils ont tant de kilowatts, mais les trucs ils s’annulent. Eux ils veulent que du gros kick. Le fait qu’ils fassent que de la musique électronique et pas de mélodie ça leur permet peut-être de faire plus ça. Alors que nous si on commence à faire ça, tu vas plus entendre telle fréquence, tu vas plus entendre la voix. Donc la musique qu’on joue nous oblige à mettre la qualité de la diffusion sonore dans les préoccupations principales. Alors qu’en techno, c’est moins le cas.

Après, je ne sais pas si les massives qui viennent dans les sons ils aient cette approche là, mais je pense qu’ils sont quand même capable de voir si une sono elle marche bien ou pas.  Autant dans la teuf t’entend un gros kick, ça fait danser parce que de toute façon tu trottine sur la basse rapide. Il y a des synthés et tout mais si tu les entends pas ce n’est pas très grave. Alors que dans le reggae,  et notamment on parlait des dubplates et comment tu construis ta danse. Et bien je suis allé il y a pas longtemps à une soirée sur une sono dont je tairai le nom, ou ça sonnait pas bien, et bin les gens, ça ne les enveloppais pas, ils n’arrivaient pas à transmettre la vibes. Alors que c’était des bons artistes dessus, mais il y avait pas cette fusion du gars avec le sound system. Et du coup pour que ta danse elle marche bien, il faut que tu ais un bon rendu sonore pour pouvoir bien transmettre ta vibe.
Et ça je pense que c’est quand même une différence assez importante.

Interview After All Sound System (English)

“If you leave vinyl behind, as a reggae sound system, you can forget all the tunes that say “burn Babylon”, because you did the first thing Babylon told you to do: forget vinyl and buy mp3.”

Around a couple of drinks in his garden in Pelissanne, interview with Benoit from After All sound system: discussing the current state of the sound system scene in France, the problems facing reggae sound systems, as well as his relationship with free parties and raves.
(Long read)

(On the issue of free parties)

Even if I spend a lot less time in free parties, the last one I went to did not go well at all, I will always come back to them.
Even if it’s to come back a bit differently, a bit more legally or better organized, but I will always come back to them. Because you can’t take away the idea that when you organize a free party, you have a vibe that you can’t find anywhere else.
The fact, why I continue to do free parties, and not concentrate on festivals or nights organized in venues, it’s because you can’t take way my feeling that to be able to bring 500, 600, 700, 1000 or 6000 people together with only a phone call or a text, it’s magical.
To meet up , only with a phone call or a text, in some place lost in the wilderness where initially there isn’t even any water or electricity and suddenly you have music, food, drink.. It’s really magical. And there are only free parties that can do that.

As if to create a completely different place, a different world?

To create something… how did they call it already? Timeless? It wasn’t there, it’s there, it’s not there anymore.

A temporary autonomous zone?

Right, as they used to call that in the golden age, but that doesn’t exist really anymore because now, free parties have lost one thing, and that’s autonomy
I mean the free parties, and actually like the reggae sound system scene, have been victims of their success at the beginning of the 2000s. I think the reggae sound system scene is not far away from being victim of its success too. We’ll see in 4 or 5 years if I’m wrong or not.

Already it’s started to become ridiculous, especially with Blackboard Jungle’s 24 scoops. For me that’s the beginning of the end. In that kind of atmosphere… We are in a scene for amplified music, and we are starting to hear a lot of reggae system organisers – whether it be inside or outside, venue or festival – say that they are more and more categorized […] When you are looking for a venue, even if it’s with a reggae sound system, and you announce “sound system”, “speakers”, “turntables”, people automatically think of “rave”, “not good”, “noise”..

So the sound system side is already viewed as “noise”. And next to that you have those that turn up with 24 scoops. There aren’t any suitable places to host us. We are victims of that problem. We don’t have enough venues that can host us, allow us to organize nights that are legal, safe… That aren’t “free” or underground. So we have that problem, and everyone still wants to have the biggest system, the most speakers, even though its hell to bring out even 2 scoops.
That is why I have a lot of respect for Stef’, of Lion Roots Sound. He sold me some good equipment, old scoops of his. When I asked him why he was selling them, he told me: “I have 12 scoops, I’ve taken them all out once in two years. Bringing out 10, that happens probably once every two years as well. When I take out 8, they think I’m crazy, they don’t want to invite me anymore. I don’t see why I should keep 4 of them when they’re just going to sit in my garage”. […]

And even then, the difference, what creates the competition between sound systems, it’s not the number of scoops, it’s the power of the system, the place you play in.
Find the good place, where you can have your nights, and if that place can take in 10 scoops, 12 scoops or 24 scoops, then build your 24 scoops. If you have a space to bring them out, in that case do it. But to build 24 scoops just to say that you’re France’s biggest system, I think that’s a shame. They (blackboard jungle) had 12 scoops, it was more than enough for their nights, even to provide the sound for the Garance [reggae festival].
Invite sound systems that come from places no-one’s heard of, that nobody knows. Meet, exchange, do something new, instead of concentrating on the number of scoops. That’s what I mean by the dub scene is beginning to be a victim of its success. If you look at the line-ups, the more it goes, the easier they become.

It’s one of the reasons I had a couple of debates with Musical Riot. Musical Riot are at a phenomenal level today. There is no-one in France, even in Europe who is at their level. Had they not started the Tribute and Musical Riot, reggae culture in France would probably be 10 feet underground, buried beneath the free parties.

Thanks to that, French reggae woke up. So for me, when you are at that level; when you can organize events at the Trabendo [in Paris] and the docks des suds [in Marseille] –which are probably the 2 best venues in France for these kind of nights – when you organize dub stations at the Garance, at Rototom, at Outlook, in Lyon, in Portugal… When you have reached that point […]what does it cost you, at each dub station or at least half the time, to invite small local sound systems that are starting up to do the warm up. To refuse that in the principle that they don’t have enough experience…  That’s talking like a true Babylonian! If you don’t give the opportunity for small sounds to show themselves, get experience, how are they going the make it?

I’m not criticizing the dub stations – they are very good. It brings together 800 people, a good line-up, they bring nice systems. I’ve got nothing to say about the concept of the nights. Simply, for an outsider’s perspective, it’s a comment that I’ve allowed myself to make.
Originally, sound system in Jamaica, what was it. A studio, a sound system, and new tunes that came from the local guys, from the ghetto and that you played. The basis of a sound system for me, the basis of a people’s radio is to promote new singers, the new talents. The aim is not to have a closed collection of dubplates. That collection of dubplates, you have it because you’re the one who discovered the artists. On that issue I’m 100% behind King Shiloh who says he doesn’t agree with the dubplate business, even if I’ve payed for most of mine. A dubplate is supposed to be a contact. The artist digs what you do as a sound system, you dig what he does as an artist…

It links back a little to what David Rodigan said concerning clashes: the old sound systems who have dubplates from legendary artists, but who are now dead. From that point on, a newer sound system that enters a clash with them will not have those, and will never be able to be have the same ‘quality’ of dubplates. What Rodigan was saying was that in clashes, especially those opposing a new sound to an old one, to only allow dubplates from living artists, like that both have the same chance. You need to have ‘new’.

That’s it. You need the new. Of course you mustn’t forget the foundations , the roots. But the basis of a sound system is to discover new talents. You can’t go on playing the same dubplates from the same artist, invite always the same singers, even if they’re amazing. There is a point where you have to give way to the new ones, or even combine the two.
When I did my event with Marina P and Steppa Style, how many people would have come just for Steppa Style. Few people know him, except those who are into the ragga-jungle cross-over. So I couldn’t do the night just with hem. And even then, Marina P is still quite underground, not hype enough. But that’s new talent.

So since when have you been involved in the reggae scene, and what made you get into it?

I discovered the sound system scene through techno and free parties, because I had friends that had a techno sound system. I became interested not really because of the music, I didn’t really like techno, I was a big reggae fan. I went to those parties more for the spirit and the vibe that was behind them […]

From there, well it’s good to go to an event that you like, but you know.  I still want to participate in them, so I found my place in the setting up of the amplifier and the speakers, and I learned with the techno system, but after a while I wanted to do music myself.

Techno music is not my music, I didn’t manage to make any, and there I discovered that reggae existed also in vinyl. And especially I learned that the sound system scene of techno did not emerge from techno, but from reggae. So I got interested, I discovered reggae sound systems. 10 or so years ago. I bought records, and in the early mornings I would play reggae on my friend’s systems at free parties. Then we set up our own thing in 2003

So ten years old this year

Yup, ten years! The birthday should be in September normally

And so what does your sound system consist of?

One stack, four scoops, 2 W-Bins for the dry bass, 4 Cerwin VEGA columns for the mid-tops. 3 way system, no pre-amplifier like most of the other systems. Crossover techno set up, 2 turntables, one mixer, 2 active filters, and that’s it for the moment. We rarely play with one turntable. A lot of people tell me: “yeah but the signal, the pre-amplifier, the digital processor…”. For the moment I have 2 cross-overs, and last week end we had some of the best feedback we have ever had for the quality of the sound.

The system work well, I have very little adjustments to make for it to run well. I have an ear that doesn’t work well so that’s perfect. I don’t see why I should invest hundreds and thousands in things that will become obsolete.

We have a sound system that’s efficient, and we wouldn’t change it for the world.

You mentioned that you bought the scoops from Lion Roots. Is there a part of the system that you built?

The 2WW bins were built by a friend of mine. The rest is factory made.
The scoops I bought from Lion Roots, it’s Shortman an English boxmaker that made them. In the reggae scene it’s still considered as ‘home-made’; mainly because he’s a craftsman. Very few people know him in the techno scene […]
We are not the most ‘home-made’ system there is. But at the same time, I don’t really care about the home made cliché. I am here to spread music in the best possible way, and I’m sure I wouldn’t have done better with my own two hands, so I’m happy with what I have.
We are probably going to change, the system will evolve. We are going to try to do a bit more ourselves. But I’m going to try to stop doing lots of things ‘sort of ok’, and start doing less things better.

For wood works, we might all be quite handy, I still think there are people with a lot more skills for those kind of things. It’s like producing music – I would really like to do some, I’ve got loads of ideas. But firstly, I’m not a musician, secondly I suck at music, and thirdly I don’t have time. I prefer to concentrate on organizing dates and taking care of the system and playing records. That’s already enough work for me.

But again, to come back to the ‘home made’ cliché, it’s the same as dreadlocks: nobody has dreads in our sound system, because in the end, it’s in the heart that you’re a rasta.

And does the way you set up your system change according to where you play?

A little, even if most of the time we try to keep the stack in one block, as the impact from 4 scoops together is stronger than with 2 stacks of 2 scoops, it has a better sound quality.
Then if we need to cover a wider space, but with less power, we can do it differently. Because we have a lot of friends that make techno, from time to time we rent our system for more electronic night, and in that case we’ll have to change, or tweak the stack, as it’s not designed originally for electronic music.

For the turntables, generally we have an “after all reggae night” set up: the stack in one block, the turntables opposite 12m away, if possible a little to the right. Then it changes slightly according to whether we are inside or outside. But generally that’s how we set it up.

But when we organize events where there are different genres, or a bit more techno, we can be brought to have to control areas. One control deck in front for the reggae, and one behind for the more electronic DJs, because they mix a lot more – and if they are too far away there may be a lag between the time the sound takes to get to their headphones and when it comes out of the system.

 

 

Reggae had many political elements; it’s very political, very social. Do you think these elements are still there – in your sound system and in general?

In general I think a lot of it has been lost. But because we live in countries where life is relatively easier than in Jamaica. It’s social and political troubles in Jamaica that allowed that music to become political.

In England, I went there when I didn’t pay much attention to reggae, so I can’t really say. But I think that over there, you have a bit of both. There are dances and sound systems that are very involved, not necessarily politically, but culturally and socially; that are there mainly to spread a message, be it religious, political, spiritual… And I think there are also other sounds who are more there on a festive basis. In England both of them play a lot.

Maybe that is why England remains THE center for sound systems?

Possibly. In France it must exist a little as well – I’m thinking especially relating to recent debates, about Critical HiFi, from Toulouse. They seem to be very politically engaged.

I’d like to be a bit more active too, but I’ve realized – through the free parties, and a little bit through reggae nights – that unfortunately the message you want to spread, whether it is a message of peace, love, political or anything else, in the end only very few people pay attention.
Even in a very individual dance, 100% reggae roots, either there are only 40 people all ready to understand and spread your message – but in those cases you can’t make much out of it because there are only 40 people. Either you start to do events with 150-200 people, there might still be the 40 that you are trying to politicize, but people are mainly there to party and take in the music.

After, I mean it’s normal. It’s a Friday or a Saturday, people spent a shit week working, and they’re here to relax. It doesn’t mean they are completely uninterested, or that you can play homophobic Sizzla or Buju songs all night. But the main focus of their attention won’t be on the message. It’s going to be on the music, on the dancing aspect rather than the message.

Then again, I have played quite a bit of homophobic Sizzla and Buju songs because I liked the flow and the melodies behind it. But now it’s the kind of tune I ban form my system.
Last time we were at a free party, and my mate in the morning mixed a remix of Buju Banton’s ‘Boom Bye Bye’. I let him do it because he rarely plays on our system and he mainly plays hardtek […] he put the disc on and I let him do it, but it’s the last time that will be heard on our sound system.

Even if people are here mainly to dance, we can’t forget that the few who do understand English or who know those songs, well let’s say it may offend some people, and I’m not here to offend anyone.
I try to promote Peace Love Unity Respect, so one has to be a minimum coherent. I’m ready to let a few things slip from time to time when we have fun, but we are still here to spread a message and educate to an extent the masses. If we can educate them while making them dance – I don’t play only political tunes – but reggae music touches on a lot of issues: women, love, politics…. You have to play a bit of everything, without slipping into extremes. Extremes in reggae music or anywhere else are not a good thing.

When I was young, I was very extreme in my ideas “my values, my thoughts, blablabla, I stand by them”. In then end: no. In life it’s good to have values and principles, but it’s also good to know how to put a bit of water in your wine.

So in the end, during your dance what do you try to bring other than the music?

Already, I try to bring a minimum cost to our sessions, seen as we come from the free party scene, and that is proof that you can organize musical event of high quality for free, or almost.
I think it’s possible, on varying scales, depending on the venues and the possibilities, but you can play with entry fees in a good way.
That’s why when we got Marina P and Steppa Style we had the night at 8 euros, the same price as most of the events in Aix where you only have a sound system. Because the artists weren’t too expensive in this case, the train and plane tickets either, so I don’t see why I should put the price at 10 euros just to keep a bit more for myself. I prefer 8 euros with a full venue than 10 euros… Well, that time we did 8 euros with an empty venue (laugh)

But it’s the same thing with the festival last week end, “Y’en Aura Pour Tout Le Monde”. Well I challenge you to find another festival in France and even in Europe, with 24h of music, more than 30 artists maybe not mainstream, but recognize in their area, for 15 euros. It’s the kind of festival that elsewhere would cost 40-50 euros or 30 if it’s subsidized. It doesn’t exist.

So again, it’s possible if you really want to do it. We are part of a lifestyle a little bit on the margins of society. We don’t want to be completely different; we just want people to understand that we live a little differently, with other values than the ones of the shit society in which we live in.
That means […] living healthy, working in a healthy environment… If we can recycle we do it. When it’s too hard, we don’t. We are like everyone in this society, we’re really lazy – but we try to do at least the minimum so that the microcosm around us can be as we want it to be, a little nice, a little better.

Some will say those are hippy values, but you know what I mean. They are values we believe in. Through the free party scene, the independence, the autonomy of a small group of people I find that wonderful, and by trying to respect nature a bit more – which isn’t always the case in free parties or festivals.
On a festival like YAPTLM, it’s really hard. We try to recycle, but not even half of the people there do it. We put it in place, and in the end it’s not respected, but we’ll continue to do it. They are values that are within the general concept of the festival. I’m talking about it because it was one of After All’s biggest events to this day, a really good line up, one of the best human, artistic and technical experiences. That festival represents values that are key to our sound system. That is what all the members have in common, it’s the image we want to give to sound system.

[…] even the name says it all [Y’en Aura Pour Tout Le Monde translates as: there will be something for everyone]: to be open to everything, being alternative is good, but being open is better […] We are different, but that doesn’t mean the festival wasn’t 100% legal. It’s not a free party, there wasn’t anything professional about it, but it wasn’t completely amateurish either.

From the feedback we got, everyone seemed to be happy with it, the artists and the crowd. So once again, it’s possible. Even if the balance sheet won’t be positive – because of the weather we had- but whatever, the human and artistic balance sheet is there. […]
That kind of event cannot be done without the locals. And that is something we try to bring in to all our events. A thing as simple as consuming local products but at all levels. If at all my events I can promote the best I can local products, local associations, I will always do it […]
Is there an association in your village? Are you organizing a night in your village? Then invite that association to your event, to set up a stall, so it can be heard. If it works, that’s great. If it doesn’t, well if say 1 euro par entry went to the association, you had 50 entries, well they can get go for some food. If you had 5000 entries, then they will have 5000 euros. Whether it is for a humanitarian cause, a global cause, or for your local Emmaus.

Coming back to raves and free parties. They have a lot in common with reggae sound systems. But are there also differences? Going to free parties and going to reggae dances, there are similar values, but what would be the main differences?

I would have a tendency to say that as both are starting to be victims of their success, there aren’t that many differences any more:  most people who to them, whatever the line-up, go there to listen to music as a low price and high (volume). I think are less and less differences between the two, because both have become more and more aseptic. This has pros and cons. It might be easier for us to live from our music, but in the other hand you lose your authenticity.

Originally there was one big difference, even only a couple of years ago, between a reggae dance and a techno one: and that was concerning the message.
The techno message was understood. Essentially it was “the state can fuck off”, we can organize our nights without help from anyone. The spiritual side was understood by most of those involved, people knew where they were going and why. And the reggae nights were the same in the end, but with a different history and a different message. The politics of reggae nights were much more centered on real things, real fights, everyday life, cultural and social. The techno scene was a lot more utopic. The message was more… you know, kind of the elves, the forest… (laugh). Very utopic.
In the end, I feel more and more that in both scenes, the crowd is a lot younger. They are becoming more and more aseptic, and so both scenes are becoming more and more similar.

And you can see it. I remember the first reggae sound systems I went to 8 or 10 years ago, where people stayed away from the speakers… When there were 3 stacks, people would stay in the middle, not stick to the speakers. They went in the middle where the point of impact is the best.
And the more you go to reggae nights, the more people are glued to the speakers, like in the techno nights.

On the musical side, the advantage and the inconvenient of ‘bass music’, that is becoming really popular, is that is blends both scenes, for better or for worst.
I have a tendency to say that both scenes will take the worst from one another. So the reggae crowd that didn’t keep their heads stuck on the speakers, well by seeing the techno crow do that, they will begin to do it too. And… I’m having trouble finding an example the other way round, but it must exist.

Often we say that each sound system has its own ‘identity’. What does that identity consist of, where does it come from?

I think first of all that it comes from the music, and the musical tastes of the selector(s). A little from the philosophy of the members too.  Again, even if we started saying: ‘right, we are bored of techno, we are now playing only roots”, you can’t take away that having lived in a truck, having gone to raves, having lots of punk or tattooed friends, you’ll never see me denying those roots. Yes I’ve got my rasta side, but I’m tolerant. A lot more that many rastas I’d say.
So yes, the identity comes from the music, but also from the philosophy and the state of mind of the members.

I did a session with Bass Explorer where the guys from Mahom came to play. It wasn’t planned that I would bring out my system, so we linked up the two.
The guys from Mahom, when we had a chat the next morning and I said that I came a bit from the techno scene, told me that you could really feel that in my selection.

So the music and the philosophy are closely linked. So of course we have a strong identity that is very digital, very electronic… Having said that I don’t really dig dub-electro, strangely enough. But on the other hand we are great fans of more punchy sounds. For example with Riddim Tuffa, a lot of people prefer the old rubadub style things he’s doing with Little John. But at the moment I’m really digging the Buju Banton “champion” remix, that has very techno bass. And why? Because that tune I’ve heard tons of time on jungle remixes, and when I hear it I jump as if it was techno.

I think the philosophy influences quite a bit our sound. But once again, we play music that we like. That’s even more important today, in the age of mp3 where you can play any kind of music relatively easily.

Talking about records. Today there is Serrato, CDs… what is it that has made records stay so important to this music?

On one hand it’s a bit of a resistance to digital, on the other hand it’s also a bit the cliché “this is how we do”. There is a little of that aspect, it’s not worth denying.
But there is also the fact that fucking hell, I’ve been buying records for 10 years, it has cost us a fortune. I’m not going to convert them to digital in order to only play serrato.
Then again, we are going to have to move towards serrato, myself included. I’ve been saying shit about serrato and digital for 10 years, but now we are starting to have a lot of dubplates, a lot of original tunes made only or us or made by friends that haven’t been released yet. Now, half or even three quarters of my set is one vinyl turntable and the laptop.

Again, serrato and digital is a matter of costs. It’s a question of Babylon and finance. If I was living a bit more from my sound, or my sound would be working a bit more financially, I would press all my dubplates onto records, I wouldn’t even think about serrato. I would just have my laptop for pre-releases or unreleased stuff, that’s it. Even exclusives, if you know it’s a killer, I would have it pressed.
With vinyl, it’s really about the idea that ‘it’s the roots’. And if you want to go on and fight a minimum against Babylon you have to keep vinyl, otherwise it’s over, and you’re completely in it.
If you leave vinyl behind, as a reggae sound system, you can forget all the tunes that say “burn Babylon”, because you did the first thing Babylon told you to do: forget vinyl and buy mp3.

That is something that comes back very often, and even the aspect of building your own system, it’s still a resistance – whether it’s in the techno scene or the reggae scene. It’s the independence, the autonomy, the system you built or set up yourself.

That’s it – managing to control from A to Z, having your small space. In the end what is it; it’s building your empire within the empire.
I‘m not stupid, I’m like everyone else. You can’t fight. But it doesn’t mean you have to put your arms down either. It’s up to everyone to create your own recipe, and I think that my own recipe is good enough to struggle with Babylon. I didn’t do it with the home-made system, but I did it by taking my truck and playing in Portugal; fuck Babylon by burning 2000 euros worth of petrol to go set up a free party in Portugal.

Everyone has their own idea of how to “burn Babylon”. It depends on the means and the ideas you have, and your way of seeing things. I don’t consider myself a carpenter, I don’t think the home-made speakers are essential. For me the aim of speakers is not to fuck Babylon, it’s to spread my music and my message.
I prefer to fuck Babylon through my music and my message, and by organizing events that cost 10 or 15 quid instead of 50 quid if Babylon was organizing them. Everyone does what they can with what they have. As long as you do it with the heart, with passion, a minimum level of respect for others and values, it’s good.
What I can’t take anymore with the techno scene, it’s the “I don’t respect anything”, “fuck everything” side. Dude, no…It doesn’t work that way. If you want to fuck everything well, have a minimum of respect and values, then we’ll see. The hardest is to keep your values.

Last question: how would you describe a sound system session to someone who has never heard about it. How would you try to explain it?

It’s very very difficult. Without saying “you have to go”. I would say watch “Musically Mad” (laugh).
I asked myself that same question, especially regarding friends of mine, who have already been to some events, such as the Dub Station, but who don’t understand my obsession for “home-made”: that I want to organize my night at the Korigan, with my artists, on my sound system, not need to rent any equipment… I showed them Musically Mad. They understood quite well. Then they went to a night with the sound system, and the power of the bass completed their understanding of what was a reggae sound system session.

Another example is with a friend of mine. He’d already been to the Garance, but he’d never gone to the Dub Station corner, he must have watched from a distance. So after watching Musically Mad, he began to understand why I was so obsessed with the whole thing. After the session with Marina P and Steppa Style at the Korigan, the bass made him understand a bit more.
Then the festival YAPTLM outside, the sound system takes on its true value because it isn’t constrained by a room. The bass regains its value, and then you have the vibe, the utopian aspect: we are in a field all together, for 15 quid, the day, the night, then again the day, that made him understand what it was all about.

Then for people who have no idea and want to understand… honestly, it’s very very hard. There is a song that came out recently, every time I play it I get goose bumps: Schizo from Balle Bacce Crew. They describe their life as sound boys. The lyrics are exactly spot on. It’s really what I feel, before, during, and after a dance. Because that’s what they describe. Work during the week, the session on the week end, and the come down after that.

Interview After All Sound System

“Si t’abandonne le vinyle en tant que sound system reggae, tous les morceaux qui disent ‘burn babylon’ tu peux les oublier, parce que tu as fait le premier truc que Babylon t’a dit de faire : abandonner le vinyle et acheter du mp3.”

Autour d’un verre dans son jardin à Pélissanne, interview avec Benoit du After All sound system. Discussion sur la scène sound system actuelle, son évolution, son futur, ainsi que sa relation avec les free et les raves.
(Longue interview)

(Sur le sujet des free parties)

Même si je reste beaucoup moins dedans, la dernière s’est très mal passée, j’y reviendrais toujours. Même si un peu différemment, un peu plus légalement ou un peu mieux organisé, mais j’y reviendrais toujours. Parce que tu ne m’enlèveras pas l’idée que lorsque tu fais une free, tu as une ambiance que tu n’auras jamais ailleurs.

Le fait, pourquoi je continue à faire de la free, et pas me centrer que sur les festivals ou les soirées en salle, c’est parce que tu ne m’enlèvera pas l’idée que de faire bouger 500, 600, 700, 1000 ou 6000 personnes, sur un coup de fil ou sur un simple texto, c’est magique.
Ce retrouver sur un simple coup de fil, sur un simple texto dans un endroit perdu dans la nature ou à l’origine il n’y a rien ni eau ni électricité et là d’un coup il y a de la musique, à boire et à manger, c’est vraiment magique. Et il n’y que la free party pour apporter ça.

Comme pour créer un endroit, un monde complètement diffèrent ?

Pour créer un truc… comment ils appellent ça déjà ? Intemporel ? ça y était pas, ça y est, ça y est plus.

Une zone autonome temporaire ?

Voilà, comme ils appelaient ça a la grande époque, mais qui existe plus vraiment, vu que maintenant, en free, on a perdu un truc, et c’est l’autonomie.
C’est-à-dire que la free, et d’ailleurs comme pour le milieu Sound system reggae, elle a été victime de son succès début des années 2000. Je pense que le milieu Sound system reggae n’est pas loin d’être victime de son succès aussi. On verra d’ici 4 ou 5 ans si je me trompe ou pas.

Ça commence à être un peu le grand n’importe quoi, notamment les 24 scoops de Blackboard Jungle. Pour moi ça c’est le début de la fin.
Moi dans cette ambiance-là… on est un milieu à musique amplifié, et on commence à entendre beaucoup d’organisateurs de Sound reggae, que ça soit en extérieur, intérieur, salle, festival, ou autre… dire qu’ils sont de plus en plus catalogué.
C’est-à-dire quand on va démarcher un endroit, même si c’est avec un Sound system reggae, quand tu annonces « Sound system », « enceintes », « platines », les gens pensent directement à « rave », « pas bien », « du bruit ».

Déjà le coté Sound system il est catalogué « bruit ». Et à côté de ça tu en a qui arrivent avec 24 scoops… Il n’y a pas de lieux approprié pour nous accueillir. On est victime de ce problème-là. On n’a pas assez de lieux capables de nous accueillir pour organiser des soirées légales, safe, etc. Qui soient pas ‘free’ ou trop underground.
On a ce problème la, et tous veulent pourtant avoir le plus gros Sound system, le plus d’enceintes alors que déjà sortir 2 scoops c’est la misère.
C’est pour ça que moi j’ai énormément de respect pour Stef’, du Lion Roots Sound. Il m’a vendu du très bon matos, des anciens scoops a lui. Quand je lui ai demandé pourquoi il vendait son matos, il m’a répondu « j’ai 12 scoops, je les ai sortis une fois en 2 ans. D’en sortir 10, sa m’arrive probablement une fois aussi tous les 2 ans. Quand j’en sors 8, on me prend pour un fous, on veut plus m’inviter. Je vois pas pourquoi je vais en garder 4 alors qu’ils vont rester dans mon garage ». Et à 4 scoops, il sait que je ferais pas top de concurrence.
Et puis même, la différence, et ce qui fait la concurrence entre Sound, ce n’est pas le nombre de scoops, la puissance de la sono, c’est le lieu.
Trouve le bon lieu, ou tu es en place pour faire tes soirées, et si ce lieu il accepte 10 scoops, 12 scoops ou 24 scoops, fais tes 24 scoops. Si tu as un lieu pour sortir tes scoops, alors dans ce cas fait-le. Mais faire 24 scoops juste pour pouvoir dire qu’on est la plus grosse sono de France, je trouve ça un peu dommage. Ils en avaient 12, c’était largement assez pour leurs soirées, même pour sonoriser le garance.
Invite des sonos qui viennent du fin fonds de je ne sais pas où, que personne ne connait. Rencontre, échange, fais quelque chose d’innovant, au lieu de se concentrer sur le nombre de scoops.

C’est de la que je veux dire que le milieu dub commence à être victime de son succès, c’est que si tu regardes les progs, au plus ça va, au plus elles sont facile.
C’est une des raisons pour lesquelles j’ai eu quelques débats avec les Musical Riot. Musical Riot sont à un niveau aujourd’hui phénoménal. Il n’y a personne en France, voir en Europe qui est à leur niveau.
Ils n’auraient pas monté le tribute et le Musical Riot, la culture reggae en France serait probablement dix pieds sous terre enterré sous les free parties.
Grace à ça, tous le reggae français s’est réveillé. Donc pour moi, quand tu es à ce niveau-là ; quand tu fais des dates au Trabendo et aux Docks des Suds à Marseille – qui sont probablement les 2 plus belles salles en France pour ce genre d’événement – quand tu fais des dub station au garance, au Rototom, au Outlook, à Lyon, au Portugal… Quand tu en est là, que tu viens de Marseille, tu es en place de chez en place… ça te coute quoi, à chaque dub station ou au moins une fois sur deux, d’inviter des petits sounds locaux, des nouveaux qui débutent pour faire la première partie, de faire le warm up… refuser sur le principe qu’ils ont pas assez d’expérience… non mais c’est parler comme un babylonien de base ! Si tu ne donnes pas la chance aux jeunes de se montrer, d’avoir de l’expérience, comment ils vont y arriver ?

Je ne critique pas les Dub Stations – c’est très bien. Ca fais bouger 800 personnes, ça a une belle programmation, ils font bouger de belles sonos. Je ne redis rien au concept de soirée. Simplement d’un point de vue extérieur, c’est une remarque que je me suis permis de faire.
Sound system en Jamaïque à la base c’est quoi. Un studio, un Sound system, et des nouveau tunes qui sortent venant des gens du quartier, du ghetto et on les diffuse. La base d’un Sound system pour moi, la base de la radio du peuple c’est de faire découvrir les nouveaux chanteurs, les nouveaux talents.

Le but c’est pas d’avoir une collection fermée de dublates. La collection de dubplates tu l’as parce que c’est toi qui les a découvert. Là-dessus je suis à 200% d’accord avec King Shiloh qui dit qu’il est pas d’accord avec le business des dubplates, même si j’ai payé pour quasiment toutes les miennes. Le dubplate normalement c’est un contacte. L’artiste kiffe ce que tu fais en tant que sono, toi tu kiffe ce qu’il fait en tant qu’artiste…

Ca reviens un peu sur que David Rodigan disait à propos des clashs : les vieux sounds ont des dubplates d’artistes légendaires, mais qui sont mort. Donc à partir de là un nouveau Sound qui rentre en clash contre eux n’a pas, et ne pourra jamais avoir le même ‘niveau’ de dubplate. Du coup ce que Rodigan proposait, c’est que dans les clashs et surtout ceux qui oppose un jeune sound à un sound plus âgé, ils ne peuvent passer que des dubplates d’artiste vivant, comme ça les jeunes, artiste et Sound, ont une chance. Il faut du nouveau

C’est ça ! Il faut du nouveau. Il ne faut bien sûr pas oublier les fondations, les roots, la base. Mais la base d’un sound c’est faire découvrir des nouveaux talents. On ne peut pas continuer à jouer les mêmes dubplates des même artiste, faire venir les même chanteur, même si ils cartonnent. Il y a un moment où il faut laisser la place au nouveau, ou même combiner les deux.
Quand j’ai fait la soirée avec Marina P et Steppa Style, qu’est-ce que j’aurais remplis juste avec Steppa Style. Peu de gens le connaissent, sauf ceux qui sont très pointu sur le cross over ragga-jungle. Du coup j’ai pas pu faire la soirée avec lui tout seul. Et encore, Marina P c’est encore trop pointu – pas assez hype. Mais c’est justement des talents neuf.

Depuis quand est-ce que tu opère dans le milieu reggae, et qu’est ce qui t’a poussé à rentrer dedans :

J’ai découvert le milieu Sound system et le milieu musical par la techno et par les free party, parce que j’avais un amis qui avait un Sound techno. Je m’y suis intéressé pas par la musique, j’aimais pas vraiment la techno, j’étais un gros fan de reggae. Je suis allé à ces fêtes plutôt pour l’esprit et l’ambiance qu’il y avait derrière qui m’a attiré.

De là, c’est bien beau d’aller à un évènement qui te plait mais bon. J’ai toujours envie d’y participer un peu, donc je trouvais mon compte dans le branchage des amplis et des enceintes, et j’ai appris avec des sounds techno, mais au bout d’un moment j’avais envie de faire de le musique moi-même. La musique techno c’est pas ma musique, je ne suis pas arrivé à en faire, et là j’ai découvert que le reggae existais aussi en vinyle, Et surtout, j’ai appris que le milieu sound system de la techno n’étais pas né de la techno, mais du reggae. Du coup je me suis intéressé, j’ai découvert des sound reggae. Il y a une dizaine d’année. J’ai acheté des vinyles, puis au petit matin je jouais du reggae sur la sono des potes en teuf. Et puis après on a monté notre propre truc en 2003.

Dix ans cette année du coup !

Et oui, dix ans ! Rendez-vous en septembre pour l’anniversaire normalement.

Et du coup, de quoi consiste ta sono ?

Un stack, 4 scoops shortman en 46 pour 6000w de sub, 2 W-Bin pour le kick bass, 4 colonnes Cerwin VEGA double 38 plus pavillon 1 pouce pour le medium-aigue. System en 3 voies, pas de pré-amplis comme les trois quarts des sounds. En mode cross over techno, 2 platine, une mixette, 2 filtres actifs, et point barre pour l’instant. On joue rarement a une platine.
Beaucoup de gens me disent « ah mais le traitement, le signal, le patin le couffin, le pré-ampli, le processeur numérique.. ». pour l’instant j’ai 2 cross over, et ce week end on a eu les plus beau retours qu’on a jamais eu pour la qualité du son.
le system est harmonieux, j’ai très peu de réglages à faire pour qu’il tourne bien. J’ai une oreille qui ne marche pas donc ça tombe très bien. Je ne vois pas pourquoi j’investirai des cents et des milles dans des trucs qui deviennent obsolète.
On a une sono efficace et on la changera pour rien au monde.

Tu as dit que tu avais acheté les scoops à Lion Roots. Est-ce qu’il y a une partie de la sono que tu as construite toi-même ?

Les 2 W-Bin ont été construits par un ami à moi. Le reste c’est de l’ampli et de l’enceinte d’usine comme les filtres actifs et notre limiteur
Les scoops que j’ai acheté à Lion Roots c’est Shortman, un petit fabricant anglais qui les a fait. Dans le reggae on considère ça encore comme du ‘home made’ ; je pense, vu que c’est un artisan. Très peu de gens le connaissent dans le milieu techno, mais maintenant, les gens qui le connaissent me disent « mec, c’est plus de l’artisanal. Un mec comme ça a beau être artisan, c’est comme si c’était manufacturé, mais de meilleur qualité qu’il soit ».
On n’est pas le son le plus « home made » qu’il soit, ça c’est sûr. En même temps, encore une fois le cliché du « home made » j’en ai un peu rien à faire. Je suis avant tout la pour diffuser de la musique, de la meilleur façon possible, et j’estime que je n’aurais pas fait mieux avec mes mains, donc je suis content de ce que j’ai.

On va changer certainement, la sono va évoluer. On va essayer de faire encore plus fait main. Mais bon, je vais arrêter de faire plein de choses ‘à peu près’, je préfère faire moins de choses et les faire bien. Faire de l’ébénisterie, on a beau être 5, être tous bricoleurs, je pense qu’il y a des gens bien plus doués pour faire ce genre de choses.

C’est comme la production – j’aimerais beaucoup en faire, j’ai plein d’idées. Mais de 1, je ne suis pas musicien, de 2, je suis nul en musique, et de 3 j’ai pas le temps. Moi je vais me concentrer sur gérer mes dates et gérer la sono et passer des disques. C’est déjà suffisamment de boulot pour moi.

Mais encore une fois, pour en revenir au cliché « home made », c’est comme les ‘locks’ : il y a personne qui a des locks dans notre sound system, parce que au final rasta on l’est dans le cœur.

Est-ce que la manière dont tu montes ta sono en soirée change en fonction de l’endroit où tu joues ?

Un petit peu, même si en général on essaye de garder le stack d’un block, vu que l’impact de 4 scoop ensemble est plus important que 2 stacks de 2 scoops, c’est comme ça qu’il a le meilleur rendu. Après si on a besoin pour des diffusions de couvrir un espace plus important, mais moins puissamment, on peut faire différemment.

Vu qu’encore on a plein de pote qui font de la techno, de temps en temps on fait de la location pour des soirées beaucoup plus électronique, et dans ce cas-là il faudra modifier le stack vu qu’il est pas conçu à la base pour faire de la musique électronique.
Pour les platines, en général nous en configuration ‘soirée reggae After All’, c’est : le stack d’un block, les platine en face à 12m, si possible sur la droite. Après ça varie un peu en fonction de l’endroit – intérieur, extérieur… – Mais en général c’est comme ça.
Par contre quand on fait des soirées ou il y a un mélange de genre, ou un peu plus techno, on peut être emmené à faire 2 régies. Une régie DJ en face pour le reggae, et une régie derrière pour les DJ plus électroniques, vu qu’ils mixent beaucoup plus – et s’ils sont trop loin du son il y a un problème de décalage qui se fait, entre le temps que met le son à venir dans leur casque et à passer dans la sono.

Le reggae de manière général a beaucoup d’éléments politique, c’est politisé, très social. Est-ce que tu penses que ces éléments sont toujours là – dans ton Sound et en général.

En général je pense que ça s’est beaucoup perdu. Mais parce qu’on est dans des pays ou la vie est relativement plus facile qu’en Jamaïque. C’est des difficultés sociales et politique en Jamaïque qui ont fait qu’à l’époque cette musique là est devenue politisé.
L’Angleterre, j’y suis allée à une époque où j’avais pas un œil très attentif sur le milieu reggae, donc j’ai du mal à juger. Mais je pense que là-bas il y a un peu des 2. Il y a des danses et des sounds systèmes qui sont très orientés, pas politiquement forcément, mais socio-culturellement ; qui sont avant tout la pour diffuser un message qui soit ‘religieux’, ‘politique’ ou ‘spirituel’. Et je pense qu’il y en a aussi d’autre qui sont beaucoup plus la dans un cadre festif. En Angleterre les deux jouent beaucoup.

Mais c’est peut-être pour ça qu’en Angleterre ça reste LE centre des sounds reggae ?

Possible. En France ça doit exister un tout petit peu aussi – je pense notamment par rapport à des débat récents, à Critical Hifi, de Toulouse. Ils m’ont l’air très très engagées politiquement.
Chez nous, moi j’aimerais bien m’engager un peu plus, mais je me suis rendu compte – de par la free, un petit peu de par les soirées reggae – que malheureusement le message que tu veux faire passer, qu’il soit de paix, d’amour, politique ou autre, au final il y a très peu de gens qui sont réceptifs.

Même dans un dance très individualiste, 100% reggae roots, soit il y a 40 pelos qui sont tous prêt à comprendre ton message et à le diffuser autant que toi – mais dans ce cas tu n’as pas grand-chose à y gagner puisqu’il y a 40 pelos. Soit quand tu commences à faire du 150-200 pelos, il y aura peut être toujours ces 40 la que tu peux essayer de politiser, mais les gens sont avant tout la pour faire la fête et manger du son dans les oreilles.

Apres, je veux dire, c’est normal. On est vendredi ou samedi, les gens ont passés une semaine de merde à taffer, ils sont là pour se relâcher. Ça ne veut pas dire qu’ils sont complétement inconscient, ou que tu peux jouer du Sizzla ou du Buju homophobe toute la soirée non plus. Mais bon le gros de leur attention ne vas pas être sur le message. Il va être sur la musique, sur le côté dansant de la chose plus que sur le message.

Après, encore une fois, j’en ai beaucoup joué du Sizzla et du Buju homophobe parce que j’étais fan du flow et fan des mélodies derrière. Mais maintenant c’est le genre de son que je bannie de notre sono.
La dernière fois on a fait une free, et mon pote le matin a mixé un remix de « boom bye bye » de Buju Banton. Je l’ai laissé faire parce qu’il joue rarement sur notre sono vu qu’il fait principalement de la hard tek, et je veux bien de la musique électronique mais pas du truc de bourrin. Il a mis le disque, je l’ai laissé faire mais c’est la dernière fois que ce son passe sur la sono.

Même si les gens sont avant tout la pour danser, il ne faut pas oublier que les quelques-uns qui comprennent l’anglais ou qui connaissent, eh bien disons que ça peut en froisser certains, et je suis là pour froisser personne. J’essaye de prôner Peace Love Unity Respect, bon, il faut être un minimum cohérent. Je suis prêt à passer sur quelques trucs, quand on fait la fête de temps en temps, mais on est quand même là pour faire passer un message et éduquer un minimum les masses. Si on peut les éduquer en les faisant danser – je ne mets pas que des tunes politiques – mais dans le reggae musique il y a plein de sujets : les femmes, l’amour, la politique… Il faut jouer un peu de tout, ne pas être extrémiste. Les extrêmes que ça soit dans le reggae music ou autre part, c’est pas bon.

Quand j’étais jeune j’étais quelqu’un de très extrême dans mes idées – « mes valeurs, mes principes blablas, j’en démord pas ». Au final, non. Dans la vie c’est bien d’avoir des valeurs et des principes, mais c’est bien de savoir mettre de l’eau dans son vin.

Donc au final lors de tes sessions qu’est ce tu essayes d’apporter d’autre que la musique ?

Oui. Déjà moi j’essaye d’apporter le coût minimum a toute nos session, vue qu’on vient de la free et la free c’est la preuve que tu peux faire des soirées de qualité musicale et gratuite ou presque.
Je pense que c’est réalisable, à échelle différentes, en fonction des lieux et des possibilités, mais tu peux jouer avec le prix d’entrée d’une belle façon.
C’est pour ça quand on fait Marina P et Steppa Style on essaye de le faire a 8e, le même prix que la plupart des soirées sur Aix ou il n’y a que des sounds system. Parce que mes artistes je les ai pas payé cher sur ce coup-là, les billets de train et d’avion non plus, donc je vois pas pourquoi je vais mettre le prix à 10e pour essayer de me gaver plus. Je préfère 8e et faire salle pleine plutôt que 10e … enfin bon là j’ai fait 8e avec une salle vide (rire)

Mais c’est le même constat avec le festival de ce week end, Y’en Aura Pour Tout Le Monde. Et bien je te mets au défi de trouver un autre festival en France et même en Europe avec 24h de musique, plus de 30 artiste de musique, peut-être pas ‘mainstream’, mais reconnus dans leur milieu, pour 10 ou 15 balles l’entrée. C’est le genre de festival que n’importe où ailleurs ça coute 40-50 euros, ou 30 si c’est un peu subventionné. Ça n’existe pas.

Donc encore une fois, quand on veut, on peut. On fait partie d’un mode de vie un peu aléatoire, un peu en marge de la société. On ne veut pas être complétement à l’écart ; on veut juste que les gens comprennent qu’on vit un peu différemment, avec d’autre valeurs que celles de la société de merde dans laquelle on vie. C’est-à-dire manger un peu sain, dormir un peu sain, vivre un peu sain, travailler un peu sain.. Quand on peut faire le tri on fait le tri. Quand c’est trop difficile, bien on ne le fait pas. On est comme tout le monde dans cette société, on est des gros flemmards – mais on essaye tous d’en faire au moins un petit peu pour que le petit microcosme autour de nous soit comme on l’entend, un peu plus beau, un peu meilleur.

Certain te dirons que c’est des valeurs de hippie, mais bon, tu vois ce que je veux dire ? C’est des valeurs auxquelles on croit. De par la free, l’Independence, l’autonomie d’un petit groupe de gens je trouve ça formidable et en plus en essayant de respecter un peu la nature, ce qui n’est pas toujours le cas ni dans les free ni dans les festivals.
Sur un festival comme YAPTLM, c’est super galère. On essaye de faire le tri sélectif, mais tu n’as pas la moitié des gens qui le respecte. On le met en place, et au final c’est pas respecté, mais on continuera à le faire. C’est des valeurs qui restent avec le concept global du festival. J’en parle la parce que ça a été une des plus grosses scènes d’After All à ce jour, une des plus belles progs, une des plus belles expérience humaine, artistique, et une des plus belles expérience technique pour nous. Ce festival la représente des valeurs propres au sound system. C’est ce que tous les membres ont en eux, c’est l’image qu’on aimerai donner du sound system.

Je pense que toute ces valeurs sont dans ce festival Y’en Aura Pour Tout Le Monde, déjà le nom veut tout dire : s’ouvrir à tout, être alternatif c’est bien, mais être ouvert c’est mieux. Et être en marge de la société mais sans non plus être à l’arrache. On est diffèrent, mais c’est pas pour ça qu’on n’a pas été 100% légal sur ce festival-là. C’est pas une free, ça n’a rien de professionnel, mais ça n’a rien d’amateur non plus.

Avec les retour qu’on a eu un petit peu, tout le monde à l’air d’être content, et les artistes, et le public. Donc encore une fois, c’est faisable. Même si le bilan financier ne sera pas formidable et qu’il sera dur de rebondir mais peu importe, le bilan humain et artistique est là. Et on le refera parce qu’humainement ça vaut le coup. Et aussi parce que cette année on a changé de lieu aussi et que le lieu aussi vaut le coup. Ce genre d’évènement ne peut pas se faire sans les locaux. Et ça c’est quelque chose qu’on essaye d’apporter sur tous les évènements. Un truc simple comme consommer local, à tous les niveaux.

Si je peux au maximum, sur mes évènements, faire de la promotion pour les produits locaux, les associations locales, je le ferais toujours. J’avais monté une asso dans ce but la, « Du son Pour Une Cause » pour que toutes les soirées After All soient organisées par cette asso et que sur chaque évènement il y a, que ça soit une cause humanitaire, ou même si il y une asso de ton village qui te plait ? Qui se bouge le cul dans ton village ? tu fais une soirée dans ton village ? Eh bien t’invite l’asso à venir, à monter son stand, pour qu’elle puisse faire parler d’elle, faire sa com’ et son beurre elle-même. Sa marche, tant mieux. Sa marche pas, toi à la fin s’il y avait 1euro pour l’asso par entrée, t’a fait 50 entrée, tant pis, au moins ils pourront se faire une petit bouffe. T’a fait 5000 entrées, tu leur donne 5000 euros. Que ça soit humanitaire, global, ou même pour l’Emmaüs du coin. C’était un projet qui est maintenant en attente, mais on y reviendra.
L’alternatif et l’associatif forment une petite famille, et si chaque petite famille se met ensemble, on est tous un peu plus fort.

Pour revenir sur les raves, free parties. Il y a des points communs avec la scène sound system reggae. Mais est ce qu’ils y a aussi des différences ? Aller en free partie et aller en session reggae, il y a des valeurs similaires à la base. Mais que seraient les grosses différences ?

J’aurais tendance à te dire que vu que les deux commencent à être victimes de leur succès, il n’y a plus grande masse de différence : c’est-à-dire les trois quarts des gens qui vont, peu importe l’affiche, ils y vont pour écouter le musique à faible cout, et a fort rendement. JE pense qu’il y a de moins en moins de différences entre ces deux trucs la, parce qu’ils se sont aseptisés de plus en plus.
Cela a des avantages et des inconvénients. On va peut-être avoir plus de facilité à vivre de notre musique, mais d’un autre côté, tu perds de ton authenticité.

Après, à la base il y avait une grosse différence il y a encore quelques années entre une danse reggae et une danse techno : c’était justement ce côté du message.
Le message techno était acquis. C’était en gros ‘fuck off l’Etat’, on arrive à faire une soirée sans rien ni personne pour nous aider. Tout le coté spirituel il était acquis par quasiment tous les acteurs de la fête, les gens savaient très bien dans quel milieu ils allaient, pourquoi ils y allaient.. Et les soirées reggae étaient au final un peu la même chose mais avec un historique et un message diffèrent. La politique des soirées reggae étaient plus centrés sur des choses vrai, un combat ‘vrai’, de la vie de tous les jours, culturel et social. Le milieu techno était plus utopiste, et le message était un peu plus.. genre les lutins, la foret… (rire), l’autonomie voir l’anarchie. Bref très utopique.

Au final, pour moi de plus en plus, dans ces 2 milieux la, le public est de plus en plus jeune. Il s’aseptise de plus en plus, et donc c’est des milieux de plus en plus proches.
Et ça tu le voit. Je me souviens de mes premiers sounds systems reggae il y a 8-10 ans, ou les gens restaient loin des enceintes. Quand il y a trois stacks, les gens se mettent au milieu, ils ne vont pas se coller au mur. Ils se mettent au milieu là où le point d’impact il est bon.
Et au plus ça va dans les soirées reggae, les gens mangent de l’enceinte, comme dans une soirée techno. J’ai rien contre au contraire je note juste des changements de comportement
Du côté de la musique, l’avantage et l’inconvénient de la ‘Bass musique’, qui prend une ampleur de dingue, c’est que elle mixe ces 2 deux milieu, pour le meilleur et pour le pire.
J’ai toujours eu tendance à dire que les deux milieux vont prendre le pire l’un de l’autre.

Alors pour finir, souvent on dit que chaque ‘sound’ a sa propre identité. En quoi consiste cette identité, d’où viens-t-elle ?

Je pense, avant tout, la musique, et l’affinité musicale du ou des sélecteurs. Un petit peu la philosophie de ses membres. Encore une fois nous on aurait beau avoir dit ‘bon, la techno sa nous a gonflé, on joue plus que du roots, Tu m’enlèveras pas que d’avoir vécu en camion, d’avoir fait des teufs, d’avoir pleins de potes que c’est des punk et des tatoué, tu me verras jamais les renier. Oui, J’ai mon côté rasta, mais je suis tolérant. Beaucoup plus que certain rasta au final.
Donc oui, l’identité vient de la musique, mais aussi de la philosophie et l’état d’esprit de ces membres.

Après j’ai fait une session avec Bass explorer, où les gars de Mahom sont venue jouer. C’était improvisé que je sorte ma sono, du coup on a linké les deux, et j’ai joué.
Les gars de Mahom, quand on a discuté le lendemain et que j’ai expliqué que je venais un peu du milieu techno, m’ont dit que sa se sentais énormément dans ma sélection.

Donc la musique et la philosophie sont très proches. Donc forcément on a une grosse identité qui est très digital, très électronique, très pêchu.. Après dub-électro, curieusement, je kiffe pas trop, genre High Tone. Mais par contre on est fan de certaines sonorités très pêchu. Par exemple chez Riddim Tuffa, il y en a plein qui préfèrent tous les vieux trucs rubadub qu’il fait avec Little John et tout ça. Mais moi en ce moment je suis au také sur le ‘champion’ de Buju Banton, qui a une basse très techno. Et pourquoi ? Parce que ce morceau là je l’ai entendu des tonnes de fois sur des remix jungle, et que quand je le joue je fais des bonds comme si c’était de la techno ou presque car il me rappelle beaucoup de bon souvenirs sur des dancefloors de free
Je pense que la philosophie influence pas mal notre son. Mais encore une fois, on joue que de la musique qu’on aime.

C’est encore plus important aujourd’hui, à l’heure du mp3 ou tu peux jouer n’importer quelle musique relativement facilement.

Alors, justement, sur les vinyl. Maintenant il y a le serrato, le cd… qu’est ce qui fait que le vinyle reste aussi important dans cette scène ?

D’un côté c’est un peu une résistance au digital, d’un côté c’est aussi un peu le cliché ‘c’est comme ça que ça se fait’. Il y a ça un petit peu, il ne faut pas se mentir.
Mais il y a aussi le côté que « bordel, ça fait 10 ans qu’on acheté des vinyles, ça nous a couté une blinde. Je ne vais pas me faire chier à tous les numériser pour jouer que du serrato. »
Apres, on va y venir aussi un peu au serrato. Moi le premier.
Ça fait 10 ans que je chie sur le serrato, et sur le numérique, mais on commence à avoir beaucoup de dubplates, ou de prods originales que pour nous, ou que des copains ont fait et qu’ils n’ont pas encore sortis. Maintenant, j’ai la moitié voir les ¾ de mon set c’est une platine vinyle-l’ordi.

Encore une fois, après le serrato et le numérique c’est une question de moyens. C’est une question de Babylon et de financement. Je vivrais de mon son un peu plus, ou mon son tournerait un peu mieux financièrement, toutes mes dubplates je les ferais presser en vinyle, et je me poserais pas la question du serrato. J’aurais juste mon PC pour les pré-release ou les trucs pas encore sortis en vinyle, et point barre. Mais même les exclusivités, si tu sais que c’est une tuerie, je la presserais.

Le vinyle, c’est surtout le coté ‘c’est la racine’ quoi. Et si tu veux continuer à lutter un minimum contre Babylon il faut garder le vinyle, sinon c’est finis, tu es en plein dedans. Si t’abandonne le vinyle en tant que sound system reggae, tous les morceaux qui disent ‘burn babylon’ tu peux les oublier, parce que tu as fait le premier truc que Babylon t’a dit de faire : abandonner le vinyle et acheter du mp3.

Ça c’est quelque chose qui revient assez souvent, et même dans le coté je construis ma sono, c’est quand même une résistance – que ça soit dans le milieu techno ou reggae. C’est cette indépendance, l’autoproduction, ta sono que t’a fait ou assemblée toi-même…

C’est ça – arriver à contrôler de A jusqu’à Z, pour avoir ton petit milieux. Au final c’est quoi ; C’est bâtir son empire dans l’empire.
Je ne suis pas bête, je suis comme tout le monde. Tu ne peux pas lutter. Mais il ne faut pas baisser les bras non plus. C’est à chacun de faire sa sauce comme il en a envie, et moi j’estime que ma tambouie elle est bonne pour lutter contre Babylon. Je l’ai pas fait pas fais avec le home-made de la sono, mais je l’ai fait en prenant mon poids lourd et en allant jouer au Portugal et en niquant Babylon en allant cramer 2000e de gasoil pour aller poser un festival free au Portugal. Et en trouvant des dates auto géré tout au long du trajet aller-retour
A chacun son idée du ‘burn babylon’. C’est en fonction des moyens que t’a et des idées que tu as, et de ta façon de voir les choses.

Moi je ne me considère pas comme un menuisier, je ne considère pas que le home-made des caissons sa soit vital. Pour moi le but de l’enceinte, elle n’est pas de niquer Babylon, elle est de diffuser ma musique et mon message.
Je préfère niquer Babylon par ma musique et mon message, et en organisant des évènements à 10 ou 15 balles au lieu de 50 euros si c’était Babylon qui les organisait.
Chacun fait ce qu’il peut avec ce qu’il a. Tant que tu le fait avec le cœur, et avec la passion, un minimum de valeurs et de respects des autres, c’est bon.
Moi ce que je ne supporte plus dans le milieu techno, c’est le côté « je respecte rien », « fuck tout »… Mec, non.. ça marche pas comme ça. Pour bien tout « fucker », ai un minimum de respect et de valeurs, après on verra.

Le plus dur c’est de garder ses valeurs. Apres, j’ai jamais été ni un voleur, ni… je ne sais pas mentir, j’ai jamais été un « bad boy ». Je suis plutôt un gros pacifiste, un gros hippie si tu veux. N’empêche que tu ne m’enlèveras pas l’idée que niquer babylon, t’arrivera à rien à part être malheureux car tu vas niquer du vide !!!
Tandis qu’essayer le combattre de l’intérieur, en faisant un festival à 15 balles organisé par une asso […]
Avec le festival (YAPTLM), ils l’ont redis devant le maire et tout, si ça marche et que ça fait carton, il ne faudra pas attendre 10 ans avant qu’il y ait des gens qui viennent nous envoyer l’hygiène et tous les contrôles possibles. Forcement ca dérangera et ceux qui ont pour but de vivre de la culture la ou nous on fait vivre la culture ….. J’ai déjà vu des entrepreneurs du spectacle menacé des associations qui leur faisait un peu d’ombre ! Il faudra qu’on soit encore plus carré que carré, justement parce qu’on est associatif, et parce que faire des trucs à 15 balles là ou tout le monde le fait à 50, forcement on va se faire taper sur les doigts.

Dernière question : comment tu décrirais une session sound system à quelqu’un qui ne connait pas. Comment tu essayerais de l’expliquer ?

C’est très très dur. Sans dire « il faut que tu y aille », je dirais regarde Musically mad (rire).
Je me suis posé la question notamment pour des amis à moi, qui pourtant ont déjà fait des soirées, genre des dub station, mais qui ne comprennent pas cet acharnement « home made » : je veux faire ma soirée au korigan, avec mes artistes, ma sono, demander des lumières à personnes, pas louer d’équipement. Je leur ai montré Musically Mad. Ils ont compris plutôt bien. Et après ils ont fait une session avec la sono, et puis la puissance de la basse a fini de leur faire comprendre ce qu’était une session reggae.

Et là je peux même pousser plus, un exemple particulier d’un pote à moi. Il été déjà allé au Garance, mais il est jamais entré dans la dub station, il a dû la regarder de loin. Donc après musically mad, déjà il a compris un peu pourquoi je m’acharne à faire ce genre de chose. Après la session Marina P Steppa style au korigan, la basse lui a fait comprendre.
Après le festival YAPTLM dehors, la sono reprend toute sa valeur puisqu’elle n’est plus bridée par une salle. La basse reprend de la valeur, et en plus l’ambiance, le côté utopiste, on est dans un champ tous ensemble, tous réunis, à 15 balles l’entrée, la journée la nuit, encore la journée, a fini par lui faire comprendre ce que c’était.

Apres les gens qui ne connaissent pas est qui veulent comprendre… Franchement non, c’est très très dur. Après il y a une chanson qui est sortie il y a pas longtemps, à chaque fois que je la joue j’ai la chair de poule : schizo de Balle Bacce Crew. Ou ils décrivent ce qu’est leur vie de sound boy. Elle est transcendante parce que les paroles c’est vraiment ça quoi. C’est vraiment ce que je ressens, avant pendant et après une danse. Parce que c’est ce qu’ils décrivent. Le taff pendant la semaine, la session le week-end, et puis la redescente après.

Welders Records – Every Day ft. Ras Mykha + Version (T.i.T)

https://soundcloud.com/welders-hi-fi/wer0701-a-every-day-ras-mykha

Welders HiFi is one of the very active crews of the south of France. Their resume has grown steadily since their start in 2008, and they have now played alongside many french and International artists and sound such as Solo Banton, Murray Man, Salomon Heritage, Soom T, Dawa HiFi, Tena Stelin, Slimmah Sound…

They have built a solid reputation in France, organising sessions – the “Massive’s Corners” – on their own home made sound system between Avignon, Aix en Provence and Bagnols-sur- Cèze.
After producing dubs and collaborations with Joseph Cotton, Ilements and Joe Pilgrim among others, this summer saw the release of their first 7″ on their newly formed label featuring Ras Mykha and T.i.T.
(listen to their other tunes on soundcloud: https://soundcloud.com/welders-hi-fi),

With “Every Day”, Ras Mykha (whose previous work can be heard over the productions of Barbes D and Jahspora) delivers a conscious and militant flow, anchored in the pure traditions of rasta philosophy. The version is handled by none other than T.i.T, who is probably best know for his more hard hitting steppa tunes often played by the likes of Iration Steppas, OBF and King Earthquake.  But for this release, he proves his versatility with a (very) solid digital killer.
(listen here to T.i.T’s remix of ‘tribulations’ by Joe Pilgrim: http://www.youtube.com/watch?v=aQ9rJB92gOM)

Showing no signs of slowing down, the Welders crew has already set a heavy agenda for the rest of the year, inviting King General and the Bush Chemists at the end of this month, and celebrating the 20th Massive’s Corner in december with Soom T, Sir Jean and Conquering Sounds.